2.18.2025
Hagen Quartet
FRANZ JOSEPH HAYDN
Born in Rohrau, Austria, 1732
Died in Vienna, 1809
String Quartet in G Major, Op. 54, No. 1
String Quartet in E Major, Op. 54, No. 3
ROBERT SCHUMANN
Born in Zwickau, Germany, 1810
Died in Endenich, Germany, 1856
String Quartet No. 3 in A Major, Op. 41, No. 3
https://www.92ny.org/culture-arts/concerts/m/program-notes/021825
https://www.92ny.org/event/hagen-quartet
The vocal group ekmeles performed Stockhausen's Stimmung at St. Paul’s Chapel, Columbia University on February 14th. The piece is over 70 minutes long, with six vocalists layering their voices and developing words and poems in 51 sections called models. In each model, humming such as "Moo-a-moo-a-moo-a" and "Myan-myan-myan-myan" is repeated, and the six vocalists gradually explore the overtones of the sound, creating an elusive and smooth overtone fusion interspersed with whispers, whistling, and chatter, resulting in a unique sound. Then, the names of the world's gods or greetings, such as Shiva, Vishnu, Hallelujah, and Salam, are repeatedly chanted. It calms the listener's mind and gives a sense of the ever-changing vitality. In German, Stimmung has various meanings, such as "tuning" and "mood," but Stockhausen wrote this piece in 1968 in his snow-covered home on frozen Long Island. He said he recreated the "magical" space he found himself in after wandering around Mexican ruins for a month. Stockhausen first discovered the technique when he heard his young son humming and making various sounds in his crib after falling asleep. It sounded like a style of singing used by women and children in churches in the Middle Ages, but it was later entirely replaced by masculine Gregorian chant.
ヴォーカルグループ「エクメレス」は2月14日、コロンビア大学セントポール礼拝堂でシュトックハウゼンのシュティムングを披露した。70分を超える作品で、6人のヴォーカリストが声を重ね、51のモデルと呼ばれるセクションで言葉や詩を展開していく。各モデルでは「モーアモーアモーア」「ミャンミャンミャンミャン」などのハミングが繰り返され、6人のヴォーカリストは徐々に音の倍音を探り、ささやき声や口笛、おしゃべりが散りばめられたとらえどころのない滑らかな倍音の融合が生み出され、独特のサウンドを生み出している。そして、シヴァ、ヴィシュヌ、ハレルヤ、サラームなど世界の神々の名前や挨拶が繰り返し唱えられ、聴く者の心を落ち着かせ、絶えず変化する生命力を感じさせる。ドイツ語で Stimmung には「調律」や「気分」などさまざまな意味があるが、シュトックハウゼンは 1968年に凍りつくロングアイランドの雪に覆われた自宅でこの曲を書いた。彼はメキシコの遺跡を 1 か月ほどさまよった後に見つけた「魔法のような」空間を再現したという。シュトックハウゼンがこの技法を初めて発見したのは、幼い息子が眠りについた後にベビーベッドでハミングやさまざまな音を出しているのを聞いたときだったが、中世の教会で女性や子供が使っていた歌い方に似ているそうだが、後に男性的なグレゴリオ聖歌に完全に取って代わられたようだ。この歌い方は中央アジアでも見られるという。
2025-2026 Carnegie Hall Concerts
Wednesday, October 15, 2025
Lahav Shani, Music Director and Conductor
Pinchas Zukerman, Violin
Program
PROKOFIEV Overture on Hebrew Themes
BEN-HAIM Violin Concerto
TCHAIKOVSKY Symphony No. 4
Thursday, October 16, 2025
Lahav Shani, Music Director and Conductor
Program
BERNSTEIN Halil
BEN-HAIM Symphony No. 1
TCHAIKOVSKY Symphony No. 5
Saturday, October 18, 2025
Lahav Shani, Music Director and Conductor
Program
BEN-HAIM Symphony No. 2
TCHAIKOVSKY Symphony No. 6, "Pathétique"
Wednesday, October 22, 2025
Thursday, October 23, 2025
Paavo Järvi, Artistic Director and Conductor
Midori, Violin
Hans Christian Aavik, Violin
Nico Muhly, Piano
Estonian Philharmonic Chamber Choir
Tõnu Kaljuste, Director
Program
ALL-ARVO PÄRT PROGRAM
Cantus in memoriam Benjamin Britten
Perpetuum mobile
La Sindone
Adam’s Lament
Tabula Rasa
Fratres
Swansong
Credo
Friday, October 24, 2025
Performers
Estonian Philharmonic Chamber Choir
Tallinn Chamber Orchestra
Tõnu Kaljuste, Artistic Director and Chief Conductor
Program
ALL-ARVO PÄRT PROGRAM
Für Lennart in memoriam
L'abbé Agathon
Stabat Mater
Magnificat
Te Deum
Tuesday, October 28, 2025
Marin Alsop, Principal Guest Conductor
Alexandre Kantorow, Piano
Program
TCHAIKOVSKY Romeo and Juliet Fantasy Overture
PROKOFIEV Piano Concerto No. 3
BARTÓK Concerto for Orchestra
Wednesday, October 29, 2025
Performers
Santtu-Matias Rouvali, Principal Conductor
Víkingur Ólafsson, Piano
Program
BRAHMS Piano Concerto No. 2
GABRIELA ORTIZ New Work (NY Premiere)
SIBELIUS Symphony No. 5
Wednesday, November 5, 2025
Program
PHILIP GLASS Opening from Glassworks (arr. Ksenija Sidorova)
J. S. BACH Adagio from Keyboard Concerto in D Minor, BWV 974 (arr. Ksenija Sidorova)
SERGEY AKHUNOV Sketch III
J. S. BACH Chorale Prelude on "Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ" (arr. Ksenija Sidorova)
GABRIELA MONTERO Beyond Bach (arr. George Morton and Ksenija Sidorova)
FAZIL SAY 3 Ballads (arr. Ksenija Sidorova)
ALBÉNIZ Asturias
PIAZZOLLA Chau Paris (arr. Ksenija Sidorova)
FRANCK ANGELIS Fantasie on a Theme of Piazzolla, "Chiquilín de Bachín"
SERGEI VOITENKO Revelation
ALEXEY ARKHIPOVSKY Cinderella (arr. Alexander Poeluev)
SCHNITTKE Revis Fairy Tale, Four Movements from Gogol-Suite (arr. Friedrich Lips and Ksenija Sidorova)
Friday, November 7, 2025
Performers
- Amaury Coeytaux, Violin
- Loïc Rio, Violin
- Laurent Marfaing, Viola
- François Kieffer, Cello
Program
GYÖRGY KURTÁG Hommage à Mihály András (12 Microludes for String Quartet)
BEETHOVEN String Quartet in F Major, Op. 18, No. 1
BRAHMS String Quartet No. 2
Friday, November 7, 2025
Performers
Kevin Kenner, Piano
Program
DEBUSSY Violin Sonata
SCHUBERT Fantasy in C Major, D. 934
SCHOENBERG Fantasy, Op. 47
FRANCK Violin Sonata
Sunday, November 9, 2025
Performers
Cristian Mǎcelaru, Music Director and Conductor
Daniil Trifonov, Piano
Program
BARRAINE Symphony No. 2
SAINT-SAËNS Piano Concerto No. 2
RAVEL Piano Concerto in G Major
RAVEL Daphnis et Chloé Suite No. 2
Tuesday, November 18, 2025
Performers
Thomas Dunford, Lute
Program
MARAIS "La Rêveuse" from Pièces de viole, Book IV, No. 82
A. FORQUERAY "La Leclair" from Pièces de viole
J. S. BACH Cello Suite No. 1 in G Major (arr. Thomas Dunford)
MARAIS "Fêtes Champêtres" from Pièces de viole, Book IV, No. 61
MARAIS "Le Badinage" from Pièces de viole, Book IV, No. 87
MARAIS "Couplets de folies" from Pièces de viole, Book II, No. 20
J. S. BACH Cello Suite No. 5 in C Minor
ARVO PÄRT Spiegel im Spiegel (transcr. Thomas Dunford)
DUPARC Lento from Cello Sonata in A Minor
A. FORQUERAY "La Buisson" from Pièces de viole
MARAIS "Les voix humaines" from Pièces de viole, Book II, No. 63
MARAIS "Grande Ballet" from Pièces de viole, Book III, No. 13
MARAIS "Le Tourbillon" from Pièces de viole, Book IV, No. 64
Thursday, December 4, 2025
Performers
Giedrė Dirvanauskaitė, Cello
Georgijs Osokins, Piano
Program
ARVO PÄRT Für Alina
ARVO PÄRT Fratres
ARVO PÄRT Mozart-Adagio
KANCHELI Middelheim
RACHMANINOFF Trio élégiaque
Tuesday, December 9, 2025
Performers
Yannick Nézet-Séguin, Conductor
Veronika Eberle, Violin
Jean-Guihen Queyras, Cello
Program
ALL-BRAHMS PROGRAM
Tragic Overture
Double Concerto
Symphony No. 1
Wednesday, December 10, 2025
Performers
Program
RAVEL Gaspard de la nuit
CHOPIN Piano Sonata No. 2 in B-flat Minor
MUSSORGSKY Pictures at an Exhibition
Saturday, December 13, 2025
Program
HANDEL Suite No. 7 in G Minor, HWV 432
BRAHMS Variations and Fugue on a Theme by Handel, Op. 24
R. SCHUMANN Davidsbündlertänze
BRAHMS Variations on a Theme by R. Schumann in F-sharp Major, Op. 9
Tuesday, January 20, 2026
Performers
Franz Welser-Möst, Music Director and Conductor
Asmik Grigorian, Soprano
Deniz Uzun, Mezzo-Soprano
Joshua Guerrero, Tenor
Tareq Nazmi, Bass
The Cleveland Orchestra Chorus
Lisa Wong, Director
Program
VERDI Requiem
Wednesday, January 21, 2026
Franz Welser-Möst, Music Director and Conductor
Program
MOZART Symphony No. 41, "Jupiter"
SHOSTAKOVICH Symphony No. 11, "The Year 1905"
Thursday, January 22, 2026
Performers
David Belkovski, Harpsichord
with
Coleman Itzkoff, Cello
Program
BIBER Violin Sonata in F Major, C. 140
J. S. BACH Violin Sonata No. 2 in A Major, BWV 1015
VERACINI Sonata in D Minor, Op. 2, No. 12
TARTINI Andante-Allegro from Violin Sonata in G Minor, "Devil's Trill"
ROYER "La Marche des Scythes" from Pièces de clavecin
LECLAIR Violin Sonata in D Major, Op. 9, No. 3
CORELLI Violin Sonata in D Minor, Op. 5, No. 12
Tuesday, January 27, 2026
Performers
Leif Ove Andsnes, Piano
Program
R. SCHUMANN Klavierstücke, Op. 32
GYÖRGY KURTÁG Selections from Játékok
JANÁČEK Selections from On the Overgrown Path
BARTÓK Burlesque No. 3 from Three Burlesques
LISZT Selected Consolations
R. SCHUMANN Blumenstück
R. SCHUMANN Carnaval
Wednesday, January 28, 2026
Aaron Diehl, Piano
Program
Program to include:
ELLINGTON "Tonk"
MONK "Monk's Mood" (arr. Aaron Diehl)
TIMO ANDRES New Work (World Premiere, commissioned by Carnegie Hall)
JULIA WOLFE my lips from speaking
Plus selections from Timo Andres's Shy and Mighty
Friday, February 6, 2026
Performers
Iván Fischer, Music Director
Maxim Vengerov, Violin
Program
ARVO PÄRT Summa
SIBELIUS Violin Concerto
BRAHMS Symphony No. 2
Saturday, February 7, 2026
Performers
Iván Fischer, Music Director
Soloist to be announced
Choruses to be announced
Program
G. MAHLER Symphony No. 3
Wednesday, February 25, 2026
Performers
Klaus Mäkelä, Music Director Designate
Program
SIBELIUS Lemminkäinen
R. STRAUSS Ein Heldenleben
Friday, February 27, 2026
Andris Nelsons, Conductor
Lang Lang, Piano
Program
BARTÓK Piano Concerto No. 3
G. MAHLER Symphony No. 1
Saturday, February 28, 2026
Performers
Andris Nelsons, Conductor
Program
MOZART Symphony No. 36, "Linz"
DVOŘÁK Symphony No. 6
Sunday, March 1, 2026
Vienna Philharmonic
Andris Nelsons, Conductor
Program
R. STRAUSS Also sprach Zarathustra
SIBELIUS Symphony No. 2
Tuesday, March 10, 2026
Performers
Yannick Nézet-Séguin, Music and Artistic Director
Ying Fang, Soprano
Joyce DiDonato, Mezzo-Soprano
Philadelphia Symphonic Choir
Joe Miller, Director
Program
G. MAHLER Symphony No. 2, "Resurrection"
Sunday, March 15, 2026
Javier Perianes, Piano
Program
R. SCHUMANN Fantasiestücke, Op. 73
BRAHMS Viola Sonata in E-flat Major, Op. 120, No. 2
BRITTEN Lachrymae
SHOSTAKOVICH Viola Sonata
Wednesday, March 18, 2026
Performers
Shunske Sato, Violin
Max Volbers, Recorder
Program
TELEMANN Selections from Klingende Geographie
MRS PHILARMONICA Sonata sesta in G Major (arr. for string orchestra)
J. S. BACH Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R
GUISEPPE SAMMARTINI Recorder Concerto in F Major
HANDEL Concerto Grosso in F Major, Op. 6, No. 9
VIVALDI Concerto in A Minor for Two Violins, Strings, and Continuo, RV 522
Thursday, April 9, 2026
Boston Symphony Orchestra
Andris Nelsons, Music Director and Conductor
Renée Fleming, Soprano
Thomas Hampson, Bass-Baritone
Chorus to be announced
Program
JOHN ADAMS The Chairman Dances
JOHN ADAMS Selections from Nixon in China
DVOŘÁK Symphony No. 9, "From the New World"
Friday, April 10, 2026
Performers
Boston Symphony Orchestra
Andris Nelsons, Music Director and Conductor
Lang Lang, Piano
Program
OUTI TARKIAINEN Day Night Day (NY Premiere)
GRIEG Piano Concerto
SIBELIUS Symphony No. 1
Tuesday, April 21, 2026
Program
LISZT Variations on the Theme "Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen" (after J. S. Bach)
MEDTNER Piano Sonata in F Minor, Op. 5
CHOPIN Prelude in C-sharp Minor, Op. 45
SCRIABIN Piano Sonata No. 10
BEETHOVEN Piano Sonata No. 21 in C Major, Op. 53, "Waldstein"
Thursday, April 30, 2026
Orchestra of St. Luke's
Masaaki Suzuki, Conductor
Midori, Violin
Program
MOZART Overture to Don Giovanni
BEETHOVEN Violin Concerto
FELIX MENDELSSOHN Symphony No. 4, "Italian"
Tuesday, May 19, 2026
Soloists of the Kronberg Academy
Kirill Gerstein, Piano
Program
ALL-BRAHMS PROGRAM
Piano Quartet No. 1 in G Minor, Op. 25
Piano Quartet No. 2 in A Major, Op. 26
Piano Quartet No. 3 in C Minor, Op. 60
Thursday, June 11, 2026
The Met Orchestra
Yannick Nézet-Séguin, Music Director and Conductor
Program
BRUCKNER Symphony No. 8
Founded in 1990 by leader Paul Hillier, Theater of Voices came at Zankel Hall in Carnegie Hall. This vocal group has been inclined towards both extremes, from medieval bard recitations to John Cage and Pärt. Their expression is free, new, and unpredictable, full of surprise and joy. Their singing is uniform and refined, and each passage is filled with detailed expression, conveying the lively message of the composer. Their outstanding technique and sensibility bring out the unique color of each piece, which may recall various genres depending on the song and free the listener from the familiar patterns created by commercial music. The program featured works by three of America's most representative artists today. It was a recollection of childhood dreams, a timeless record of nature, and a personal piece (expressing the artist's outstanding ability) in which she set to music a poem found in a magazine.
Michael Gordon's A Western is a boyhood dream of the 1950s film High Noon starring Gary Cooper and Grace Kelly. The opening line sounds like a medieval hymn, with the voices of men and women speaking from the heart of a child. A moment later, one man makes a gun shape with his hand and pretends to shoot at the others, earning laughs. In the program notes, Gordon explains the work: " I set a 1958 television commercial for a cap pistol with the chilling line “every boy will stand tall when he wears a holster and pistol with the American brand.” In the passage, the feeling and music affect psychology. It was much more accurate and frightening than Verdi's expressions of curses and grudges. The intonation seemed to inherit the Western tradition, and like the music we hear daily, it felt like a unique world that was neither of them. Although the six singers had different voices, the intonation and quality were uniforms, and they perfectly expressed the song's character in each episode and the spirit of Gordon that resides in the work. Ultimately, I had the illusion that the sound was ringing inside me.
John Luther Adams' A Brief Descent into Deep Time encapsulated his interests in nature, environment, resonance of specific places, and sonic geography, and expressed Adams' characteristic reinterpretation of place by combining place, imagination, and performance. "My music is born in solitude," Adams says, “My music is born in solitude. The work of composing is slow. It takes long stretches of uninterrupted time when I am as far removed as I can be from emails, phone calls, meetings, and social engagements. My work calls me to live as close as I can to the Earth, which is the ultimate source for everything I do.” The music begins with a high-pitched ultrasonic whine from a synthesizer. As the song progresses, the vocals are accompanied by changing sound effects such as glockenspiel, timpani, and bass drum, as the singer sings about the names and colors of the rocks in the Grand Canyon that trace the 2 billion years of geology. In his program notes, Adams says, "I’ve been busy following the rocks deeper into the canyon. Yesterday I passed the one-billion-year mark. The colors of the rocks and the beauty of their names have carried me away, perhaps too far. I’m a little concerned that this thing may be too beautiful. But, as always, it’s a journey of fascination, even obsession. I’m no longer in command, and all I can do is follow wherever it may lead … For now, the descent continues."
For "Italian Lesson," Julia Wolfe wrote that she was thinking about what was so special about Theater of Voice's transcendent sound when she came across a half-Italian poem recently published in The New Yorker called "Italian Lesson." The words are clear and direct, and she thought about how the rhythm, speed, and color differ in English and Italian. The song was supplemented with small sound-making objects and expressive gestures. Wolf says, "After all, the group’s name is “Theatre” of Voices. The piece, like the poem, traverses across different terrains, images, sensibilities. Sometimes I meditate on single phrases, other times the words and pitches develop into sonic textures and grooves. While the theater and clarity in the composition Italian Lesson relate to my recent large-scale oratorios, the intimacy of the ensemble, the members’ ethereal voices, and the poetry took me to fun, new, and unexpected worlds." Wolff's latest work, which draws inspiration from folk, classical and rock genres, brings a modern sensibility to each genre and breaks down the barriers between them, was presented with the outstanding technique and artistry of the Theatre of Voice. The world's most extraordinary vocal group performed a new sensation from some of America's leading writers. Every moment was filled with incredible sensations, and the audience was filled with hope for the future of music.
シアター・オブ・ヴォイシズ（直訳すると声の劇場）をカーネギーホールのザンケルホールで聴いた。リーダーのポール・ヒリアーが1990年に設立し、中世の吟遊詩人の朗唱からジョン・ケージやペルトまで両極端に傾倒してきたボーカルグループで、彼らの表現は自由で新しく、予測がつかない驚きと喜びに満たされる。その歌唱は均一で洗練されていて、どのパッセージにも詳細な表現が宿っていて作家の活きたメッセージを伝える。そして、その卓越した技術と感性が、曲によっては様々なジャンルを想起するものの、その作品だけが持つ特別な色を引き出し、商業音楽が生むおなじみのパターンから聴き手を解放する。このプログラムでは今のアメリカを代表する3人の作品が取り上げられた。それは、子供時代の夢の回想であり、時を超えた大自然の記録であり、雑誌で見つけた詩に曲をつけた個人的な作品（アーティストの卓越した能力を表現するもの）だった。マイケル・ゴードンの西部劇（A Western）は、ゲイリー・クーパーとグレース・ケリーが主演した 1950年代の映画、真昼の決闘（High Noon）の少年時代の憧れを描いたものだ。出だしでは子供の心が語るような男女の研ぎ澄まされた声がいつくにも重なって中世の賛美歌のようにも聴こえた。しばらくすると一人の男性が手で拳銃の形を作って、他のメンバーに向かって「プシュー」と銃を撃つ真似をし、間が抜けていて笑を誘う。プログラムノートではゴードン自身の言葉でこう書かれている。私は 1958年にキャップ ピストルのテレビ コマーシャルで「アメリカ ブランドのホルスターとピストルを身に着ければ、すべての少年は堂々と立つことができる」という恐ろしいセリフを宣伝しました。
I set a 1958 television commercial for a cap pistol with the chilling line “every boy will stand tall when he wears a holster and pistol with the American brand.”
パッセージでは言葉と音楽が持つフィーリングが心理に作用する。ヴェルディの呪いや恨みといった表現よりずっとリアルで恐ろしくなった。抑揚は西洋の伝統を受け継いでいるようであり、生活の中で耳にする音楽のようでもあり、そのどちらでもない独特の世界を感じた。6人の歌手はっきり別の声であるが抑揚や質は均一でどのエピソードでも曲のキャラクターを完璧に表現し、作品に宿るゴードンの精神を見事に表現していた。終盤はまるで自分の中で音が鳴っているような錯覚を覚えた。ジョン・ルーサー・アダムスの深遠な時間への短い降下では、自然愛、環境、特定の場所の共鳴、音地理学（sonic geography）といった彼の興味が凝縮されており、場所、想像力、パフォーマンスを結び付けて、その場所を再解釈するアダムスの特徴が表現されていた。「私の音楽は孤独の中で生まれる。」アダムスはメール、電話、会議、社交の場からできるだけ離れた、途切れることのない長い時間をかけ、行うすべてのことの究極の源である地球にできるだけ近いところで暮らすよう自分に呼びかけるそうだ。
“My music is born in solitude. The work of composing is slow. It takes long stretches of uninterrupted time when I am as far removed as I can be from emails, phone calls, meetings, and social engagements. My work calls me to live as close as I can to the Earth, which is the ultimate source for everything I do.”
曲はシンセサイザーから超音波のようなキーンという高い音から始まり、曲が進むにつれ、鉄琴、ティンパニ、バスドラムと歌唱に付随する音の効果が変わっていき20億年の地質をだどるグランドキャニオンの岩の名前と色が歌われた。アダムスはプログラムノートで「私は岩を追って峡谷の奥深くへと進んでいます。昨日、10億年という節目を越えました。岩の色と名前の美しさに、私は夢中になりました。おそらく、あまりにも遠くまで。このものが美しすぎるのではないかと少し心配しています。しかし、いつものように、これは魅惑の旅であり、執着でさえあります。私はもう主導権を握っておらず、私にできるのは、それがどこへ導くのかに従うことだけです…今のところ、下降は続きます。」と語る。
I’ve been busy following the rocks deeper into the canyon. Yesterday I passed the one-billion-year mark. The colors of the rocks and the beauty of their names have carried me away, perhaps too far. I’m a little concerned that this thing may be too beautiful. But, as always, it’s a journey of fascination, even obsession. I’m no longer in command, and all I can do is follow wherever it may lead … For now, the descent continues.
ジュリア・ウォルフが書きおろした「イタリアン・レッスン」では、シアター・オブ・ヴォイスの超越的なサウンドに何が特別なのかを考えていたとき、最近発行されたニューヨーカー誌に掲載された「イタリアン・レッスン」という半分イタリア語の詩に出会い言葉は明快で直接的であり、英語とイタリア語では、リズム、スピード、色がどのように異なるかを考えたそうだ。曲には、小さな音を出すオブジェクトと表現的なジェスチャーが加えられていた。ウォルフは「結局のところ、グループの名前は「声の劇場」です。この作品は、詩と同様に、さまざまな地形、イメージ、感性を横断します。時には単一のフレーズについて瞑想し、時には言葉と音程が音のテクスチャとグルーブに発展します。Italian Lesson の作品の劇場性と明快さは、最近の大規模なオラトリオに関連していますが、アンサンブルの親密さ、メンバーの優美な声、そして詩は、楽しくて新しい、予想外の世界へと私を導きました。」と語る。フォーク、クラシック、ロックのジャンルからインスピレーションを得て、それぞれのジャンルに現代的な感性をもたらし、同時にそれらの間の壁を壊すウォルフの最新作をシアター・オブ・ヴォイスの卓越した技術と芸術性で味わうことが出来た。アメリカを代表する作家たちの新感覚を世界でも最も優れたボーカルグループで味わい、音楽の未来への希望で満たされた。
2.11.2025
Paul Hillier, Artistic Director
Vicky Chow, Keyboard
David Cossin, Percussion
Program
MICHAEL GORDON A Western (US Premiere)
JOHN LUTHER ADAMS A Brief Descent into Deep Time (US Premiere, co-commissioned by Carnegie Hall)
JULIA WOLFE Italian Lesson (World Premiere, co-commissioned by Carnegie Hall)
Vicky Chow, Keyboard, David Cossin, Percussion after John Luther Adams' A Brief Descent into Deep Time
Ruth Reinhardt conducted the Juilliard Orchestra at Alice Tully Hall on Monday night, February 10th, and I experienced an excellent solo by Gaeun Kim in Martinu's Cello Concerto. Every part was well sung with her passion. The ensemble was also superb. There was a small duet between the solo cello, bassoon, and viola, and each performance was outstanding. Ruth gave the soloists enough space to perform in each part of the work, and the principals performed terrific solos. She brought out different tones from the orchestra in the three pieces, creating an excellent flow. In the Brahms Symphony, concertmaster Clara Neubauer's solo was phenomenal. The Juilliard Orchestra sometimes sounds like a movie soundtrack, but her tone and singing style were closer to the Orchestras in Vienna or Berlin. Her timbre was soft, but Brahms' musical energy was concentrated. Unsuk's first piece was a modern take on well-known classical pieces, but it was something that someone with skill could easily play. I thought there was meaning in music that could be created by playing richer tones, listening to each other, and making music with one's power rather than the notes. Whether it was Mozart's overture or Beethoven's Egmont, I think it would be more satisfying and stimulating for the audience to take up new pieces from recent concerts, find the elements they need in the piece at that time, and hone their performance with that approach, even if it is a classical piece. I don't understand the recent trend of taking up new pieces, which isn't very sensible. This performance was fun because I could experience new pieces, famous solo performances of masterpieces, and familiar pieces like Brahms with fresh impressions. It would be even better if it were $20. It used to be free.
2月10日の月曜の夜、アリスタリーホールでルース・ラインハルトの指揮でジュリアードオーケストラを聴いた。マルティヌーのチェロ協奏曲でキム・ガウンの見事なソロを体験した。曲のことは知らないが、どの部分もよく歌いこまれ熱のこもった演奏だった。アンサンブルも見事だった。ソロチェロとファゴットとビオラに小さなデュエットがあり、いずれも名演だった。ルースはそれぞれの曲の中でソロが十分、演奏を発揮できるようスペースを与え、プリンシパルたちは見事なソロを披露していたし、３曲それぞれから違った音色をオーケストラから引き出し見事な流れを作っていった。ブラームスの交響曲ではコンサートマスターのクララ・ノイバウアー、Clara Neubauerのソロが面白かった。ジュリアードオーケストラは映画のサントラのような音がするが、彼女の音色や歌い方は、ウィーンやベルリンのオーケストラで味わう音楽に近かった。柔らかな音色に凝縮されたブラームス音楽のエネルギーが宿っていた。
1曲目のウンスクの作品は、クラシックのよく知られている曲の部分を繋ぎ合わせて、現代風にしてあったが、器用な人には簡単に演奏できてしまうような代物だった。もっと豊に音色を奏でたり聴きあって音楽を作ったり、曲ではなく自分たちの力で音楽を創造していく音楽に意味があるとおもった。モーツアルトの序曲でも、ベートーベンのエグモントでも。最近の演奏会の新しい作品を取り上げるのと、その時、彼らに必要な要素を作品にみつけて、それが古典でも、そういったアプローチで演奏を磨くほうが、聴衆にとっても納得のいく刺激になると思う。新しい作品を取り上げるのが最近の傾向というのは納得いかないし、意味がない。今回の公演では新しい作品も、名作の名ソロ演奏も、ブラームスのようなおなじみの作品でも新鮮な印象をそれぞれ味わうことができて楽しかった。20ドルだともっといい。昔はただだったのに。
Alice Tully Hall
1941 Broadway, New York, NY 10023
Program information:
Ruth Reinhardt, Conductor
Clara Neubauer, Concert Master
Gaeun Kim, Cello
Unsuk CHIN subito con forza
MARTINŮ Cello Concerto No. 1
BRAHMS Symphony No. 1
On February 8, Francesco Corti and the Boston Early Music Festival Chamber Ensemble (BEMF Chamber Ensemble) Performed Handel's Organ Concerto at First Lutheran Church in Boston. While listening to Corti’s Handel in New York, Mozart, Beethoven, Brahms, and Mahler came up to mind, especially the end of Mahler's Symphony No. 1 performed by Klaus Makela and the Concertgebouw Orchestra last November. I remember that Beethoven was a Handel fan and studied Handel. I also remember that Brahms collected his sheet music and studied it. I thought that most of the 19th-century works featured in orchestral and solo programs at the center of the classical music industry, from Mozart to Mahler, were influenced by Handel. Corti's brilliant performance also made me want to experience more extensive work, such as a concerto, so I went to Boston to see Handel Concerti. The organ pipes were on the air in the balcony and seemed to float. The first piece was Handel’s Harpsichord Suite, which I had heard on Thursday in New York, and after that, Corti ran up to the balcony and played the organ concerti with the orchestra. A pipe sound came to my stomach. The orchestra's period sound appealed to my instincts. I heard a heart-rending passage. Mozart's piano concerti and romantic symphonies, especially Schumann's developmental parts, came to mind. It said Organo ad libitum on the score. It means to do as you like. I don't remember how Corti played, but various thoughts crossed my mind. It was a special that I had never experienced in New York. I was excited at the enthusiastic audience in the hall listening intently. Everyone was enjoying the performance from their hearts. And I felt that we were all friends. It is said that Handel played his organ concerti between the opera acts because the London audience was tired of Italian opera. But everyone at the Lutheran Church in Boston enjoyed Handel, performed Corti and the Boston Early Music Festival EnsembleI. I wonder how many encounters and experiences like this I will have in the rest of my life. Handel's concerti showed me the true faces of those who love music. Of course, people in the 19th century imitated Handel.
Concert Detail and Program Note
Francesco Corti, harpsichord & organ
Boston Early Music Festival Chamber Ensemble
Robert Mealy, Director
Saturday, February 8, 2025 at 8pm ET
First Lutheran Church, Boston, MA
Keyboard Masterpieces by George Frideric Handel (1685–1759)
Suite No. 3 in D minor, HWV 428
Organ Concerto in G minor, Op. 4, No. 1
Organ Concerto in F major, Op. 4, No. 4
ボストンでヘンデルのオルガン協奏曲を聴いた。フランチェスコ・コルティとボストン古楽音楽祭室内アンサンブル（ BEMF Chamber Ensemble）が演奏した。2月6日にニューヨークで行われたコルティのハープシコードリサイタルでヘンデルを聴いているとき、モーツアルトやベートーベン、ブラームスやマーラーの交響曲や協奏曲のパッセージが頭をよぎって、特に去年の11月に聴いたクラウスマケラのコンセルトヘボウ管弦楽団がやったマーラーの交響曲1番の最後を思い出す。昔、ベートーベンの手紙を読んでいて、ベートーベンがヘンデルファンで、作曲するとき、ヘンデルを勉強していたことを思い出した。また、ブラームスが昔の楽譜を収集していて、ヘンデルの研究をしていたことも思い出した。モーツアルトからマーラーなど、世界のクラシック産業の中心でオーケストラやソロのプログラムに取り上げられる19世紀の作品のほとんどはヘンデルの影響を受けているとおもった。そして、コルティのあまりにも鮮やかな演奏から、協奏曲などのより大きな編成を味わってみたくなったら、土曜日ボストンでヘンデル協奏曲を演奏することを知り行くことにした。
会場はボストン市内のルター派教会（First Lutheran Church）。オルガンのパイプがバルコニーから出ていて宙に浮いているようだ。1曲目はニューヨークで木曜に聴いたヘンデルの組曲で、コルティは演奏が終わるとバルコニーに駆け上がって行ってオーケストラと一緒にオルガン協奏曲を演奏し始めた。パイプの響きはお腹に伝わってくる。そして、オーケストラのピリオドの響きは本能に訴える。ところどころ胸をえぐるようなパッセージが後ろから聴こえ振り返った。やっぱり、モーツアルトのピアノ協奏曲やロマン派の交響曲、特にシューマンの展開する部分が頭をよぎった。ヘンデルのオルガン協奏曲の楽譜を見るとOrgano ad libitumと書いてある。好きにしてくださいという意味だ。コルティがどんな風に演奏していたかは覚えていない。聴いている間、さまざまなことが頭を過った。いつもと全然違う場所で初めての体験をしている。ニューヨークでは味わったことがない特別な時間だった。会場の熱心なお客さんたちが聴き入る様子に胸が熱くなった。みんな心から演奏を楽しんでいた。そしてみんな仲間だと思った。ヘンデルはロンドンの聴衆がイタリアオペラに飽きていて、オルガン協奏曲をオペラの幕間の余興に演奏したようだ。しかし土曜日のルター派教会では、だれもが熱心にコルティとボストン古楽音楽祭アンサンブルが奏でるヘンデルを聴き入っていた。残りの生涯でこんなめぐり逢いや体験をどれだけできるのだろうか。ヘンデルの協奏曲は音楽を愛する人たちの素顔を見せてくれた。そりゃ19世紀のみなさんもまねする。
Corti was fixing the parts of the Harpsicod during his concert
It has been a few days since I heard Francesco Corti's harpsichord at the Morgan Library in New York. I witnessed an archaeologist discover a Lamborghini due to an extraordinary excavation. One harpsichord produced various tones like an orchestra, and every time the track changed, I was visiting a different country. Corti's winged hands exquisitely blended dance music with roots in various countries, created in the early 18th century in Europe, where it was becoming more international. In the opening of Giulio Cesare's Overture, I felt the unique floating French feeling that Yannick showed at some Opera at the Met Opera. I enjoyed the gorgeous ornaments hidden behind the simple melodies in the following suites by Handel and Bach. The passages were repeated, full of vivid play, and I was excited by the encounter with another world. In William Babell's arrangement, the gorgeous decoration of the Adagio reminds me of Handel at that time and the longing sigh for freedom in Rinaldo's aria by Corti's delicate and nuanced agogics, and I realized Bach comes to my mind, but Handel comes to my instinct,
Corti was precise at any tempo and vividly conveyed the charm of the music. Whether played fast or slow, the passages are perfectly controlled, and the charm of the music is fully demonstrated. Corti describes the Allemand from Bach's French Suite as cantabile (sings well), and the theme that appears repeatedly in the Allemand is well sung. In the following Courant, the tempo changes to slow, and it seems as if you can see good Italian weather and hear a lute play by the water. In the English country dance, Sieg, the sound jumps and gives endless joy. In Handel's Suite No. 3, the performance progressed from the Prelude to the Allegro Fugue and Allemande, and from the Aria with five variations to the Presto, he showed a perfect fusion of styles. In the program, Corti's tonal combinations reminded a variety of instruments, from a single harpsichord to lutes, guitars, oboes, and people’s singing, and showed me as if the orchestration changed in each piece on the stage. Corti's performance through Handel and Bach showed me that music is always close to people's hearts and lives, freeing us from eras and styles and providing clues to stimulate new interests that will come.
フランチェスコ・コルティのハープシコードをニューヨークのモーガンライブラリーで聴いて数日たった。まるで考古学者が発掘調査の結果、ランボルギーニを発見する様子を目の当たりにしたような、今思うと大変なもの見た気がする。一台のハープシコードはオーケストラの様にさまざまな音色をはじきだし、トラックが変わる度に全く違う国を訪れたような感覚になった。18世紀初頭の国際化が進むヨーロッパで作られた異なる国々にルーツを持つダンスミュージックをコルティの翼のような両手は絶妙に融合する。ジュリオ・チェーザレのオープニングでは、年末のメットで見た影のない女の冒頭でヤニックが見せたフランス音楽独特の浮遊を感じ、続くヘンデルとバッハの組曲ではシンプルなメロディの奥に華麗な装飾の数々を味わう。パッセージは繰り返され、鮮やかな遊びに満ち、別世界の遭遇に胸を躍らせた。ウィリアム・バベルの編曲では、アダージョの華やかな装飾が当時のヘンデルを、リナルドのアリアの自由への憧れの溜息が、コルティの繊細でニュアンスに富んだアゴギックによって思い起こされ、バッハは心にヘンデルは本能に語り掛ける魅力を知る。コルティの演奏はどんなテンポでも鮮明に音楽の魅力を伝える。早く弾いても遅く弾いてもパッセージは完全にコントロールされ、その魅力が十分発揮されていた。バッハのフランス組曲のアレマンドを、コルティは、カンタービレ（よく歌う）という言葉で説明しているが、アレマンドで繰り返し姿を現すテーマが本当によく歌われていた。続くクーラントではゆったりとテンポは変化し、イタリアの陽気や水辺で奏でられるリュートが聴こえてくるようだった。イギリスのカントリーダンス、ジークで音色は無邪気に飛び跳ね終わりの来ない喜びを与えてくれる。ヘンデルの組曲3番では、プレリュードからアレグロのフーガ、アレマンドと発展し、5つのバリエイションをもつアリアからプレストでは完全なスタイルの融合を見せてくれた。また、コルティの音色の引き分けは、一台のハープシコードのから、リュートやギター、オーボエ、人々が歌う様子まで様々な楽器の音色を響かせ、曲が変わる度にオーケストレーションが変わるようだった。コルティの演奏からヘンデルとバッハを知ることは、音楽はいつも人の心と生活に寄り添うもので、私たちを時代や様式から解放し、新たな興味を掻き立てる手がかりとなることが分かった。
2.6.2025
Concert | Francesco Corti: Harpsichord Suites
at Morgan Library
Program
George Frideric Handel, Overture from Giulio Cesare HWV 17 Suite 1 in A Major HWV 426
Johann Sebastian Bach, French Suite No. 5 in G Major BWV 816
William Babell, Prelude in F Major
George Frideric Handel, Overture from Rinaldo HWV 7 (transcription by William Babell) “Lascia ch’io pianga” from Rinaldo HWV 7 (transcription by William Babell)
Johann Sebastian Bach, French Suite No. 2 in C minor BWV 813
George Frideric Handel, Suite No. 3 in D minor HWV 428
Handel, Overture from Giulio Cesare HWV 17 (Original)
Handel, Suite 1 in A Major HWV 426
Prelude
Allemande
Courante
Gigue
Bach, French Suite No. 5 in G Major BWV 816
Allemande
Courante
Sarabande
Gavotte
Bourrée
Loure
Gigue
Overture from Rinaldo, Original and William Babell's Transcription
“Lascia ch’io pianga” Original by Bartoli and William Babell's Transcription by Corti
Lyrics,
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte
E che sospiri la liberta
E che sospiri
E che sospiri la liberta
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte
E che sospiri la liberta
Il duolo infranga queste ritorte
De miei martiri sol per pieta
De miei martiri sol per pieta
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte
E che sospiri la liberta
Let me weep my cruel fate
And let me sigh for freedom
And let me sigh
And let me sigh for freedom
Let me weep my cruel fate
And let me sigh for freedom
Let grief break these twists
Of my martyrs only for pity
Of my martyrs only for pity
Let me weep my cruel fate
And let me sigh for freedom
残酷な運命に泣かせてください
そして自由を切望している
そしてため息は
そして自由を切望している
残酷な運命に泣かせてください
そして自由を切望している
悲しみがこのねじれを断ち切ろう
哀れみのためだけに殉教した者たち
哀れみのためだけに殉教した者たち
残酷な運命に泣かせてください
そして自由を切望している
Bach, French Suite No. 2
Allemande
Courante
Sarabande
Air
Menuet
Menuet – Trio (in BWV 813a)
Gigue
Handel, Suite No. 3 in D minor HWV 428
Prelude
Allegro
Allemande
Courante
Air
Presto
Corti talks about French Suite No.1
List of compositions by George Frideric Handel
彼は、当時の人気オペラのアリアをキーボード用にアレンジした曲を数多く書いた。これらは、イギリスだけでなくフランス、オランダ、ドイツでも出版され、彼の音楽的名声の基盤となった。彼のスタイルは、ヘンデルとの親しい関係に強く影響されていた。ヨハン・マッテゾンはオルガンの名手としてヘンデルを凌駕していると考えていたが、音楽史家チャールズ・バーニーは彼の編曲法を批判し、次のように非難した。
リナルドのオペラや同時代の他の曲の人気の歌を派手で華麗なレッスンに編曲することで名声を得た。それは、センスや表現、ハーモニーや変調の助けを借りずに、指で単音を弾くだけの速さで、演奏者は無知な人々を驚かせ、わずかな出費で偉大な演奏家という評判を得ることができた…ミスター・バベル…は怠惰と虚栄心を同時に満足させる。
バベルがヘンデルのオペラ「リナルド」から編曲したアリアには「Vo' far guerra」が含まれている。これはヘンデルがハープシコード演奏の見せ場として意図したもので、その技巧性は実に素晴らしい。バベルの編曲はヘンデルが演奏中に即興で演奏した様子を記憶して作られたものである。
The Metropolitan Opera Orchestra performed Brahms' Symphony No. 4 at Carnegie Hall. Brahms, who studied history and collected the music of his great predecessors, wrote his fourth and final symphony at the age of 52 and premiered it in 1885. Brahms's secret is that he applied his predecessors' techniques and wisdom to express romanticism. When Wagner was perfecting tonality, many people considered Brahms' music antique, as if someone says, "70's rock is old. Now electro." Similar tone width comes and goes from the beginning, and the strings and wind instruments are played out of sync. You hear the strings in the beginning, but if you dare to follow only the wind instruments, you will see a different kind of fun. If you change your perspective, you will discover various things and enjoy tones' complex patterns and blends. His scores contain medieval melodies and patterns, but Brahms is still frequently performed in modern concerts because the more times it is performed, the more interpretations emerge and the more fascinating the performers are. Conductor Myung-Whung Chung was quiet. The musicians who usually go into the pit were lined up on the stage. You could hear each member singing, even though you can't see them in front of the stage at an opera house. The violins, in particular, are hidden by the wall that separates the pit from the audience.
You could even see their expressions on the Carnegie stage as they sang. When the scattered musical patterns began to move in one direction, their vectors were unified, and the energy of the music was abundantly expressed with a wonderfully stable tempo. Myung-Hun occasionally changed the tempo, shaking them intensely. The Met Orchestra continued to play, clinging to him and not letting go. The fourth movement was a Chaconne. The pattern was repeated many times, and it was a juggling of sounds with various instruments mixed. The Brahms performed by the Met Orchestra, which does not perform operas, made me feel closer to them.
1.30.2025
Myung-Whun Chung, Conductor
Maxim Vengerov, Violin
Program
ALL-BRAHMS PROGRAM
Violin Concerto
Symphony No 4
メトロポリタン歌劇場管弦楽団（The Metropolitan Opera Orchestra）はカーネギーホールでブラームスの交響曲第4番を演奏した。歴史を学び、偉大な先人たちの音楽を集めたブラームスは、52歳で最後の交響曲第4番を書き、1885年に初演した。ブラームスの秘密は、先人たちの技法と知恵を応用してロマン主義を表現したことだ。ワーグナーが調性を完成させていた頃、ブラームスの音楽をアンティークとみなす人が多かった。まるで「70年代のロックは古い。今はエレクトロ」と言っているかのようだ。冒頭から同じような音幅が行ったり来たりし、弦楽器と管楽器は同期せずに演奏される。最初は弦楽器が聞こえるが、あえて管楽器だけを追ってみると、また違った面白さが見えてくる。視点を変えると、さまざまな発見があり、音色の複雑なパターンやブレンドを楽しむことができる。彼の楽譜には中世の旋律やパターンが盛り込まれているが、ブラームスは演奏を重ねるほどに解釈が生まれ、演奏者も魅力的であるため、現代のコンサートでも頻繁に演奏されている。指揮者のチョン・ミョンフンは静かだった。普段はピットに入る演奏者たちがステージ上に並んでいる。オペラハウスのステージ前では見えなくても、メンバー一人一人がそれぞれよく歌っている。特にバイオリンはピットと客席を隔てる壁に隠れている。カーネギーのステージでは、彼らが歌う表情まで見えた。ばらばらだった音楽パターンが一方向に動き出すと、ベクトルが統一され、素晴らしく安定したテンポで音楽のエネルギーが豊かに表現された。ミョンフンは時折テンポを変え、激しく揺さぶった。メトロポリタン管弦楽団はくらいついて離れず演奏を続ける。第4楽章はシャコンヌだった。パターンが何度も繰り返され、さまざまな楽器が混ざり合った音のジャグリング。オペラを演奏しないメトロポリタン歌劇場管弦楽団をより身近に感じた。
Riccardo Muti and Chicago Symphony Orchestra performed Verdi's rare ballet music, The Four Seasons, from I vespri siciliani at Carnegie Hall. It was a heartwarming performance played in the cold winter of New York. Italian maestro Muti has been the music director of the Chicago Symphony Orchestra since 2010, succeeding Barenboim, and has taken up various repertoires, but Verdi is exceptional. The Italian maestro conveyed Verdi to the musicians with a vivid touch and beautifully depicted the world. After the winter dance, the trembling strings reminded me of the melting snow, and the flute was like the dazzling sunlight shining through. The sad longing of the clarinet as summer continues and the autumn oboe solo was nostalgic, reminiscent of the old castle in Mussorgsky's Pictures at an Exhibition. The skills and spirit that Muti and the orchestra have nurtured and inherited over time were vividly unfolded. The theme shifts from the solo to the tutti, then the percussion and brass come in, and each frame is irreplaceable and touches the heart. It was the same with Tchaikovsky's Symphony No. 4 that followed. Like the final scene of a movie, everything blends, is depicted beautifully, and most realistically, disappears, and then ends. The moments were precious and will never come back. The encore was Giuseppe Martucci's Notturno. It was a gentle, sad, and heartfelt performance by 83-year-old Riccardo Muti. In introducing the encore, Muti said that at the time, Toscanini's concert was canceled because he refused to play for fascists. Muti said, "Dictators have no interest in music at all." He continued, "Because culture is the most effective weapon,” Muti and Chicago's cultural struggle continues.
"That lyrical fluency, coupled with a smoothly blended sound, is now a hallmark of the orchestra as it awaits the arrival of Klaus Mäkelä, its designated new music director, in 2027."
1.21.2025
Chicago Symphony Orchestra
Riccardo Muti, Conductor
Program
BELLINI Overture to Norma
VERDI "The Four Seasons" from I vespri siciliani
TCHAIKOVSKY Symphony No. 4
Encore:
Giuseppe Martucci Notturno
ムーティがシカゴ交響楽団とカーネギーでベルディのシチリアの晩鐘の3幕からバレエ音楽、四季を演奏した。それは寒い冬のニューヨークで奏でられた心に染みる演奏だった。イタリアのマエストロ、ムーティはバレンボイムの後に2010年からシカゴ交響楽団の音楽監督となり、さまざまなレパートリーを取り上げてきたが、ベルディは格別だ。イタリアのマエストロは鮮やかなタッチでヴェルディを楽員たちに伝え、その世界を見事に描いて見せる。冬のダンスが終わり、震える弦楽器が雪解けを思わせ、フルートはまばゆい陽光が差し込むようだった。夏が続く中でのクラリネットの切ない憧れと秋のオーボエソロはムソルグスキーの「展覧会の絵」の古城を思わせる郷愁を誘うものだった。ムーティとオーケストラが長い年月をかけて培い、受け継いできた技と精神が鮮やかに展開された。ソロからトゥッティへと主題が移り、打楽器と金管楽器が入り、一コマ一コマがかけがえのない感動を呼ぶ。それはその後のチャイコフスキーの交響曲４番もそうだった。映画のラストシーンのように、すべては溶け合い、美しくもっともリアリスティックに描かれは消え、やがて終わる。その一瞬が二度と戻らない大切な時間だと感じる。アンコールはマルトゥッチのノットゥルノ。83歳のリッカルド・ムーティの優しく悲しげで心のこもった演奏だった。アンコールの紹介でムーティは当時、トスカニーニの演奏会が、ファシストの演奏を拒否したためキャンセルされたと話、独裁者は音楽に全く興味がない。文化こそが最も効果的な武器だからだと語った。ムーティとシカゴの文化的闘争は続く。
Muti and Chicago Symphony
After Versus, Patrick Higgins palaced his guiter on the middle of the stage. R.I,P David Lynch 1.16.2025
"David Lynch is dead," Higgins said, and he picked up his guitar and started playing. Higgins' latest work in Brooklyn. It was a cold, tiny, snowy January evening. It was like a sound planetarium twinkling on a dry and chilly night. With An electric guitar and a few effects, Higgins improvised along with The pre-programmed program, which included electronic, drums, and brass sound. I was fascinated by the soundscape, which lasted more than 40 minutes. At times, it felt like liquid metal was being combined through a chemical reaction and reborn as a completely different mineral. Rhythms and melodies appeared and disappeared faintly, but certainly, in the mosaic of his memories and techniques and Higgins' universe created from a single guitar. That was rough, lyrical, and full of expression. I could feel the route of the music we followed from time to time, and it gave me a strong and warm feeling of nostalgia and newness.
「デビット・リンチが死んだ。」ヒギンスはステージに現れるとそういってギターを構え演奏しだした。１月、細かい雪が舞う冬のブルックリンで、ヒギンスの最新作を聴いた。乾いた冷たい空気の夜のブルックリンに瞬く音のプラネタリウムだった。エレクトリックギターと数台のエフェクター。あらかじめ打ち込まれているプログラムには、ドラムやブラスを含む、電子音が含まれていて、ヒギンスの即興と繰り広げられた。時々、液状の金属が化学反応で結合して全く別な鉱物に生まれ変わる様子を目の当たりにするような、40分を超える予想を超えた音のサウンドスケープに魅了された。リズムやメロディは、彼の記憶と技術のモザイクに遠くかすかに、しかし確実に表れては消え、やがて一本のギターから創造されるヒギンスの宇宙は荒々しくリリカルで表現に溢れていたし、私たちがたどってきた音楽の軌跡を感じることが出来て、懐かしさと新しさが入り混じった強く温かい感覚を与えてくれた。
Full live link: ROULETTE: PATRICK HIGGINS & YARN/WIRE
PROGRAM:
Patrick Higgins - Three Lines of Flight
Patrick Higgins - Versus
Combining composed and written elements with highly-focused lyrical improvisations, VERSUS shows Higgins at his best — bridging styles and innovating new music that is harsh while seductive, intense while inviting, and always unexpected.
Three Lines of Flight” engages a new music in a position of constant threshold — a music forever in-between states of becoming, fleeing from itself, tracing the world of its wake against the world it escapes. The unique instrumentation of double piano and double percussion frames a particular vision of symmetry in this work — a symmetry which will be consistently questioned, exploited, undermined, exaggerated and liberated throughout the performance. The use of complex counterpoint, stubborn unison, solo, duet, trio, and quartet arrangement, as well as electronic interference, push the territory of the traditional ensemble to a fragile and ultimately elastic point of transformation: suggesting other instruments, other modes of being and hearing altogether —towards ecstatic new planes of connectivity. This work is written in three movements, each in its way is situated within a small moment of crisis. Sprung from a particular trap — the question of freedom is posed anew each time. Each movement of the work is an attempt to trace, to articulate, or perhaps to stimulate a way out: a line of escape, a path through the labyrinth. Invention within aporia. Between moments of confinement or definition, a fragile infinitesimal escape: a transition between regimes, a flicker, a brief vibration, the hint or taste or scent of a new path — a potential connection to a new outside.
Venue:ROULETTE
Now, the Metropolitan Opera is getting in the best shape after James Levine - New excellent principals, outstanding ensembles and solos even in the tutti, rich and precise tuttis, extensive connections to all top artists, and curious audiences (new and old) in the house. The conditions are about time. The lineup for the rest of this season through 2025 is as follows:
3.4.2025
Following a string of awe-inspiring Met performances, soprano Lise Davidsen stars as Leonore, who risks everything to save her husband from the clutches of tyranny. Tenor David Butt Philip is the political prisoner Florestan, sharing the stage with bass-baritone Tomasz Konieczny as the villainous Don Pizarro, veteran bass René Pape as the jailer Rocco, and soprano Ying Fang and tenor Magnus Dietrich, in his company debut, as the young Marzelline and Jaquino. Bass Stephen Milling sings the principled Don Fernando, and Susanna Mälkki conducts the Met’s striking production, which finds modern-day parallels in Beethoven’s stirring paean to freedom.
3.3.2025
Following the haunting Met premiere of his first opera, Dead Man Walking, composer Jake Heggie returns to the company with his 2010 adaptation of Herman Melville’s sea-drenched, heaven-storming epic. A cast of standouts comes together on the decks of the Pequod, with tenor Brandon Jovanovich starring as the monomaniacal Captain Ahab, implacable in his pursuit of the white whale; tenor Stephen Costello as Greenhorn, the opera’s version of Ishmael; baritone Peter Mattei as the even-keeled first mate Starbuck; and bass-baritone Ryan Speedo Green as the Polynesian harpooneer Queequeg. The cast also features soprano Janai Brugger as Pip, tenor William Burden as Flask, and baritone Malcolm MacKenzie as Stubb. Maestro Karen Kamensek takes the podium for a stunning staging by Leonard Foglia that arrives at the Met newly enlarged and refined following acclaimed runs in Dallas, San Francisco, Los Angeles, and Washington, D.C.
3.31.2025
Conductor Joana Mallwitz makes her Met debut leading two extraordinary casts in Mozart’s comic masterpiece. Bass-baritones Michael Sumuel and Luca Pisaroni star as the clever valet Figaro, opposite sopranos Olga Kulchynska and Rosa Feola as his betrothed, the wily maid Susanna. Baritone Joshua Hopkins and bass-baritone Adam Plachetka alternate as the skirt-chasing Count, sopranos Federica Lombardi and Jacquelyn Stucker (in her Met debut) trade off as his anguished wife, and mezzo-sopranos Marianne Crebassa and Emily D’Angelo share the role of the adolescent page Cherubino.
4.29.2024
Music Director Yannick Nézet-Séguin conducts his first Met performances of Strauss’s white-hot one-act tragedy, which receives its first new production at the company in 20 years. Claus Guth, one of Europe’s leading opera directors, gives the biblical story—already filtered through the beautiful and strange imagination of Oscar Wilde’s play—a psychologically perceptive Victorian-era setting rich in symbolism and subtle shades of darkness and light. Headlining the new staging is soprano Elza van den Heever as the abused and unhinged antiheroine, who demands the head of Jochanaan, sung by celebrated baritone Peter Mattei. Tenor Gerhard Siegel is Salome’s lecherous stepfather, King Herod, with mezzo-soprano Michelle DeYoung as his wife, Herodias, and tenor Piotr Buszewski as Narraboth. Derrick Inouye conducts two performances in May.
4.27.5/1.4.9 Elīna Garanča as Amneris
Soprano Angel Blue makes her long-awaited Met role debut as the Ethiopian princess torn between love and country, one of opera’s defining roles. Music Director Yannick Nézet-Séguin takes the podium for the New Year’s Eve premiere of Michael Mayer’s spectacular new staging, which brings audiences inside the towering pyramids and gilded tombs of ancient Egypt with intricate projections and dazzling animations. Mezzo-soprano Judit Kutasi, following her 2024 debut in Verdi’s La Forza del Destino, is Aida’s Egyptian rival Amneris, sharing the role with Elīna Garanča, who returns to the Met for the first time since 2020. Leading tenors Piotr Beczała, SeokJong Baek, and Brian Jagde alternate as the soldier Radamès, who completes the greatest love triangle in the repertory. The all-star cast also features baritones Quinn Kelsey, Amartuvshin Enkhbat, and Roman Burdenko as Amonasro and basses Dmitry Belosselskiy, Alexander Vinogradov, and Morris Robinson as Ramfis. Christina Nilsson makes her Met debut in the title role in March, and Alexander Soddy shares conducting duties.
5.12.2024
The most recent opera by preeminent American composer John Adams—a glorious adaptation of Shakespeare’s immortal drama—has its Met premiere. Following her debut in the company premiere of Adams’s El Niño in 2024, soprano Julia Bullock stars as the irresistible Cleopatra, one of theater’s most complex and captivating characters, opposite bass-baritone Gerald Finley as the conflicted Antony. Adams himself takes the podium to conduct his lyrical and richly orchestrated score, leading a new staging by groundbreaking director Elkhanah Pulitzer that transports the story of troubled romance and political strife from ancient Rome to the Golden Age of Hollywood in the 1930s. Tenor Paul Appleby is Caesar, who goes to war with Antony, and mezzo-soprano Elizabeth DeShong is Caesar’s sister and Antony’s forsaken wife Octavia.
5.23.2025
Tchaikovsky’s macabre thriller, set against the backdrop of Tsarist Russia, is back in the Met’s atmospheric staging. Soprano Sonya Yoncheva makes her highly anticipated role debut as Lisa, the young woman who embarks on a deadly love affair with the gambling-obsessed officer Hermann, sung by tenor Brian Jagde, also in his role debut. Baritone Igor Golovatenko reprises his moving portrayal of Lisa’s fiancé, Prince Yeletsky, alongside mezzo-soprano Violeta Urmana as the spectral Countess and baritone Alexey Markov as Count Tomsky. Keri-Lynn Wilson conducts the sweeping score.
今、メトロポリタン歌劇場は、ジェイムズ・レヴァインの後、最高の状態になりつつある。新しい優秀なプリンシパル、トゥッティでも傑出したアンサンブルとソロ、豊かで正確なトゥッティ、トップアーティストとの幅広いつながり、そして好奇心旺盛な観客（新旧問わず）など、状況はまさに時宜を得ている。今、メトロポリタンオペラにこない理由がよくわからない。今シーズンの残り2025年のラインナップは次の通り。
フィデリオ
メトロポリタン歌劇場での一連の感動的な公演に続き、ソプラノのリーゼ・ダヴィドセンが、暴政の魔の手から夫を救うためにすべてを賭けるレオノーレ役で主演する。テノールのデイヴィッド・バット・フィリップが政治犯フロレスタン役で、悪役ドン・ピツァロ役のバスバリトンのトマシュ・コニエチュニー、看守ロッコ役のベテランバスのルネ・パーペ、そしてソプラノのイン・ファンと、これが同劇場デビューとなるテノールのマグヌス・ディートリッヒが若きマルツェリーネとヤキーノ役で共演する。バスのスティーブン・ミリングが信念を持ったドン・フェルナンド役を歌い、スザンナ・マルッキがメトロポリタン歌劇場の印象的な演出を指揮する。この演出は、ベートーヴェンの感動的な自由への賛歌に現代的類似点を見出すものである。
モビー・ディック
作曲家ジェイク・ヘギーは、自身の初オペラ『デッドマン・ウォーキング』のメトロポリタン歌劇場での初演で印象に残る後、ハーマン・メルヴィルの海と天を揺るがす大作の2010年の翻案で同劇団に戻ってくる。ピークォド号のデッキには、一流のキャストが集結。テノールのブランドン・ジョバノヴィッチが、執拗に白鯨を追い求める偏執狂のエイハブ船長役で主演し、テノールのスティーブン・コステロがオペラ版のイシュマエルであるグリーンホーン役、バリトンのピーター・マッテイが冷静な一等航海士スターバック役、バスバリトンのライアン・スピード・グリーンがポリネシアの銛打ちクィークェグ役で出演。また、ソプラノのジャナイ・ブルッガーがピップ役、テノールのウィリアム・バーデンがフラスク役、バリトンのマルコム・マッケンジーがスタッブ役で出演する。マエストロのカレン・カメンセクが指揮台に立ち、ダラス、サンフランシスコ、ロサンゼルス、ワシントン D.C. での絶賛された公演の後、新たに拡張され改良されたメトロポリタン歌劇場で上演されるレナード・フォリアによる見事な演出を披露する。
フィガロ
指揮者のジョアナ・マルヴィッツは、モーツァルトの喜劇の傑作で、2人の素晴らしいキャストを率いてメトロポリタン歌劇場に初登場。バスバリトンのマイケル・スミュエルとルカ・ピサローニが、聡明な従者フィガロ役で主演し、ソプラノのオルガ・クルチンスカとローザ・フェオラが婚約者のずる賢い女中スザンナ役で対峙する。バリトンのジョシュア・ホプキンスとバスバリトンのアダム・プラチェトカが、スカートを追う伯爵役で交互に出演し、ソプラノのフェデリカ・ロンバルディとジャクリーン・スタッカー（メトロポリタン歌劇場に初登場）が、悲嘆に暮れる伯爵の妻役を交代で演じ、メゾソプラノのマリアンヌ・クレバッサとエミリー・ダンジェロが、思春期の小姓ケルビーノ役を分担する。
サロメ
音楽監督ヤニック・ネゼ＝セガンが、シュトラウスの白熱した一幕悲劇のメトロポリタン歌劇場初公演を指揮する。同劇団では20年ぶりの新演出となる。ヨーロッパを代表するオペラ監督のひとり、クラウス・グースは、オスカー・ワイルドの美しく奇妙な想像力を通してすでにフィルタリングされている聖書の物語に、象徴性と微妙な光と闇の陰影に富んだ、心理的に鋭敏なヴィクトリア朝時代の設定を与える。新演出の主役は、虐待を受け精神を病んだアンチヒロインで、ヨカナーンの首を要求するソプラノのエルザ・ファン・デン・ヘーファーで、高名なバリトンのペーター・マッタイが歌う。テノールのゲルハルト・ジーゲルがサロメの好色な継父ヘロデ王、メゾソプラノのミシェル・デヤングが妻ヘロディア、テノールのピオトル・ブシェフスキがナラボト役を務める。デリック・イノウエは5月に2回の公演を指揮。
アイーダ
ソプラノ歌手のエンジェル・ブルーが、オペラの代表的な役柄のひとつである、愛と祖国の間で引き裂かれるエチオピアの王女役で待望のメトロポリタン歌劇場デビューを果たす。音楽監督ヤニック・ネゼ＝セガンが、マイケル・メイヤーによる壮大な新演出の大晦日プレミアに登壇。精巧な投影と目もくらむアニメーションで、観客を古代エジプトのそびえ立つピラミッドや金色の墓の中に誘う。メゾソプラノ歌手のユディット・クタシは、2024年にヴェルディの『運命の力』でデビューし、アイーダのライバルであるエジプト人アムネリス役を、2020年以来初めてメトロポリタン歌劇場に戻ってくるエリーナ・ガランチャと分担する。一流テノールのピオトル・ベチャワ、ソクジョン・ペク、ブライアン・ヤグデが交互に兵士ラダメス役を演じ、レパートリー中最大の三角関係を完成させる。オールスターキャストには、バリトンのクイン・ケルシー、アマルトゥフシン・エンフバト、ローマン・ブルデンコがアモナスロ役、バスのドミトリー・ベロッセリスキー、アレクサンダー・ヴィノグラドフ、モリス・ロビンソンがラムフィス役で出演する。クリスティーナ・ニルソンは3月に主役でメトロポリタン歌劇場デビューを果たし、アレクサンダー・ソディが指揮。
アントニーとクレオパトラ
著名なアメリカ人作曲家ジョン・アダムスによる最新オペラ、シェイクスピアの不朽の名作の見事な翻案が、メトロポリタン歌劇場で初演される。2024年にメトロポリタン歌劇場で初演されたアダムスの『エル・ニーニョ』でデビューしたソプラノ歌手のジュリア・ブロックが、演劇界で最も複雑で魅惑的な登場人物の一人である魅力的なクレオパトラ役で主演し、葛藤するアントニー役のバリトン歌手ジェラルド・フィンリーと共演する。アダムス自らが指揮台に立ち、叙情的で豊かに編曲された楽曲を指揮する。画期的な演出家エルカナ・ピューリッツァーによる新たな演出は、問題を抱えた恋愛と政争の物語を古代ローマから1930年代のハリウッド黄金時代へと移す。テノールのポール・アップルビーはアントニーと戦争をするシーザー、メゾソプラノのエリザベス・デショングはシーザーの妹でアントニーに見捨てられた妻オクタヴィアを演じる。
スペードの女王
帝政ロシアを背景にしたチャイコフスキーの不気味なスリラーが、メトロポリタン歌劇場の雰囲気ある舞台に戻ってきました。ソプラノのソニア・ヨンチェヴァは、ギャンブルに取り憑かれた将校ヘルマンとの致命的な恋愛に乗り出す若い女性リサ役で待望のデビューを果たします。テノールのブライアン・ヤーグデが歌い、これも初出演。バリトンのイゴール・ゴロヴァテンコは、リサの婚約者エレツキー公爵の感動的な演技を再び演じ、メゾソプラノのヴィオレッタ・ウルマーナが幽霊のような伯爵夫人役、バリトンのアレクセイ・マルコフがトムスキー伯爵役を演じます。ケリー・リン・ウィルソンが壮大な音楽を指揮する。
そうです。by classicasobi
人生に悩みはつきものだ。そしてオペラはあなたの心の闇に入り込みあなたを飲み込む。そしてオーケストラのサウンドはその闇を取り除く。
メトロポリタン歌劇場でシュトラウスの影のない女の公演が6回あり終わった。休憩含め４時間のオペラだ。演奏会とオペラは全く違う面白さがある。普段ヘッドフォンやオーディオで素晴らしい音を体験していても、3800人が一度に体験できる箱の中で自分が作品の一部になるということだ。そして彼らは自分の心と体と楽器だけで作品に命を吹き込み、それを聴き手は同時体験している。他人の不幸を犠牲に自分の幸せを手に入れるこの世に、シュトラウスは、自己犠牲の代わりに夫を救い、うまくいっていない他のカップルも幸せになる話を1919年、第一次世界大戦開戦の翌年に初演。
これは3幕で命の水を飲まないと決める前カイザリンの一節。
Mein Platz ist hier in dieser Welt.
Hier ward ich schuldig,
hierher gehör' ich.
Wo immer du
dich birgst im Dunkel –
in meinem Herzen
ist ein Licht,
dich zu enthüllen!
Ich will mein Gericht!
Zeige dich, Vater!
Mein Richter, hervor!
私は諦めない。
私の居場所はこの世界のここにある。
ここで私は罪を犯した。
ここが私の居場所。
あなたがどこにいても
暗闇に隠れて
私の心の中に
光があります
あなたを明らかにする
私を裁いて
姿を現してください、お父さん！
私の裁きよ、現れて！
But I will not give in!
My place is here in this world.
Here I became guilty,
here I belong.
Wherever you
hide in the darkness –
in my heart
there is a light
to reveal you!
I want my judgment!
Show yourself, father!
My judge, come forward!
この音を生で浴びると打ちひしがれる。そのあと彼女は本音を語り救われる。最後の公演を見る前の日、この一節だけ10回以上歌詞をみながら聴いた。それを手に入れれば私は救われる。それでも、誰かの命や幸せを犠牲にしてもそれをしない、取らない。この作品ができたのは100年前だ。しかし、見ていて今と何も変わらない社会現象を描いている。自分が助かるために魔女を連れて、うまくいっていない人間の夫婦の家に行き、嫁を口説いて自分が助かろうという話だ。3回見に行ったし3週間よく聴いた結果、闇や光、オペラで起こる現象が自分の現実世界と同じことだと気が付いた。カイコバードの闇は、愛する人がいて、その人と幸せになろうとするために生じる周りの犠牲だ。不倫をしているカップルは見たほうがいい。赤いハヤブサ、影、命の水。石になる夫、一人だけ名前がある人間の夫。こういった象徴は自分の人生にも出てくる。メトロポリタン歌劇場オーケストラと歌手たちが繰り広げるシュトラウスの4時間にもがき、打ちのめされ、さまよった結果、救われた。これがその公演で作品の一部になるということだ。大体のお客さんはセットや歌手の姿を、もう少し好きになると歌を見る。しかし、その世界を体験できるのは、その心理をオーケストラが全体を描いているからだ。オペラ歌手が目の前に来て、自分の歌詞だけ歌うのをみても、ただのおかしい人にか見えないだろう。この一節では「私はこの世界に存在し、私は罪を犯し、それでもここが私の居場所」とカイザリンが歌う。音楽はほぼついていないが、オーボエが彼女の闇を映す。絵を見るように明らかにカイザリンの苦悩が伝わって、そこにカイコバードのティンパニやブラスの薄暗いテーマ。彼女が闇の帝王の娘で彼女が見つけた光を支配しようとする。人の心理を音で描いている。一番驚いたのは3幕の始め、染め物屋の夫が、帰ってきてビールを飲むシーンがあるが、クラリネットが「ゴクゴク」という音を演奏していた。作家、ホフマンスタールの世間心理発見物語にシュトラウスの見事で壮大な音楽。そしてありふれた話。自分の気持ちを見つめ、意識を行動に変え、暗闇から光を取り出し、道案内をしてくれる。オペラとはそういう物だ。
12.19.2024
Metropolitan Opera
RICHARD STRAUSS
CONDUCTOR
Yannick Nézet-Séguin
NURSE
Nina Stemme
SPIRIT MESSENGER
Ryan Speedo Green
EMPEROR
Russell Thomas
EMPRESS
Elza van den Heever
DYER'S WIFE
Lise Lindstrom
BARAK, THE DYER
Michael Volle
Opera penetrates your soul's darkness and consumes you, and then the orchestral sounds take it away.
Six performances of Strauss's Die Frau ohne Schatten have just finished at the Metropolitan Opera. It's a 4-hour opera, including breaks. Concerts and operas have completely different appeals. Even if you usually experience great sound with headphones or audio, you become part of the work in a box that 3,800 people can experience simultaneously. In this world where people sacrifice the misfortune of others to obtain their happiness, Strauss's opera Saving Her Husband Instead of Self-sacrifice and Helping Other Unhappy Couples to Become Happy premiered in 1919, the year after the outbreak of World War I.
This is a passage from Act 3 where Kaiserin decides not to drink the water of life.
Doch weich' ich nicht! (Open by another window)
Mein Platz ist hier in dieser Welt.
Hier ward ich schuldig,
hierher gehör' ich.
Wo immer du
dich birgst im Dunkel –
in meinem Herzen
ist ein Licht,
dich zu enthüllen!
Ich will mein Gericht!
Zeige dich, Vater!
Mein Richter, hervor!
But I will not give in!
My place is here in this world.
Here I became guilty,
here I belong.
Wherever you
hide in the darkness –
in my heart
there is a light
to reveal you!
I want my judgment!
Show yourself, father!
My judge, come forward!
In her live, I was devastated. Afterward, she told her true feelings and was saved. The day before the last performance, I listened to this passage more than 10 times while looking at the lyrics. If I could get it, I would be saved. But even if it meant sacrificing someone else's life or happiness, I wouldn't do it or take it. This work was created 100 years ago. However, watching it depicts a social phenomenon no different from today. To save herself, she takes a Witch to a Human couple who are not getting along and tries to woo the bride to save himself. After seeing it three times and listening carefully for three weeks, I realized that the opera's darkness, light, and phenomena are the same as my absolute world. The darkness of the Kaikobad is the sacrifice of those around you that occurs when you have someone you love and try to be happy with that person. Couples who are having an affair should watch it: the red falcon, the shadow, the water of life. The husband who turns to stone is the only human with a name. These symbols also appear in my own life. I struggled, was overwhelmed, and wandered through the four hours of Strauss performed by the Metropolitan Opera Orchestra and singers, and I was saved. It means to be part of the work at the performance. Most audiences watch the singers when they like the set and the singer more. However, they can experience it because the orchestra portrays psychology. If an opera singer came in front of you and sang, you would think she was crazy.
On the link, Kaiserin sings, "I exist in this world, I have committed sins, and yet this is where I belong." There is almost no music, but the oboe reflects her darkness. Kaiserin's suffering is conveyed as if looking at a painting, followed by the dark theme of Kaikobad, timpani, and brass. She is the daughter of the darkness and tries to control the light she has found. Human psychology is shaped by sound. The most surprising thing was that at the beginning of the 3 act, there is a scene where the dyer's husband comes home and drinks beer, and the clarinet plays the sound of "gulping". Strauss's magnificent music is a story of the discovery of the psychology of the world by the writer Hofmannsthal. And it is an ordinary story. Opera is about looking at your feelings, turning consciousness into action, bringing light to darkness, and showing you the way.
音の宇宙。彼らの意思が作品に命を吹き込む。
A universe of sound. Metropolitan Opera brings life to the piece.
コンサートマスターのデビットは3幕でとても長いソロがある。その楽譜をお客さんとみていた。Concertmaster David, has a very long solo in Act 3, was looking over his part with the audience.
デビットとマルーンのサイン。Autograph of David, Concertmaster, and Fulte, Maron Anis Khoury
友人が撮った最後の集合写真。もうこのキャストでは二度と見ることが出来ない。
The last group photo taken by my friend. We'll never see this cast again.
マルーン。この人がいなければ、オペラをこんなに良く聴こうとはしなかっただろう。
Maroon. Without him, I would never have listened to opera so well.
by classicasobi
Asmik Grigorian and Lukas Geniušas came to Carnegie Hall. The venue is an underground 600-seat venue shaken from the subway vibrations. The program is Tchaikovsky and Rachmaninoff. The first and second halves are entirely different worlds. Both are dark and sad songs, but it's December, winter in New York. Asmik wore a leopard costume, and Lukas was dressed like a wild animal tamer. Since Mesto and Salome at Salzburg in 2018, their overwhelming presence has swept Europe. Is this the standard in Europe? When the two appeared, there was a storm of bravos. Tchaikovsky, who was fascinated by the joys and pains of love in late 19th century Russia, Pushkin, Tolstoy, and even enthusiastic lovers of the middle and aristocratic classes, were more interested in whether the poems he wrote evoked a strong personal response in himself than in their artistic qualities. Therefore, the world that Asmik and Lukas unfolded was a personal confession that genuinely resonated with the message of the poems. Rachmani wrote a letter to the poet who selected the poem, saying that he would not play the music unless it were sad.
The second half is also wonderfully dark. And it is on a larger scale than Tchaikovsky. So, it is even higher in magnitude than Tchaikovsky's forte. A massive mass of emotion changes shape in slow motion before your eyes; before you know it, it is booming. Detox. Rachmaninoff was also a lyricist, writing about 85 songs in Russia. Still, Asmik sang the moving melodies with his rich vocals, and Lukas created the world with his outstanding skill. Asmik selected Rachmaninoff's songs in the order of their composition, starting with two from Opus 4, which the composer published in 1893. This is an early work that Rachmani composed in his late teens.
"In the Silence of the Secret Night" is the earliest work, composed around 1892 when he was a student at the Moscow Conservatory. It is a magnificent example of passionate Russian lyric poetry. At the beginning, the piano introduces a gentle and beautiful descending motif, which resonates as the singer enters, and at the climax, the piano thunders with a significant chord. "Beautiful maiden, do not sing to me" is set to a poem by Pushkin, and Rachmaninoff, inspired by the reference to Georgian song, renders it with an exotic melisma in the style of Russian orientalism, influenced by Borodin. The final moment is terrific when the singer slowly descends from a high pianissimo note to a melancholic, swaying melody reprised by the piano. There are countless examples, but Lucas created a presence throughout the piece, experiencing Asmik's confession in that world. At times, Lucas' center of gravity leaned far to the left, enveloping Asmik's intense emotional upsurge like a grand orchestral climax. The weight of Lucas' piano tone was as heavy as Kissin's, and his rendering had the same scent as Julius Drake, Malcolm Martinu, Helmut Deutsch, and other great accompanists of the past. He has the unique drama of songs in a supernatural way. It seems that his parents and those before him were all pianists. A tour of Japan is planned for 2025, so I'm looking forward to it. I was truly fascinated and felt a great power in Asmik's presence, but not a single tear fell. It was just fun. And they were also enjoying their first Carnegie recital and our time together. Asmik received a second large bouquet of roses, shouted thank you loudly, and disappeared to the other side of the stage as the audience gave mighty applause until the end. It's been a long time since the diva appeared in New York.
アスミク・グレゴリアンとルーカス・ゲニウシャスがカーネギーにやってきた。べニューは地下の600席。地下鉄がぶるぶるくる。プログラムはチャイコとラフマニノフ。前半と後半で全く違う世界。どっちも暗くて悲しい曲ばかりだが、12月、冬のニューヨーク。アスミクはレオパードの衣装で、ルーカスはまるで猛獣使いのような装い。2018年ザルツでメストとサロメ以来、ヨーロッパを席巻してきた圧倒的なプレゼンス。これがヨーロッパのスタンダードか！2人が登場するとブラボーの嵐。愛の喜びと苦しみの19世紀後半のロシア、プーシキン、トルストイから中流階級や貴族階級の熱心な愛好家まで魅了したチャイコフスキーは作った詩の芸術資質よりも、それが自分の中に強い個人的な反応を呼び起こすかどうかに関心があったそうだ。そのため、アスミクとルーカスの繰り広げる世界は詩のメッセージに心から共感し、個人的な告白になっていた。ラフマニは彼のために詩を選んだ詩人に悲しくないと曲をかけないと手紙を出したそうだ。後半も素晴らしく暗い。そしてチャイコよりスケールがでかい。だから、チャイコのフォルテより一段とマグニチュードが上だ。巨大な感情の塊が目の前でスローモーションで形を変えながら、気が付いたらドーンと鳴っている。デトックス。ラフマニノフは作詞家でもあり、ロシア時代を通じて85曲ほど書いているが、アスミクはその感動的なメロディーを豊かなボーカルで歌い、ルーカスは卓越した技量で、その世界を創造する。アスミクはラフマニノフの歌曲を作曲順に選曲し、作曲家が1893年に発表した作品4から2曲で始めた。これはラフマニが10代後半だった頃に作曲した初期のもの。「秘密の夜の静寂の中で」は最も初期の作品で、彼がモスクワ音楽院の学生だった1892年頃に作曲された。情熱的なロシアの抒情詩の見事な例である。冒頭、ピアノが優しく美しい下降モチーフを導入し、歌手が登場するとそのモチーフが響き渡り、クライマックスではピアノが大きな和音で轟かせる。「美しい乙女よ、私に歌わないで」は、プーシキンの詩につけられており、ラフマニノフは、グルジアの歌への言及からヒントを得て、ボロディンの影響がみられるロシア東洋主義スタイルのエキゾチックなメリスマでそれを表現した。特に最後の瞬間は素晴らしく、歌手がピアニッシモの高音からピアノのメランコリックな揺れるメロディーのリプライズにのってゆっくりと下降する。あげるときりがないが、ルーカスは終始、気配を作り出し、その世界の中でアスミクの個人的な告白を体験していた。時にルーカスの重心は左に大きく傾き、壮大なオーケストラのクライマックスのように、アスミクの激しい心の高まりを包み込んでいた。そしてルーカスのピアノの音色の重さはキーシンのように重たく、彼のレンダリングはジュリアス・ドレイクやマルコム・マルティヌーやヘルムート・ドイチェら、歴代の名伴奏たちと同じ匂いがした。歌曲が持つ独特のドラマを超天然で彼は持っている。親やその前もみんなピアニストのようだ。2025年には日本ツアーも予定されているので、楽しみだ。心から魅了されていたし、アスミクの存在に大きな力を感じたが、涙が一粒もこぼれなかった。ただただ、楽しかった。そして、彼らも彼らにとって初めてのカーネギーと私たちの時間をただただ満喫していた。アスミクは2つめの大きなバラの花束を受け取り、大きな声でサンキューと叫さけぶと、聴衆が最後まで力強い拍手を送り続ける中、ステージの向こう側に消えていった。久々にディーバがニューヨークに現れた。
Asmik Grigorian, Soprano
Lukas Geniušas, Piano
At Carnegie Hall 12.12.2024
Program
TCHAIKOVSKY "Amid the din of the ball," Op. 38, No. 3
TCHAIKOVSKY "Again, as Before, Alone," Op. 73, No. 6
TCHAIKOVSKY "None but the Lonely Heart," Op. 6, No. 6
TCHAIKOVSKY "A tear trembles"
TCHAIKOVSKY Romance in F Minor, Op. 5
TCHAIKOVSKY Scherzo humoristique, Op. 19, No. 2
TCHAIKOVSKY "I bless you, forests," Op. 47, No. 5
TCHAIKOVSKY "Do not Ask," Op. 57, No. 3
RACHMANINOFF "In the silence of the secret night," Op. 4, No. 3
RACHMANINOFF "Oh, Do Not Sing to Me, Fair Maiden"
RACHMANINOFF "Child, thou art as beautiful as a flower," Op. 8, No. 2
RACHMANINOFF "The Dream," Op. 8, No. 5
RACHMANINOFF "Spring Waters," Op. 14, No. 11
RACHMANINOFF "Oh, do not grieve!" Op. 14, No. 8
RACHMANINOFF "I wait for thee," Op. 14, No. 1
RACHMANINOFF Prelude in G-sharp Minor, Op. 32, No. 12
RACHMANINOFF Prelude in D-flat Major, Op. 32, No. 13
RACHMANINOFF "Twilight," Op. 21, No. 3
RACHMANINOFF "How fair this spot," Op. 21, No. 7
RACHMANINOFF "Let Us Rest," Op. 26, No. 3
RACHMANINOFF "Dissonance," Op. 34, No. 13
by classicasobi
12.11.2024
New York Philharmonic 12.11.2024
Handel’s Messiah
Ton Koopman, Conductor
Maya Kherani, Soprano
Maarten Engeltjes, Countertenor
Kieran White, Tenor
Klaus Mertens, Bass-Baritone
Musica Sacra
ニューヨークフィルにトン・コープマンがやってきてヘンデルのメサイアを指揮した。会場には奥さんの姿も見えた。コープマンはモーツアルト以降の作品を演奏しないそうだ。実際初めてライブを体験して、ブリュッヘンの様にシャープな指揮。熟練の職人が天ぷらを揚げる様に、まずタイミングが早い。ニコニコしていて目が鋭い。音色が自然で大変変化に富んでいた。アカンパニャートのコンティヌオがチェロとバス一本ずつ。後、アリアでチェロトゥッティ、よくあっていてさすがホームのフィル。2vlの音色も1と違う。ビオラのダイナミックな動き。見事なトランペットのファンファーレに続くバイオリンの輝く音色。ヘンデルの見事なオーケストレーション。最後のフーガも壮大。歌手たちの喉と歌声も見事。今80歳のコープマンの活き活きした音楽作りを体験できて幸せ。
by classicasobi
12.3.2024
Akademie für Alte Musik Berlin
at 92nd Steet Y
Xenia Löffler, baroque oboe; Georg Kallweit, concertmaster and solo violin
J.B. Bach, Orchestral Suite No.1 in G Minor for solo violin, strings and continuo
Telemann, Quintet for two violins, two violas and continuo in E Minor, TWV 44:5
J.S. Bach, Concerto for oboe, strings and continuo in G Minor, BWV 1056(R)
Telemann, Overture from Burlesque de Quixotte, TWV 55:G10
J.S. Bach, Concerto for oboe and violin, strings and continuo in C Minor, BWV 1060(R)
Thank you so much for coming @akamus_berlin to @92ndstreety also thank you so much for having wonderful program to us. Herz und Mund und Tat und Leben. Danke Schoenberg Katharina Litschig, Cello to have all autographs for the program book. 1st one, Bach’s cousin, JS copied as the same as I record today’s memory.
またなんというものを見てしまったんだ。ムーティも言ってたが現代特に都市に住む人間はどんどん退化している。この方たちはモーゼが海を2つに割って救いの道を切り拓いた時も様に、大地に振動を起こし、空に光を風を巻き起こし、人間の見えないが誰もが持っている喜怒哀楽を呼び起こし、バッハのいとことバッハの当時のライバルとバッハを演奏した。バッハのいとこの曲でゲオルグ・カエルヴァイトのソロヴァイオリンが痺れるくらいいいはずしかたをする。そこは1700年のバッハの生地、アイゼナッハだった。今日もタイムトラベルだ。金曜のシュトラウスから200年前。テレマンは見事に色とりどりで勢いがまるで違う。数年バッハの先輩でめちゃ人気だったし、ハンブルクでいい仕事もつけた。賢いピカソタイプ。しかしバッハは違う。人間を描いている。人の心そのものだ。ベルリン古楽のみなさんに十数年かかったが教えて頂きました。プレイが上手いとか楽しいとかそういう問題じゃない。心の波を整えて聴こえて来る音楽を耳と心と体で通り過ぎるように聴いて見ると見えて来る景色がある, 感じる音楽の力がある。アンサンブルは特にハープシコードの終止前の装飾が絶妙、両サイドに展開する楽器の最後のばらーっとした音色。風に揺られて冬の街路樹から枯れ葉がバラバラ落ちる様な。クセニアのオーボエは雪解けの春のカエルのよう、光を浴びて鳴く。岩から滲み出る雪解け水の様に涙が溢れた。92yでお目にかかれたのも良かった。それにしてもgmollのコンチェルトはなんだったんだ。ブルックナーやマーラーの死生観と似ているがもっと身近。人の心のひだに暖かく触って来る。バッハは人の心に近い。そして帰りのニューヨークの地下鉄はゴルゴダの丘の様だった。#akamus #GeorgKallweit #XeniaLöffler Danke alle. バッハに会えた。
by classicasobi
2.5.2024
Czech Philharmonic at Carnegie Hall
Semyon Bychkov, Chief Conductor and Music Director
Daniil Trifonov, Piano
Lyubov Petrova, Soprano
Lucie Hilscherová, Mezzo-Soprano
Dmytro Popov, Tenor
David Leigh, Bass
Daniela Valtová Kosinová, Organ
Prague Philharmonic Choir
Lukáš Vasilek, Choirmaster
Program
DVOŘÁK Piano Concerto
JANÁČEK Glagolitic Mass
彼らにとってドボルジャークやヤナーチェクはイタリア人がパスタを食べるように自然だ。彼らはそのレシピを変えず世代を超え守ってきた。一日前のマーラーでは楽員たちの意識や考え、息遣いが伝わってきて、それぞれの歌い方の違いも楽しめたが、このプログラムは彼らの血で演奏され、オーボエは鳥のように鳴き、コントラバスは小川に回る水車の様で弦楽器は風の模様だった。その時と土地の匂いがする。収穫を待つ小麦が夕日に照らされて黄金に輝く。トリフォノフは相当個性的だが、チェコフィルの天然ドボルジャークでも彼の個性は同じく輝き、溶け合い、満席のカーネギーの聴衆を特別な気持ちにさせてくれた。ヤナーチェクのグレゴルミサはスラブ人最古の言葉、グラゴル語で歌われ生々しかった。オーケストラの音色かどうか忘れてしまうほど、楽器がその世界と溶け合って、合唱、歌手たちの言葉、歌。祖国の独立と恋人への情熱、73歳のヤナーチェクの野心を感じる。ヤナーチェクは無宗教で、「敷石の下の墓、祭壇の上の骨、絵画の中の拷問と死。教会は死の本質。」と言っていたそうだが、オーケストラが繰り広げる世界はベルリオーズ、ブラームス、ベルディにつながる神秘とドラマで、純粋な自然とスラブ民族愛を感じた。教会は巨大な森の天蓋、羊の群れや鐘の響き、合唱は民衆の歌、ソプラノは天使のような少女の声。まるでゴッホの絵が音になったようだ。
合唱も全員連れてきて、チェコ音楽祭がニューヨークのカーネギーホールで開催されて、ヤナーチェクのグレゴルミサを公演した。
プラハでチェコフィルの会員さん。このためわざわざ来たらしいが、グラゴル語で書かれミサは何を言っているかわからないといっていたが、ウクライナの友人は全てわかったそうだ。何人というより、宇宙人なのかどうか。
こちらもチェコの方で、ビシュコフのサインをいただき、みんなでみおくった。マエストロの一日も早い回復と益々の活躍が楽しみだ。ヤナーチェクのオペラをメットでお願いします。
まったかいあった。ビシュコフのオートグラフ。この筆跡から彼の人柄や音楽性を感じる。
by classicasobi
12.4.2024
Czech Philharmonic at Carnegie Hall
Semyon Bychkov, Chief Conductor and Music Director
Gil Shaham, Violin
DVOŘÁK Violin Concerto
G. MAHLER Symphony No. 5
Encore:
J. S. BACH Gavotte en Rondeau from Violin Partita No. 3 in E Major, BWV 1006 (Gil Shaham)
10年ごとに4で終わる年に開催される「チェコ音楽100周年記念年」の終了を祝って、ビシュコフとチェコフィルがカーネギーホールにやってきた。そして、アメリカの巨匠ギルシャハムのドボルジャークのバイオリン協奏曲を聴いた。こんなに幸せでいいのか戸惑うほどうまかったし面白かった。シャハムは公演に集まった友達とサッカーをしているようだった。ソロエピソードでは見事な演奏、トゥッティで流れがオケに移ると、中央に近寄ってパスを渡し、そしてまた受け取るとあらゆる方向に駆け抜け見事に技をきめる。はじめのカデンツの終わりにカーネギーのドームの天井まで音色が駆け上がって行って頭が真っ白に、そして、アンコールのガボットではゆったりとした音の膜が隅々まで満たされた。指揮者のビシュコフを最後に聴いたのは、北ドイツとダフネをやった時だった。今回はマーラー5番。９月に腰の手術を受けまだ痛みが続いているようだが素晴らしい指揮だった。マーラーの面白さはその文脈が変化し続けそれ自体が継続的に解体されていく。ビシュコフは心のこもった指揮ぶりは彼らから温かな音の豊かさを引き出し音楽を繋いでいく。バーンスタインはマーラーを現代生活の偉大な音楽の鏡といったが、チェコフィルの楽員たちの意識や呼吸は、マーラーの変わり続ける流れの中で訪れたことがないプラハやモラビアの今を伝えていた。この数週間に6つの異なるオーケストラを聴く機会に恵まれたが、チェコフィルを聴けたことは自分の物差しをもう一度考え直す機会を与えてくれたようだった。
ステージにはチェコの国旗も
by classicasobi
Met brings Strauss back to New York
Metropolitan Opera 11.29.2024
RICHARD STRAUSS
CONDUCTOR
Yannick Nézet-Séguin @nezetseguin
NURSE
Nina Stemme
SPIRIT MESSENGER
Ryan Speedo Green @speedogreen
EMPEROR
Russell Thomas @travlingtenor
EMPRESS
Elza van den Heever @elzasoprano
DYER'S WIFE
Lise Lindstrom @liselindstromsoprano
BARAK, THE DYER
Michael Volle @michaelvolleofficial
@metopera @metorchestra @maroon.ak
メットでシュトラウスの影のない女が始まった。ピットで楽譜を見せてくれているのは、勤続11年目のマルーンだ。いつもご苦労様です。ホフマンスタールと4作目、1919年にウィーンで初演。神秘とロマンに満ちた愛と慈しみを壮大なオーケストレーションと共に歌い上げていく。休憩2回4時間。ニューヨークからシカゴの飛行時間だ。演奏会に3回行ったくらいの満足感。中々奇抜な物語にシュトラウスの巧みな管弦楽と歌曲の数々が繰り広げられるが、カペルマイスター、ヤニックのぼうが素晴らしく、どのテーマとアンサンブルにも彼の個性とオーケストラが良く反応して、目まぐるしく変わる表現を透明で遊びと迫力に溢れた音楽の流れで、一瞬でもオペラの面白さから意識が逸れることがなかった。時に両腕をブラスに構えて顔をブルブル振ってブラスが鳴る。彼は影そのものでメットオーケストラそのものなのだ。シュトラウスがサロメやエレクトラ、薔薇の騎士、アリアドネなどで喜怒哀楽を音楽にして来た技がこのオペラにはふんだんに盛り込まれていて、それら一つ一つにヤニックとオケの呼吸や興味が伝わっていた。例えばフルートは魔法、夫の慈愛、妻や皇后などなど様々な感情表現に歌の伴奏やソロで演奏されるが、それぞれ音色も表現も違って面白い。クラリネットは、ほんの少しそのフレーズの最後に加わる音色さえクリアで存在感に溢れていてシュトラウスの面白さをより知ることができる。バイオリンとチェロに長い独奏があり、いつのまにか物語に引き込まれていく。ヤニックのぼうが澱みない流れを作りシュトラウスがメットに蘇る。弦は時に毒毒しく、時に黄金に、クリスタルに、木管のリードもばっちり。ハープや打楽器のバランス。バンダの効果もよく考えられていたが、オルガンと一部の声はスピーカーからでていて残念。予算か。歌手はみんな素晴らしかったが、リンドストロームはブリュンヒルデの様だった。おばちゃんたちも、あれは妻ではないと。まあ最初の挨拶の様なものだ。バンデンヒーバーはサロメの様だった。ラッセルトーマスが張りがあっていい声だった。しかしヤニックのシュトラウスはベルリオーズが聴きたくなる。2幕のチェロのソロの音色がハウスいっぱいに鳴り響いた時、20年以上通って来たこの場所にアットホームな居心地の良さ感じた。
バンデンヒーバーはディーバと呼ぶにはあまりにも身近な存在。気取りがないのに歌は抜群。
メットオーケストラ、コンサートマスターのデビットとチェロのラファエル。どのソロもすばらしかった。
1919年、1次大戦開戦の翌年にウィーンで初演された。１幕ダイクの慈愛のテーマ。
by classicasobi
コンサートマスター、エシュケナジーのバイオリンソロやトゥッティでバイオリンの箱の中が、コーーーーーーーっと鳴っていた。物凄くすっきりします。
Jansons did the same program with Wiener Philharmoniker in 2005. The combination of the last of Schoenberg and the beginning of Mahler's Symphony No. 1 sounded connected when played consecutively. Makela used the Vienna Universal edition. The string ensemble was lively and focused, and the concertmaster's solo was also excellent. Their composition was terrific. In just a few bars before the end, I felt a deep sense of calm and tranquility at the peak of the brilliance and beauty of the music.
In the following Mahler, the music was carefully interpreted, and the orchestra responded beautifully, and each section was rich and sometimes unique. Makela's takt became more apparent towards the finale, and the strings shone; the horn theme, the dynamic bass, the repeated brass, the different theme crossover, the tone, and the ensemble were Makela's Mahler. He flexed his body when cymbals was hitting, and the sound spread throughout the Carnegie Auditorium. Makela's outstanding conducting and the Concertgebouw orchestra's response were excellent. Every solo and ensemble was terrific, and the finale sounded like a hymn of humanity, starting with the short 60-minute violin Cosmo. From the first time I heard it at Zubin Mehta in the 90s, I encountered Mahler like Makela, who will be in charge of the Chicago Symphony and Concertgebouw orchestra. The repertoire selected by Makela connects the present and future audiences and gives them life. Please do Shostakovich 4th!
Royal Concertgebouw Orchestra at Carnegie Hall 11.23.2024
Klaus Mäkelä, Conductor
Program
SCHOENBERG Verklärte Nacht
G. MAHLER Symphony No. 1
同じプログラムをヤンソンスがウィーンと2005年にやった。シェーンベルクの最後とマーラー1番の最初が続けて演奏されると繋がって聴こえるような組み合わせ。マケラはウィーンのユニバーサルの楽譜を使っていた。コンセルの弦のアンサンブルは生き生きしてとても良く集中していて、コンサートマスターのソロも最高だった。組み立てが凄い。もうほんのラスト数小説で音楽の輝きと美しさの頂点に心の奥まで静かで穏やかかな気持ちになれた。続くマーラーでは曲の隅積みまで丁寧に解釈されていて、オケも見事に反応して、それぞれのセクションも豊かで時にユニークな演奏に富んでいた。フィナーレに向かってマケラのボウはますます冴え、弦の輝き、ホルンのテーマ、ダイナミックなバス、繰り返すブラス、違うテーマクロスオーバー、音色もアンサンブルもマケラのマーラーだった。シンバルを鳴らす時は体を柔軟に使ってパァアーンとカーネギーのオーディトリウム全体に広がる。見事な指揮だったしコンセルの反応も抜群。どのソロもアンサンブルもすばらしかったし、60分がほんの僅かなバイオリンのコスモからフィナーレは人間讃歌に聴こえた。ズービンメータで初めて聴いた時から、マケラのようなマーラーにお目にかかれた。シカゴとコンセルで、それぞれのオケの面白さと、マケラが選ぶレパートリー、それらが今と次の聴衆とを繋ぎ、数々の作品に命を吹き込む。ショスタコ4コンセルでお願いします! @klausmakelaofficial @concertgebouworkest @carnegiehall
カーネギーの2階に飾ってあるマーラーのポートレート
このペンでこの公演の弦の首席5人とマケラにサインをいただいた。この人たちは新しいクラシックファンにたくさんのすばらしい演奏をもらすだろう。
カーネギーで新しく手に入れたノートにサインをもらう。オーディエンスに歳の数はない。この年齢の方がマーラーに感激して演奏していた相手にサインを求めるほどおもしろかったのだ。
シェーンベルクとマーラーを聴いたたくさんのファンからサインを求められるマケラ。また来年来ると話していた。
上から、クラウス・マケラ、コンサートマスターのヴェスコ・エシュケナージ、セカンドバイオリン、アレッサンドロ・ディ・ジャコモ、その右、チェロ、タチアナ・ヴァシレワ、左下、コントラバス、テオティム・ヴォワザン、右下、サンタ・ヴィジーナ
by classicasobi
Royal Concertgebouw Orchestra at Carnegie Hall 11.22.2024
Klaus Mäkelä, Chief Conductor Designate
Lisa Batiashvili, Violin
Program
ELLEN REID Body Cosmic (US Premiere, co-commissioned by Carnegie Hall)
PROKOFIEV Violin Concerto No. 2
RACHMANINOFF Symphony No. 2
Encores:
J. S. BACH Chorale Prelude on “Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ” (arr. for Violin and Strings by Anders Hillborg) (Batiashvili)
MUSSORGSKY “Hopak” from Sorochintsï Fair (arr. Liadov)
クラウスがカーネギーにコンセルと戻ってきた。去年のパリ管はやんちゃすぎて、クラウスが何者か全くわからなかった。ニューヨークのスタンダードを彼がどう満足させてくれるか。このクラウスの立ち姿はラトルの様だ。左手でポディウムの手すりを握る姿はガッツポーズにも見える。今世界で一番注目されているクラウスのボウからこれから数々の記憶に残る名演がコンセルと共に育まれていくはじめの時期を見ることが出来た。ベルリンのブルックナー5番のように、ロマン派の名曲や現代曲、数々のアンサンブルがこれから繰り出されていくだろう。そしてその初めにリードの妊娠と出産を描いた現代曲をアメリカの私たちに聴かせてくれたことは、未来クラシックファンや作曲家にとってかけがえのない日となった。クラウスコンセルの未来が楽しみだ。 @klausmakelaofficial @concertgebouworkest @carnegiehall
