21 Century Salome at The Met

Claus Guth's new production of Strauss' opera Salome opened at the Metropolitan Opera on April 29th. The opera, which premiered in Dresden in 1905, combines Wagner's grandeur and verismo's power of the moment. The themes of perverse sexual desire, dementia, necrophilia, and religious inspiration are intertwined. Mahler, the director of the Vienna Opera at the time, was scheduled to conduct the opera, but the plan was canceled due to censorship. Strauss called the singer who sang Salome at the time "a 16-year-old princess with the voice of Isolde," and he immediately recalled the music when he saw the opening lyrics, "How beautiful Salome is tonight!" The clarinet rises smoothly in Salome's theme, and when Jochanaan appears on the basement, the orchestra's sunny brilliance is reminiscent of Zarathustra, and the trumpets sound brilliantly. The eerie sound of the double bass surrounds Salome as she waits for Jochanaan's beheading, and Herod's mentally confused dynamism. Various scenes and characters are depicted with a delicate color composition full of transparency. In Guth's production, the curtain opens with the tinkle the music box, and a girl playing with a doll suddenly becomes angry and smashes the doll to the ground. The Times' review described it as "childhood, dance and violence." In this production, there are 7 Salome, ages from kindergarten to 16 years old. The music, which is based on the theme of the girl's persistent abnormal sexuality, also gives a different impression in this production. The doubles play out the psychological background of how her obsession with kissing the man she loves turns into murderous intent. In "Dance of the Seven Veils," seven Salomes tell the story of her years of abuse by King Herod. In the final monologue, when Salome obtains the head of Jochanaan, kisses it, and sings, the madness of desire that reaches ecstasy is also shown, as is the integration of the divided self surrounded by the doubles. Herod orders Salome's murder, but she disappears to the back of the stage. Elsa, singing Salome, sounds more like a recollection of her past self and compassion for her doubles, rather than a pure sexual pervert. Salome's experience while knowing the logical background is a sensation unique to the 21st century.

クラウス・グードの新演出のシュトラウスのオペラ、サロメが4月29日にメトロポリタン歌劇場で始まった。ワーナーの壮大さとヴェリズモの力強さが融合したこのオペラは、1905年にドレスデンで初演された。変態性欲、痴呆、死体性愛、宗教的霊感といったテーマが絡み合っている。当時ウィーン宮廷歌劇場の監督を務めていたマーラーは指揮を予定していたが、検閲により中止となった。シュトラウスは当時『サロメ』を歌った歌手を「イゾルデの声を持つ16歳の王女」と呼び、「今夜のサロメはなんと美しいことか！」という冒頭の歌詞に、シュトラウスはすぐに音楽を思い起こしたそうだ。サロメのテーマではクラリネットが滑らかに立ち上がり、ヨカナーンが地下室から現れる場面では、オーケストラの陽光のような輝きが『ツァラトゥストラ』を彷彿とさせ、トランペットが燦然と鳴る。ヨカナーンの斬首を待つサロメを包むコントラバスの不気味な音色、そしてヘロデの精神が錯乱した躍動感。透明感あふれる繊細な色彩構成で、様々な場面や登場人物が描かれる。グースの演出では、オルゴールの音で幕が開き、人形で遊んでいた少女が突然怒り出し、人形を地面に叩きつける。タイムズ紙の批評には「幼少期、ダンス、そして暴力」とある。この演出では幼稚園から16歳まで歳を重ねていくサロメが登場する。少女の執拗な異常性愛をテーマにした音楽もまた、この演出により全く異なる印象を与える。分身たちは、愛する男へのキスへの執着が殺意へと変わっていく心理的背景を演じる。「七つのヴェールの踊り」では、七人のサロメがヘロデ王による長年の虐待の物語を語る。最後のモノローグ、サロメがヨカナーンの首を手に入れ接吻し歌う場面では、エクスタシーに達する欲望の狂気も、分身に囲まれ分裂していた自己の統合が示される。ヘロデはサロメの殺害を命じるが、彼女は舞台奥へと姿を消す。サロメを歌うエルザは、純粋な性的倒錯者というよりは、過去の自分を思い出し分身を思いやるかのように聴こえる。心理背景を知りながら体験するサロメは21世紀ならではのセンセーションだ。変態親父ヘロデが16歳の義理の娘に果物を齧って残りは全部食べるくだりと、サロメがヨカナーンの首に熟した果物に食い付くようにというくだりの音楽が一緒で最高に気持ち悪い。こういった細部のシュトラウスの技巧を視聴者に魅せる演出ではない。

Richard Strauss

Salome Site link

Conductor

Yannick Nézet-Séguin

Production

Claus Guth DEBUT

Set designer

Etienne Pluss DEBUT

Costume designer

Ursula Kudrna DEBUT

lighting designer

Olaf Freese DEBUT

Projection designer

Rocafilm/

Roland Horvath

Choreographer

Sommer Ulrickson

DEBUT

Dramaturg

Yvonne Gebauer

DEBUT

Narraboth

Piotr Buszewski

Page

Tamara Mumford*

Joldiers

Harold Wilson

Richard Bernstein

Jochanaan

Peter Mattei

Cappadocian

Jeongcheol Cha

Salome

Elza van den Heever

Servant

Scott Scully

Herod

Gerhard Siegel

Herodias

Michelle DeYoung*

Jews

Bille Bruley DEBUT

Thomas Capobianco

Alex Boyer

Bernard Holcomb

Robert Pomakov

nazarenes

Le Bu*

Yeongtaek Yang**

child salome

Manon Fleur Antonio

Kate Lellos Doherty

Hardy

Vienna Judith Martinez

Willow McConnaughy

Louisa Pancoast

herod’s double

Devin Richey

Review

Nelsons and Boston Symphony tell Shostakovich's Nabat

The Boston Symphony Orchestra and Andris Nelsons performed at Carnegie Hall on April 24, following their appearance the previous day. The program included Shostakovich's Cello Concerto No. 1 and Symphony No. 11. Shostakovich's son, Maxim, was in attendance. The New York Times reviewed the opening of the performance as follows:

“A single death is a tragedy, a million deaths a statistic.” At the start of the Boston Symphony Orchestra’s all-Shostakovich concert at Carnegie Hall on Thursday, the cellist Yo-Yo Ma invoked this darkly cynical statement attributed to Stalin. Addressing the capacity crowd, which included Shostakovich’s son Maxim, Ma added: “We play Shostakovich so that no death is ever just a statistic.”

The program started Cello Concert, composed in 1959 and dedicated to Rostropovich. Shostakovich's son Maxim said in an interview that Shostakovich and Rostropovich were very close. The opening theme is D-S-C-H, the opening syllables of Shostakovich, and this theme resonates throughout the piece. It consists of four movements, including a cadenza, and is performed by a small orchestra that includes one horn. The cello melody has a symbolic sound; the horn alternates with the melody, and the unison of the piccolo and clarinet is also impressive, which, combined with the solo cello, creates irony and grotesqueness. The second movement in particular gives a strong sense of Russian national character and shakes the soul. After the end of Stalin's reign of terror, there was a tendency to quote familiar songs and melodies.

The following Symphony No. 11 depicts the suppression of the people that took place in Moscow in January 1905, one year before Shostakovich was born. It was a Sunday morning in January of the lunar calendar. The protest demonstration of the people gathered in Palace Square was suppressed by military fire. After the quiet and hair-raising opening, string harmonics, flute unison, eerie timpani, trumpet fanfare, and celesta, it seems like a desolate world after the extinction of humanity after a nuclear war. This theme appears repeatedly. The scene of firing defenseless citizens at the command of the state and taking their lives was performed with remarkable unity by the Boston Symphony Orchestra. The snare drum roll, brass, and low strings express the violence and fear of the people under Nelsons, a marvel of an overwhelming orchestra that is cruel, merciless, and unified, no different from Russia today. Even after the performance ended, the snare roll, the icy trumpet fanfare, and the celesta came to mind again and again. I'm happy that this was music. I'm not familiar with the details of the many quotations in this piece, but I believe Shostakovich chose a piece he loved. Shostakovich is said to have depicted an unenlightened past, the awakening of protest, the maturation of revolutionary consciousness, the decisive battle, mourning for heroes who died in battle, and the triumphant dawn of a new era. The finale, known as Nabat in Russian or a warning, features a celesta.

If we make rules, murders become statistics, and no one pays attention if a child goes crazy next to someone concentrating. We live in an age of diversity where people can easily kill others without using weapons. Shostakovich speaks for the anger of the masses. The performance by the Boston Symphony Orchestra and Nelsons clearly showed through music the roots of the dissatisfaction that the masses feel, which is relevant to the modern age.

I hope that Shostakovich's music will lead to the realization of personal happiness that does not cause trouble to others. Russia and America are not so different in the sense that they are both groups of people lacking in morals.

ボストン交響楽団とアンドリス・ネルソンスは4月24日、カーネギーホールで前日に引き続き、演奏会を行った。プログラムはショスタコービチのチェロ協奏曲1番と交響曲11番。会場にはショスタコーヴィチの息子、マキシムの姿があった。ニューヨークタイムスのレビューでは、この公演の冒頭について以下の様に報じている。

「1人の死は悲劇だが、100万人の死は統計に過ぎない。」木曜日、カーネギーホールで行われたボストン交響楽団によるショスタコーヴィチのコンサートの冒頭で、チェロ奏者のヨーヨー・マはスターリンのものとされるこの暗く皮肉な発言を持ち出した。ショスタコーヴィチの息子マクシムを含む満員の観客に語りかけ、マ氏はこう付け加えた。「私たちはショスタコーヴィチを演奏することで、死が単なる統計にならないようにしています。」

1曲目のチェロ協奏曲1番は1959年に書かれ、ロストロポービチに捧げられた。ショスタコービチとロストロポービチはすごく仲が良かったと息子のマキシムがインタビューで話していたそうだ。冒頭のテーマはD-S-C-H、ショスタコービチの始めの綴りで、この主題が作品を通して現れる。カデンツァを含む4楽章で、小さな編成のオーケストラにはホルンが1つ。チェロの旋律を掛け合ったり、変わりに歌ったりと象徴的に聴こえる。ピッコロやクラリネットのユニゾンもとても印象深く、ソロチェロと一緒に皮肉とグロテスクを演出する。特に2楽章では、ロシア民族性を強く感じ魂を揺さぶられるようだった。スターリンの恐怖政治後は、なじみ深い歌や曲を引用する傾向があったそうだ。

続く交響曲第11番は、ショスタコーヴィチが生まれる前年の1905年1月にモスクワで起きた民衆の弾圧を描いている。陰暦1月の日曜日の朝のこと。宮殿広場に集まった民衆の抗議デモは軍の銃撃によって鎮圧された。静かで身の毛もよだつような冒頭の後、弦楽のハーモニクス、フルートのユニゾン、不気味なティンパニ、トランペットのファンファーレ、チェレスタが、核戦争後の人類滅亡後の荒廃した世界を思わせる。このテーマが繰り返し登場する。そして、国家の命令で無防備な市民に発砲し、命を奪っていく場面は、ボストン交響楽団によって驚異的な一体感をもって演奏された。スネアドラムのロール、金管楽器、低弦楽器がネルソン指揮下の民衆の暴力と恐怖を表現し、残酷で容赦なく、そして団結した圧倒的なオーケストラの驚異は、今のロシアと何ら変わらない。演奏が終わっても、あのスネアのロール、トランペットの凍てつくファンファーレ、チェレスタが何度も浮かんできた。これが音楽で本当に良かったと思う。この曲の沢山の引用は詳しくはしらないが、ショスタコービチが愛着ある曲を採用していることを感じる。ショスタコービチは、啓蒙されていない過去、抗議の目覚め、革命意識の成熟、決戦、戦死した英雄たちへの哀悼、そして、新時代の勝利に満ちた夜明けを描いたという。フィナーレはロシア語でNabat、警告とあり、チェレスタが用いられている。

ルールを作れば人殺しも統計になり、真面目に集中している横で子供が暴れても誰の注意もない。武器以外でも人間は簡単に殺せる多様性の時代。ショスタコービチは大衆の怒りを代弁している。ボストン交響楽団とネルソンスの演奏は、そういった現代に通じる大衆が抱える不満の根を鮮明に音楽で見せてくれた。

将来、ショスタコービチの音楽が人に迷惑をかけない個人の幸せの実現につながることを祈ります。ロシアもアメリカもモラルの足りない人間の集まりという意味ではそんなに変わらない。

4.24.2025

Boston Symphony Orchestra

Andris Nelsons, Music Director and Conductor

Yo-Yo Ma, Cello

Program

ALL-SHOSTAKOVICH PROGRAM

Cello Concerto No. 1

Symphony No. 11, "The Year 1905"

Encore:

TRAD. "Moyshele" (arr. for cello ensemble by Blaise Déjardin)

Boston Symphony and Nelsons tells Shostakovich's magic spel at Carnegie Hall

Boston Symphony Orchestra and its music director, Andris Nelsons, held a concert at Carnegie Hall on April 23rd. The first piece was Beethoven's Piano Concerto No. 4, with Mitsuko Uchida as solo piano. The program notes said that the piece prominently depicts issues of power and domination and contains connotations of struggle and competition, which intrigued me. This piece was performed in 1808 on the same day as Symphony No. 5, known for its Fate motif. However, in contrast to the concise and powerful symphony, the Fate motif in No. 4 begins with a soft, quiet, and clear solo piano. Uchida's deep concentration on the sound gives the impression of silent resignation or strong determination. A positive and peaceful struggle. Walking quietly with a big walking stick (support). I felt strongly the atmosphere of Kurtág that I heard in the second half of the solo recital the other day. Fate spreads to the orchestra and develops as arpeggios and variations on the scale. Solo and orchestra. Individual and society. Uchida and Boston's quiet concentration. After the cadenza, the orchestra's theme faintly sounds. It's a little awkward but not unpleasant. I think this is who we are now. Instead, it's fragile and fragile. It's as if we're searching for our place in the world. In the second movement, Andante, the piano quietly responds to and accompanies the orchestra's Dias Ire (Day of Wrath) theme. It fades out quietly from Una Corda and moves on to the third movement. However, it is not a brilliant performance, but rather a Beethoven that can be called the abyss of Boston and Uchida. It is a performance that observes the bubbles that arise when loneliness and dissatisfaction are poured into water and finds a way out of them. But things happen and disappear—the universe. The three-year perspective on Mitsuko Uchida's tenure at Carnegie Hall has come to an end. In the second half, Shostakovich's last Symphony No. 15 was performed. It is the last symphony written in 1971 by a composer who realized that he was near death. There are also abstract references, and you can feel Shostakovich's overflowing imagination and creative energy. The first movement is a toy shop at midnight, the second is a lament, the third is a grotesque wind ensemble, and the fourth is a string serenade on the theme of Wagner's Siegfried. The theme appears intermittently, and at the end, in a harmony reminiscent of Mahler's Symphony No. 1, percussion instruments such as celestas and snare drums, as well as flutes and xylophones, appear one after another, and the curtain closes as if casting a spell. Shostakovich's wonderland, which continued to be created in Moscow under the Stalin regime, has something in common with the mysterious world of David Lynch. Throughout the concert, the impression of Boston was not about rhythm, vocals, or music but about an exchange of hearts and the phenomenon itself. The sharing of values ​​that Nelsons and Boston have cultivated over the years. The technique and fun of the new members and veterans were the very essence of Boston.

ボストン交響楽団と音楽監督アンドリス・ネルソンスが4月23日にカーネギーホールでコンサートを行った。1曲目はベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番で、ピアノは内田光子。プログラムノートには、この曲には権力と支配の問題が顕著に表れており、協奏の意味には闘争や競争の意味合いを内包していると書かれていて興味をそそられた。この曲は1808年、運命の曲で知られる交響曲第5番と同じ日に演奏された。しかし、簡潔で力強い交響曲とは対照的に、第4番の運命のモチーフは柔らかく静かで澄んだソロピアノで始まる。内田の音への深い集中は、静かな諦念、あるいは強い決意の印象を与える。前向きで静かな闘い。大きな杖（支え）を持って静かに歩む。先日のソロ・リサイタルの後半で聴いたクルタークの雰囲気を、私は強く感じた。その運命はオーケストラにも伝播し、アルペジオや音階の変奏として展開していく。ソロとオーケストラ。個人と社会。内田とボストンの静かな集中。カデンツァの後、オーケストラのテーマがかすかに響く。少しぎこちないが不快感はない。これが今の私たちなのだと思う。むしろ、はかなく脆い。まるで世界の中で居場所を探しているかのようだ。第2楽章アンダンテでは、オーケストラのディアス・イレ（怒りの日）のテーマにピアノが静かに応答し、伴奏する。ウナ・コルダから静かにフェードアウトし第3楽章へ。しかし、華麗な演奏ではなく、ボストンと内田の深淵とも言えるベートーヴェン。水に孤独や不満を注ぎ込んだ時に生じる泡を観察しその活路を見出すような演奏。しかし、事は起こり、消えていく森羅万象。カーネギーホールでの3年に渡る内田光子特集が終わった。後半はショスタコーヴィチ最後の交響曲第15番。死期を悟った作曲家が1971年に書いた最後の交響曲。抽象的な言及もあり、ショスタコーヴィチの溢れんばかりの発想力と創作の勢いを感じる。第1楽章は深夜の玩具屋、第2楽章は哀歌、第3楽章はグロテスクな木管アンサンブル、そして第4楽章はワーグナーのジークフリートの主題による弦楽セレナーデ。主題は断続的に現れ、最後はマーラーの交響曲第1番のような和声の中、チェレスタやスネアドラムといった打楽器、フルートやシロフォンの主題が次々と現れ、呪文を唱えるように幕を閉じる。スターリン体制下のモスクワで創造され続けたショスタコーヴィチのワンダーランドは、デヴィッド・リンチの神秘的な世界に通じる。コンサートを通して、ボストンの印象はリズムや歌唱、音楽ではなく、心の交流、そして現象そのものだった。ネルソンスとボストンが長年培ってきた価値観の共有。新メンバーとベテランの技巧と楽しさは、まさにボストンの真髄だった。

4.23.2025

Boston Symphony Orchestra
Andris Nelsons, Music Director and Conductor
Mitsuko Uchida, Piano

Program

BEETHOVEN Piano Concerto No. 4

SHOSTAKOVICH Symphony No. 15

New and Old faces togeter on Shostakovich’s 15th Symphony on Carnegie Hall

Mitsuko Uchida Carnegie Hall Recital

Mitsuko Uchida had a piano recital at Carnegie Hall on April 9th. The program began with Beethoven's Piano Sonata Op.90. It was published in 1814, four years after his previous work, and was written in his 40s in a slump. It consists of two movements, and Beethoven notes that the first movement is a "battle between the head and the heart," and the second is a "conversation with a lover." The sharp contrast of dynamics at the beginning, which became the axis of her subsequent creations, depicts destruction and creation with deep concentration and a calm tempo. In the second movement, she unfolds various stories with a masterful touch on a theme that appears many times. The following three piano pieces, Op.11 by Schoenberg, are early atonal music written in 1909, in which old and new elements coexist in unresolved tension. Schoenberg said we must pursue a "style in which the necessities of technique and structure are realized without unnecessary expansion, and all elements are functional." Feeling that the traditions and customs of the time did not apply to the people, Schoenberg created a new system and pioneered atonal music. Uchida first introduced this piece to Japan in the 1970s. Uchida delicately weaves in the scales and dynamics that seem to have a theme but go in an unusual direction, and you can feel the infinity and freedom that the romantic sensibility is moving towards modernism. This feeling is 100 years after Beethoven. The second half starts with a piece written by Hungarian Kurtág when his wife of 73 years passed away in 2019. After the chords that overlap in ecstasy as they are played slowly, Schubert's last sonata, D960 Allegro Moderato, begins without pause. From the membrane of sound that evokes the delicate and intimate activities of human beings born from Kurtág, who will be 100 years old next year, Schubert's piano piece was written a few months before his death. The melody was played with a fragile and delicate performance in which colors and shapes emerged gradually. The melody, repeated once more from the beginning, was Uchida's Schubert, full of the usual unadorned wisdom and clarity.

内田光子は4月9日、カーネギーホールでピアノリサイタルを開催した。プログラムはベートーヴェンのピアノソナタ作品90から始まった。前作から4年後の1814年に出版されたこの作品は、40代でスランプに陥っていた時期に書かれた。2楽章構成で、ベートーヴェンは第1楽章を「頭と心の戦い」、第2楽章を「恋人との対話」と表現している。その後、ベートーベンの創作の軸となる冒頭の鋭い強弱の対比は、深い集中力と穏やかなテンポで破壊と創造を描き出す。第2楽章では、幾度となく登場する主題を巧みなタッチで描き出し、様々な物語を展開していく。続くシェーンベルクの3のピアノ曲、作品11は1909年に書かれた初期の無調音楽で、新旧の要素が未解決の緊張感の中で共存している。シェーンベルクは「技術と構造の必然性が不必要な拡張なしに実現され、すべての要素が機能する様式」を追求すべきだと述べている。当時の伝統や慣習が民衆に当てはまらないと感じたシェーンベルクは、新たな体系を創造し、無調音楽の先駆者となった。内田は1970年代にこの曲を初めて日本に紹介した。内田は、主題があるようでいて異様な方向へ向かう音階と強弱を繊細に織り交ぜ、ロマン派の感性がモダニズムへと向かう無限性と自由さを感じさせる。それはベートーヴェンから100年後の感覚だ。後半は、ハンガリー出身のクルタークが2019年に73年間連れ添った妻を亡くした際に書いた作品で始まる。恍惚として重なり合う和音がゆっくりと演奏された後、シューベルト最後のソナタ、D960 アレグロ・モデラートが途切れることなく始まる。来年100歳を迎えるクルターグから生まれた、人間の繊細で親密な営みを想起させる音の膜から、シューベルトが死の数か月前に作曲したピアノ曲が続く。そのメロディーは、色彩と形が徐々に浮かび上がってくる、儚く繊細に奏でられる。そして、冒頭から再び繰り返される演奏は、いつもの飾らない叡智と透明感に満ちた内田のシューベルトだった。

4.9.2025

Mitsuko Uchida, Piano

Program

BEETHOVEN Piano Sonata No. 27 in E Minor, Op. 90

SCHOENBERG Three Piano Pieces, Op. 11

GYÖRGY KURTÁG "Márta ligaturája"

SCHUBERT Piano Sonata in B-flat Major, D. 960

Joana Mallwitz - Metropolitan Opera debut by true globalist comedy

Mozart's opera, Le nozze di Figaro is currently performing at The Metropolitan Opera. The opera depicts the eternal problems embedded in the late 18th century aristocratic society with a profoundly human drama, particularly the arias, which are the various women singing with natural melodies over the layers of Mozart's elegant polyphony. Conductor Joana Mallwitz is a professional in German music. While paying attention to the singers, she added bold accents to the smooth flow, making the Met Orchestra sound dynamic and the solos bloom in an ensemble. In the recitatives, there are the true feelings of the world, and in the next moment, she portrays the heart's voice through music. The audience laughs at the true human story, and even Mallwitz and the Met Orchestra unfold by the beautiful music. The problem is resolved when the Count's wife appears, and the Count apologizes, and the music reaches a coda, bringing tears as you listen to the harmonious Mozart's music. The singers of Figaro, dressed in the music of 1786, a time when the beauty and elegance of the aristocracy was always side by side, are of different nationalities and races. In this world without preconceptions, diversity is side by side. Under Maliwitz, they bring to light the delicate and flawed human figures left by the cosmopolitan of 18th-century Europe with their personalities, vividly depicting love, desire, anger, jealousy, greed, joy, sorrow, shame, and above all, the essential forgiveness.

メトロポリタン歌劇場ではモーツアルトのオペラ、フィガロの結婚が上演されている。18世紀後半の貴族社会に蔓延した永遠の問題を、深い人間ドラマで描き出すこのオペラは、モーツァルトの優雅なポリフォニーに乗せて、様々な女性たちが自然な旋律で歌い上げるアリアが特に印象的だ。モーツアルトのギャラント、優雅なポリフォニーの巧みな音の層に自然なメロディを歌わせる。指揮者のヨアナ・マルヴィッツはドイツ音楽のプロだ。レチタティーヴォでは世間の本音で聴衆を和ませると、次の瞬間、その心の声を音楽で描いてみせる。マルウィッツとメットが繰り広げるモーツアルトの美の数々の合間に心を捉えたストーリー展開に聴衆たちの笑い声は止まらない。それまでの大騒動が妻の登場で伯爵が謝罪し丸く収まるとコーダで音楽がさらに盛り上がり調和の取れたモーツアルトの輝く音楽の世界に涙が溢れる。1786年の貴族たちの美や優雅と常に隣合わせだった時代の音楽を身に纏ったフィガロの出演歌手たちは国籍も人種も違う。この前提の無い世界で多様性となり合わせだ。彼らはマルウィッツの元で18世紀ヨーロッパのコスモポリタンが残した、繊細で欠点を抱えた人間の姿をそれぞれの個性で輝かせ、愛、欲望、怒り、嫉妬、貪欲、喜び、悲しみ、恥、そして何よりも本質的な許しを、生々しい描写で描いている。

Review

Schedule

Program Note on 4.8.2021

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Chochieva's Carnegie Debut

Zlata Chochieva had a debut recital at Carnegie Hall's Weill Recital Hall on April 2nd. The program began with Bach’s Organ work around 1730. The well-maintained sound resonated well in the small recital hall, making it feel like a vast dome. This was followed by a symphonic etude composed by the young Schumann. The piece was interesting for its instability and sudden mood changes, inspired by amateur music. Watching the performance closely, I felt her dedication to music as she practiced repeatedly. This time, the Prometheus Variations were also performed in the middle of the performance, and the pianist's delicate tone and deep expression made the work even more enjoyable on a grander scale. In the next performance, she played two pieces by Brahms, one composed in her later years and the other in her younger years. The deep inner chemistry and adolescence's bold and restless intensity were both enjoyable. In the second half, she played a series of eight preludes selected from Rachmaninoff's preludes, Op. 23 and Op. 32. Compared to the first half, the performance was more relaxed, and the nuances of the atmosphere and color were more clearly conveyed. The performance of Rachmaninoff's Variations on a Theme by Corelli and Mendelssohn was more refined, delicately controlled, and beautifully balanced. For the encore, Rachmaninoff and Villa-Lobos were performed. It was an excellent debut recital.

チョチエヴァ、カーネギーデビュー

ズラータ・チョチエヴァがカーネギーホールのワイル・リサイタルホールで4月2日に公演を行った。プログラムはバッハが1730年ごろに書かれたオルガン曲から始まる。よく保たれた音が小さなリサイタルホールによく響き巨大なドームの様に感じた。そのまま若いシューマンが作曲した交響的練習曲が続けて演奏された。アマチュアの曲に触発されて書いた不安定さと突然の気分の変化が面白い曲だ。じっと演奏を見ていると、普段のピアニストが見えてきた。練習に練習を重ねる彼女の音楽への献身を感じた。今回は途中、プロメテウス変奏曲も加えて演奏されていて、ピアニストの繊細な音色と深い表現に一層大きなスケールで作品を楽しんだ。続くブラームスでは、始めに晩年、そして若いころ作曲した2曲を演奏した。深い内相性と大胆で落ち着きがない思春期の激しさがそれぞれ面白かった。後半はラフマニノフの前奏曲から、作品23と32から選ばれた8つの前奏曲を連続で演奏した。前半と比べ、よりリラックスした演奏で雰囲気や色彩のニュアンスがより伝わってきた。続くラフマニノフのコレルリとメンデルスゾーンの編曲では、その演奏はより洗練され、繊細にコントロールされバランスの取れた美しい演奏を楽しんだ。アンコールにはラフマニノフとビラ・ロボスが演奏された。素晴らしいデビューリサイタルだった。

4.2.2025

Zlata Chochieva, Piano

Program

J. S. BACH Lento from Organ Sonata No. 6 in G Major, BWV 530 (transcr. Bartók)

R. SCHUMANN Symphonic Etudes (with posthumous etudes)

BRAHMS Romance in F Major, Op. 118, No. 5

BRAHMS Scherzo in E-flat Minor, Op. 4

RACHMANINOFF Prelude in D Major, Op. 23, No. 4

RACHMANINOFF Prelude in C Minor, Op. 23, No. 7

RACHMANINOFF Prelude in E-flat Minor, Op. 23, No. 9

RACHMANINOFF Prelude in G-flat Major, Op. 23, No. 10

RACHMANINOFF Prelude in E Major, Op. 32, No. 3

RACHMANINOFF Prelude in G Major, Op. 32, No. 5

RACHMANINOFF Prelude in F Minor, Op. 32, No. 6

RACHMANINOFF Prelude in A Minor, Op. 32, No. 8

RACHMANINOFF Variations on a Theme of Coreli

FELIX MENDELSSOHN Scherzo from A Midsummer Night's Dream (arr. Rachmaninoff)

Encores:

RACHMANINOFF Étude-tableau in A Minor, Op. 39, No. 6

VILLA-LOBOS Valsa da dor

Review

Julia Fischer and Jan Lisiecki's Spring battle in New York

ユリア・フィッシャーとヤン・リシエツキが改装されたデビット・ゲフィンホールで4月1日に演奏会を行った。プログラムノートには2人の言葉が掲載されていて、この2人が既にツアーをおこなっていたことや、プログラムを選んだ経緯が紹介されていた。ベートーベンは2人にとって大切な存在で、シューマンはユリアがヤンに、モーツアルトはヤンのアイディアだと書かれていた。ユリアはモーツァルトからシューマンにかけて、ヴァイオリンとピアノの組み合わせが変化していく様子について、モーツァルトのソナタでは、ピアノが主役で、ベートーベンではほぼ互角で、シューマンではヴァイオリンがソナタをリードしていると説明している。2つのソロ楽器の親密な対話。リシエツキは音楽は演奏中にのみ真に動き出すと語り、モーツァルトの純粋さとシンプルさ、ベートーヴェンの広がり、そしてシューマンの激動を体験すると述べていた。デビット・ゲフィンホールは最近改装されて響きが新しくなった。ステージが客席に囲まれていて聴いている人たちの様子が見え、近くのお客さんの声もよく聴こえ、アコースティックが綿密になったと感じる。1曲目のモーツアルトでは、ヤンが言う純粋さと単純さを楽しんだ。1779年、パリから戻ってザルツブルクで書かれた優雅さと華やかさに富むピアノのスケールとアルペジオの間にバイオリンが絡む2人の卓越した音色を味わった。2楽章のカンタービレでは暖かく豊かなアンサンブルを、3楽章の軽快なロンドのヤンのレンダリングが見事に優雅だった。2曲目のベートーベンは春の愛称でポピュラーなバイオリンソナタだが、ユリアが述べた様に、2つのソロのが互角にアンサンブルを組んでいる。1楽章、前曲のモーツアルトの優雅さを連想させるバイオリンのメロディから始まりアルペジオとスケールが角度を変えて何度も繰り返される。そして続く和音の連打ではユリアのバイオリンが、いろんな方向に響きを届けていて新しいアコースティックを会場のお客さんと楽しんでいるようだった。2楽章の静かでゆったりとした親密さ、3楽章のバイオリンのオフビートが面白い。4楽章、ロンドはテーマをバイオリンとピアノが交互に歌い、合間に別なエピソードが入りその後のテーマの展開していく様子が楽しい。この2人は物凄い個性のぶつかり合いで、お互いが何度も繰り返されるテーマに毎回挑戦している様に聴こえた。後半はシューマンのバイオリンソナタで、シューマンの激情が炸裂する、2人はつかず離れず、いきなり物凄く離れたり、急に寄り添って親密になったり、ドキドキする演奏だ。アンコールの2曲では2人の至芸をゆったりと寛いで楽しんだ。

Most and Cleveland Orchestra's 23rd years fate in Carnegie Hall

Franz Welser-Möst and the Cleveland Orchestra performed at Carnegie Hall on March 19th. Following Beethoven's Symphony No. 5, Janáček's House of the Dead, and Leonore the day before, they played Stravinsky's Petrushka and Tchaikovsky's Symphony No. 5. These are Russian pieces. Petrushka is a marionette known by many names across Europe: Punch in England, Polichinelle in France, Pulcinella in Italy, Kasperle in Germany, and Petrushka in Russia. He is a mischievous man, a rebel, and a wife-beater. He enforces moral justice with a wooden club, speaks in a high-pitched squeal, and argues with the devil. Mösto's sincere passion guides the orchestra as if the fate, the formula, and the subversion are repeated. Then, the Russian marionette is dragged away by a dog, a policeman, or the devil. The 1947 version, in which Stravinsky re-arranged the orchestra, was vivid and delicate. The tempo was calm, and the orchestra played every detail. The piccolo phrasing and the percussion have a tasteful effect. The voices and ensembles that are usually inaudible are played accurately. This is the maestro and Cleveland's masterful performance of 23 years of work. The beauty of the unison, the tremolo's smoothness, the staccato's lightness, and the outstanding solos were played faithfully. You can enjoy the refinement of Cleveland, who brings to life every Petrushka episode in the notes. The tempo and dynamics are straightforward to understand, each instrument understands the work well, and Stravinsky's character depiction and story development are played so well that it makes you laugh. The faces and personalities of the performers are well conveyed in the solos and ensembles. The opening theme has the same pattern as Janacek's previous day, a captured prisoner, a marionette. These keywords come to mind when Mesto's two programs include them. Tchaikovsky wrote his Symphony No. 4 in 1888, ten years after the previous work, at 48. The first sketches included a verbal program depicting the individual's reaction to an unchanging fate, including stages of resignation, defiance, and triumph. In other words, Tchaikovsky was hesitant to acknowledge his homosexuality publicly. Here, too, the common theme of fate appears in different forms, just like Beethoven's Symphony No. 5. A British musicologist points out that this theme is a quote from Glinka's aria, with the lyrics "Do not give yourself over to sorrow." In contrast to Stravinsky, despite the vague theme and the fuzzy personal feelings, this performance is also extremely clear, and the emotions are conveyed directly, showing how the notes depict an inescapable fate. At the beginning of the fate, the clarinet sighs as if dragging each note. As the strings begin Allegro con anima, they move forward slightly, but undoubtedly, and the clarinet and bassoon play in unison. The following pianissimo of the flute was modest and light but could be heard clearly. It is as if he is beginning to accept his fate and confessing his homosexuality. When the theme moves to the strings, the woodwind scales start, but since they are abundant in Stravinsky, they seem incredibly comfortable to play. This is the magic of Most's program. It is as if the members of Cleveland in front are destined to be Cleveland members, and the most essential qualities, such as scales and legato, are fundamental. Cleveland is conscientious and loving, and such tradition and refinement are revived as vivid, delicate, and passionate tones, even the chaotic personal emotions, as if they were just born and performed. Fate is affirmed in the finale with a magnificent orchestration. In Most and Cleveland's two-day program, we experienced the present we live in and the feelings that individuals are heading towards through Beethoven, Janacek, Stravinsky, and Tchaikovsky. The thunderous applause refers to what happens after Most and Cleveland's live in Carnegie Hall..

フランツ・ウェルザー＝メストとクリーブランド管弦楽団が3月19日にカーネギーホールで演奏会を行った。前日のベートーベンの交響曲5番とヤナーチェクの死者の家から、そして、レオノーレの救済から翌日、ストラビンスキーのペトルーシュカとチャイコフスキーの交響曲5番を演奏した。ロシアの作品だ。ペトルーシュカは操り人形でヨーロッパ中でさまざまな名前で知られている。イギリスではパンチ、フランスではポリチネル、イタリアではプルチネッラ、ドイツではカスペルレ、ロシアではペトルーシュカ。いたずら好きで、反逆者で妻を殴る男。彼は木の棍棒で道徳的正義を強制し、甲高い金切り声で話し、悪魔と口論する。メストの真摯な情熱がオーケストラを導き、運命、定型、転覆が繰り返されるかのように。そしてロシアの操り人形は犬か警官か悪魔に引きずり出されてしまう。ストラヴィンスキーがオーケストラを編曲し直した1947年版は鮮やかで繊細だった。テンポは穏やかで、オーケストラは細部まで演奏する。ピッコロのフレージングやパーカッションが味わい深い。普段は聴こえない声やアンサンブルも緻密に演奏される。メストとクリーブランドの23年にわたる努力の結晶ともいえる名演。ユニゾンの美しさ、トレモロの滑らかさ、スタッカートの軽やかさ、忠実に奏でられる卓越したソロたち。音符に込められたペトルーシュカのあらゆるエピソードに命を宿し奏で上げクリーブランドの洗練を味わう。テンポとダイナミクスが非常にわかりやすく、それぞれの楽器が作品をよく理解していて、ストラビンスキーのキャラクター描写とストーリー展開が笑ってしまうくらいよく演奏されているし、ソロやアンサンブルの中で演奏者の顔や性格がよく伝わってくる。冒頭のあるテーマは前日のヤナーチェクのそれと音型が同じで、捕らわれた囚人、操り人形。こういったキーワードがメストの今回の２つのプログラムには含まれてくる。チャイコフスキーの交響曲4番はスランプから抜け出し前作から10年後の1888年に48歳で書いた。そして、最初のスケッチには、不変の運命に直面した個人の反応を描写した言葉によるプログラムが含まれていて、そこには諦め、挑戦、そして勝利の段階が含まれている。つまり、チャイコフスキーは同性愛を公に認めることをためらっている運命の葛藤を卓越した理解と技術で奏でる。ここにもベートーベンの5番同様に共通した運命のテーマが形を変え登場する。イギリスの音楽学者は、このテーマがグリンカのアリアからの引用で「悲しみに身を任せるな」という歌詞のものだと指摘している。ストラビンスキーとは対照でテーマのはっきりしない、もんもんとした個人的な感情にもかかわらず、こちらの演奏も最高に鮮明で、逃れられない運命を音符がどんなに描いているのか、感情がストレートに伝わってくる。運命の冒頭のクラリネットら、音一つ一つを引きずるように奏でる溜息。アレグロ・コン・アニマに入り弦はほんの少しだが確実に歩み始めクラリネットとファゴットのユニゾンが始まる。続くフルートのピアニッシモは控えめで軽やかだがはっきりと聴こえる。まるで自分の運命を受け入れ始め同性愛を告白している様に。主題が弦に移動すると、木管のスケールが始まるが、ストラビンスキーで山ほど出てきたため、演奏が極めて快適。メストのプログラムマジックだ。目の前のクリーブランドのみなさんが演奏家であることが運命だといわんばかりに一番大事な資質であるスケールやレガートなどの基本がクリーブランドは本当に丁寧で愛情があり、そういった伝統と洗練が、その混沌とした個人的な感情さえも、たった今生まれ演奏されているように鮮やかで繊細で情熱に溢れた音色となって甦る。運命はフィナーレで壮大なオーケストレーションで肯定されて終わる。メストとクリーブランドの2日間のプログラムでは、私たちが生きる今と個人が向かう気持ちを、ベートーベン、ヤナーチェク、ストラビンスキー、そしてチャイコフスキーを通じて体験した。割れんばかりの拍手で終わるメストとクリーブランドのカーネギーライブだった。

このリンクからライブ録音が聴けます。Listen live from the link

3.18.2025

The Cleveland Orchestra

Franz Welser-Möst, Music Director and Conductor

Program

STRAVINSKY Pétrouchka (1947 version)

TCHAIKOVSKY Symphony No. 5

Petrouchka Score

Franz Welser-Möst and the Cleveland Orchestra - Fighter for freedom at Carnegie Hall

Franz Welser-Möst and the Cleveland Orchestra performed at Carnegie Hall. The following are Maestro's words on program note:

In the Conductor's Own Words

This program gives us a chance to say something important about our world today. As people fight for freedom everywhere, these pieces tell that same human story. Beethoven's Fifth Symphony shows us the journey from darkness to light. Janácek's From the House of the Dead reveals how human dignity survives even in the most desolate of circumstances. And the Leonore Overture is, to me, simply the greatest music about freedom ever written. These works together create a profound statement that I believe will resonate deeply with our audience in New York.

—Franz Welser-Möst

The 23 years of Möst and Cleveland must have been hardships. The planned cast was canceled, and the concertmaster that was once joined is no longer there. This is fate. Repeating that fate and winning their freedom, Möst and Cleveland's 23rd year New York performance began with Beethoven's Symphony No. 5, known as fate. The concertmaster who appeared on stage was Jan Mráček, the current Czech Philharmonic Orchestra concertmaster, who performed last December at Carnegie Hall. In the 5th Symphony, they repeat the same idea in all directions in search of freedom. As Möst said, Cleveland's performance is a fight for freedom. The second piece was a suite from Janáček's last opera written in Czech, "From the House of the Dead," based on Dostoevsky's novel "Memoirs from the House of the Dead," which describes the horrific four years he spent in a Siberian prison camp. It is a story about a man who changes his mind in a desperate life in prison, survives, and is released. Janacek was interested in the intonation of people's speech, and the Cleveland performance led by Jan, spoke carefully and passionately, and seemed to convey in a unique accent that Most said that human dignity is not something given to you, but something that you earn yourself. It is the Cleveland Orchestra with sincerity. Most said Beethoven's Leonore No. 3 is the best piece written about freedom. This piece is the overture written for Beethoven's opera "Fidelio," which is about a political prisoner's escape but is performed independently. Leonore is a woman who disguises herself as a man to save her lover and continues to deceive her companions for two years to rescue her lover, Frolestan. She is the Statue of Liberty. With the violins charging and others gathering together, this piece sprints toward the coda and depicts universal love, freedom, and courage more boldly than any other piece Beethoven wrote. Thus, Möst, the Cleveland Orchestra, and the audience at Carnegie overcame difficulties and won freedom. The key is to repeat it in your way until you see the light. Beethoven and Janacek have different repeated ways, but they each gained freedom. When Möst appeared on stage, the strength of the audience's loud was utterly different from that of the Muti and Pappano I heard this March. And I, too, have a distinct enthusiasm for Möst and the Cleveland Orchestra than I do for other conductors and orchestras. The sounds and resonances of their performances always touch my heart directly.

フランツ・ウェルザー＝メストとクリーブランド管弦楽団がカーネギーホールで公演を行った。以下はプログラムに掲載されたマエストロの言葉、

指揮者自身の言葉

このプログラムは、今日の世界について重要なことを語る機会を与えてくれます。人々が世界中で自由を求めて闘う中、これらの作品は同じ人間の物語を語ります。ベートーベンの第5交響曲は、暗闇から光への旅を示しています。ヤナーチェクの「死者の家から」は、最も荒涼とした状況でも人間の尊厳がどのように生き残るかを示しています。そして「レオノーレ序曲」は、私にとって、自由について書かれた音楽の中で、まさに最高のものです。これらの作品が一体となって、ニューヨークの聴衆の心に深く響くであろう深いメッセージを生み出します。

—フランツ・ウェルザー＝メスト

メストとクリーブランドの23年は苦労の連続だったに違いない。予定していたキャストはキャンセルし、一度決まったコンサートマスターはもういない。運命だ。その運命を繰り返し自ら自由を勝ち取るメストとクリーブランドの23年目のニューヨーク公演はベートーベンの交響曲5番から始まった。運命だ。ステージに登場したコンサートマスターは、12月にチェコ・フィルハーモニー管弦楽団の公演でコンサートマスターを務めたヤン・ムラチェクだった。彼らは自由を求めて同じアイディアをあらゆる方向に何度も繰り返す。メストの言葉通りクリーブランドの演奏は自由を求める戦いだ。2曲目はドストエフスキーがシベリアの収容所で過ごした恐ろしい4年間について書いた小説『死者の家の回想録』をもとに、ヤナーチェクがチェコ語で書いた最後のオペラ『死者の家から』からの組曲。刑務所の絶望的な暮らしの中で、一人の人間が考えを変えて生き残り釈放される話だ。ヤナーチェクは人々の話言葉の抑揚に興味があったそうで、チェコ・フィルのコンサートマスターのヤンがリードするクリーブランドの演奏が丁寧に熱心に語り掛け、メストの言う人の尊厳とは与えられた物ではなく自分で獲得するものだと、その地方独特のなまりで伝えているようだった。真心のクリーブランドオーケストラだ。3曲目のベートーベンのレオノーレ3番をメストは自由について書かれた最高のものという。この曲はベートーベンの政治犯脱獄オペラ「フィデリオ」のために書かれた序曲だが単独で演奏される。レオノーレとは恋人を助けるために男性に変奏して2年、仲間をだまし続けて恋人のフロレスタンを救出する女性である。自由の女神だ。バイオリンの突進と他の弦楽器が集まってコーダに向かって猛スピードで疾走するこの曲はベートーヴェンが書いたどの曲よりも大胆に普遍の愛と自由と勇気を描いていた。こうして、メストとクリーブランド管弦楽団、そしてカーネギーの聴衆は困難を乗り越え自由を勝ち取った。ポイントは光が見えるまで自分の方法で繰り返すことだ。ベートーベンとヤナーチェクは繰り返す方法は違うがそれぞれの方法で自由を手に入れている。とにかく、メストがステージ現れると聴衆のものすごい歓声。歓声の力強さはこの3月に聴いたムーティやパッパーノとは全く違う力強さだ。そして、私もメストとクリーブランド管弦楽団に他の指揮者やオーケストラと違う熱意を持っている。彼らの演奏はいつも音や響きが心に直接ささる。

3.18.2025

The Cleveland Orchestra

Franz Welser-Möst, Music Director and Conductor

Program

BEETHOVEN Symphony No. 5

JANÁČEK Suite from From the House of the Dead (arr. Jílek)

BEETHOVEN Leonore Overture No. 3

Review

Londonian's Sparkle with Pappano on Carnegie Hall

ロンドン交響楽団と首席指揮者のアントニオ・パッパーノは3月6日にカーネギーホールで、ラフマニノフのピアノ協奏曲とウォルトンの交響曲１番を演奏した。ラフマニノフのピアノ協奏曲はソロにオーケストレーションが充実していて、ソロ楽器のインスピレーションが詰まっている。作品の冒頭で情熱的なメロディーの流れ、物思いにふける木管楽器のソロと激しいカデンツァの後の緩徐楽章での優雅な旋律、そして神秘的な行進で始まり、作品全体のカタルシスのように感じられる壮大なクライマックスに向かって徐々に盛り上がっていくフィナーレなどなど。多くの魔法のようなディテールの中には、第1楽章の再現部で揺らめく弦楽器の音に遠くから響くホルンのメロディー（ラフマニノフの最も崇高な瞬間の 1 つ）、緩徐楽章のフルートとクラリネットのソロ、そして終楽章で延々と引用される第2主題に続く息もつかせぬペダルポイントなどソリストとアンサンブルのシームレスな融合。後半のウォルトンの交響曲１番は1930年台に書かれた。静かなホルン、弦楽器、オーボエが、落ち着きのないリズムと反復するオスティナートを微妙に作り出し、次々と衝撃的なクライマックスへと揺れ動く。不協和音は猛烈で最後には長調に解放される。ほぼシベリウス。この曲はアメリカではほぼ演奏されないそうなので、どの演奏会でもブラームスばかりのニューヨークの演奏会では非常にありがたい。ロンドンとパッパーノは新しい音の印象、卓越した演奏、新鮮なプログラムで2回のニューヨーク公演を楽しませてくれた。パーセルやヘンデルなど、イギリスにゆかりあるバロックと新曲やベートーベンなどシンプルだが奥が深い作品で、この指揮者とオーケストラの演奏を心から味わってみたい。

3.6.2025

London Symphony Orchestra

Sir Antonio Pappano, Chief Conductor

Yunchan Lim, Piano

Program

RACHMANINOFF Piano Concerto No. 2

WALTON Symphony No. 1

Encores:

LISZT "Sonetto del Petrarca No. 104" from Années de pèlerinage, deuxième année: Italie, No. 5 (Yunchan Lim)

SIBELIUS Valse triste

Eivind Ringstad, Principal Viola

Rebecca Gilliver, Principal Cello

パッパーノは全員引き立てる。珍しい曲でも最後まで興味が失われない。

London Symphony and Antonio Pappano at Carnegie Hall

洗練されたダイナミクス、巧みなアンサンブル、卓越した首席奏者たち。アントニオ・パッパーノとロンドン交響楽団が3月5日にカーネギーで演奏会を行った。ロンドンのロイヤルオペラの監督を長く務めた後、パッパーノは2024年にロンドン交響楽団の監督となり、初のUSツアーの最後にカーネギーを訪れた。ニューヨーク・タイムスの記事には、彼がニューヨーク・シティオペラで働いていた当時のエピソードから「オペラやミュージカルではタイミングがすべてであることを悟った。ジョークはうまく伝わる必要があり、アクセントのある音節は正確でなければならず、ショーの成否は指揮者と監督の関係にかかっていた。」とあったが、ダイナミクスとアンサンブルが洗練されていて彼の言っていることは本当だった。イタリア移民でイギリスに生まれ、13歳でコネチカットに移住。声楽教師の父親と一緒にボーカルトレーナーとして働き近所の人からピアノを教わったそうだ。ということで彼は学校に行っていない。マンハッタンでリハーサルピアニストとして経験を積み、ダニエル・バレンボイムのアシスタントを務め、チャールズ3世の戴冠式で指揮をとり、イギリスとイタリアでナイトの称号を授与され、65歳となった今、ロンドン交響楽団の音楽監督となり、聴いた印象ではアメリカとドイツ系の音色やアンサンブルではない、ロンドン独特の個性を持った世界のオーケストラと肩を並べる面白さだった。ニューヨークでは一昨年にメトロポリタン歌劇場でマイスタージンガーとジュリアード音楽院でラフマニノフを聴いたが、ロンドン交響楽団の演奏の印象は特別だった。まず、音色がドイツやアメリカのオーケストラと全く違う。各首席のうまさも全く違う。なのに全体のバランスは統一感があり、アーティキュレーションもダイナミクスも鮮明で、ソロも個性が際立つ。プレイとしても作品としても味わい深く新たな感覚を知ることが出来、自分の記憶を上塗りすることなく充実した時間だった。就任1年でこの見事な演奏は、指揮者とオーケストラの関係では私の経験ではとても珍しい。一曲目のウォルカーのシンフォニア5番は作曲家の最後の作品で死後に2019年に初演されている。ナディア・ブーランシェに師事したそうだが途中でメシアンのようなコードが聴こえてきた。２曲目のバーンスタインのセレナーデではプラトンの饗宴から、パッサニウス、アリストパネス、エリクシュマトス、アガトン、ソクラテスと5つのエピソードでソロバイオリンとオーケストラが競演するが、それぞれのエピソードでは、ソロバイオリンと首席奏者たちのミニセッションがあり、彼らの個性をよく知ることができた。特にチェロとビオラの演奏が素晴らしかったし、コンサートマスターとセカンドバイオリンの首席の音色が世界のオーケストラの首席を凌ぐ美しさと演奏のうまさがあった。マーラーの交響曲1番ではそういった彼らの卓越した音楽性と実力がパッパーノの並外れたバランス感覚で遺憾なく発揮され、最近聴いたマーラー演奏の中でも特に面白かった。3楽章の出だしのコントラバスのソロが、いままで聴いたどんなソロよりも調子が外れていて、私のマーラーの印象がゼロに戻った気がするくらい面白かった。マーラー直後に感じたのは、この最高にチューンナップされたロンドンシンフォニーでベートーベンを味わってみたいと感じた。アメリカとドイツ系のオケには逆立ちしても出来ない面白さを見せてくれそう。ラトルにも無理な。

3.5.2025

Performers

London Symphony Orchestra

Sir Antonio Pappano, Chief Conductor

Janine Jansen, Violin

Program

G. WALKER Sinfonia No. 5, "Visions"

BERNSTEIN Serenade (after Plato's Symposium)

G. MAHLER Symphony No. 1

My Life in Music

byAntonio Pappano

セカンドバイオリンは特にうまい。こんなうまいセカンドセクション他にあるのか。

パッパーノとUSツアーの最後にカーネギーを訪れたロンドンのプリンシパルたち

マーラー１番直後。このチェロの女性の方がエルガーの協奏曲をやるのが見たかった。そのくらいうまかった。

Globe: Muti and Vienna unified us at Carnegie by Mozart and Dvorak last Symphonies

Vienna Philharmonic and Muti's Carnegie Hall concert, the 3rd day began with Mozart's last symphony, K511, written in the same C as Schubert the previous day. The first movement has bold suspensions (rests) like Baroque works. Muti plays everything in tempo. Every repetition is repeated. The flute and oboe's unison shined, the strings' graceful melody line, and the tutti in the second theme let us feel the cheerful Italian mood. Their Mozart had a grander scale than the Bruckner on the first day, even though fewer people performed. The second movement, Cantabile. The trembling gentleness of the muted (con sordini) strings. I felt the delicate vibration of the vibrato behind the melody played by Honeck in front of me. I saw the true nature of Vienna, which plays a unique style that is different from other orchestras. It was spun out as a golden tone from the strings' vibration, which were as smooth as flour. In a New York Times review, Zachary Wolf wrote about the final movement's fugue, "He and the Philharmonic had provided a more moving vision of an ideal society, during the great fugue in the finale of the “Jupiter” Symphony. As each section enters, its fragility feels protected by the others. The ensemble builds and builds, coalescing into the sound of many different voices speaking at once: none drowned, the whole robust and free." The empathy that comes from the fact that Muti and the Vienna Philharmonic have continued to play by their best ability from the very first day, even it is difficult—the powerful, vital, graceful, hearty, and brilliant sound. Mozart's music was born from the fusion of local customs that arose during the Euro-globalization in the 18th and 19th centuries, and the Vienna Philharmonic was also founded in the 1840s. The Carnegie audience had different nationalities in each seat, even in the same row. And they were enveloped in the grandeur of Mozart, comparable to Bruckner and Mahler, born from the sympathy of the assertive Vienna. This is global. We experienced the true globalization they have achieved by coming to America every year. The second half was Dvorak's last symphony. I couldn't forget the grandeur of Jupiter until the end of the first movement, but when the English horn chorale in the second movement ended and the string tremolo began, I had no choice but to surrender to the world that emerged in my mind. The last two bars of the second movement were “Molto Adagio” that only Muti could do. I heard the audience behind me whisper that they "can't stand" the extreme suspense. The New World was written by Czech Dvorak in New York in 1892. Now, 25 years after coming to America, as a member of the Carnegie audience, I empathized with the American spirit played by the Italian maestro and Vienna Orchestra. I have never been interested in knowing the inside of their hearts, but for the first time, I could immerse myself in America's roots. The story that dwells in the sound they play, the hearts of the audience, Vienna, and Muti overlapped for a few minutes. Carnegie was silent. In this way, the souls that people have connected, the familiar voice that sleeps in our hearts of humanity worldwide, are recalled by Muti and Wiener Philharmoniker.

ウィーン・フィルとムーティのカーネギー公演の3日目は前日のシューベルトと同じCで書かれたモーツアルト最後の交響曲K511で始まった。1楽章はバロック作品のような大胆なサスペンション（休符）を伴う。ムーティは全部インテンポ。繰り返しは全部繰り返す。フルートとオーボエのユニゾンが輝く。弦楽器の優雅なメロディライン。第二テーマのバイオリンのトゥッティはイタリアの陽気な歌心を含んでいる。クラシック音楽の中でモーツアルトを聴くことは多いが、初日のブルックナーよりも実際に演奏する人の数は少ないのにより壮大なスケールだった。2楽章のカンタービレ。ミュートがかかった（con sordini）弦楽器の震えるようなやさしさ。目の前のホーネックが奏でるメロディの奥のビブラートのきめ細かな振動を感じてしまった。他のオーケストラと違う独特の演奏をするウィーンの正体を見てしまった。それは小麦粉の様にサラサラした弦が擦れる振動が黄金の音色となって紡ぎだされていた。終楽章のフーガについてニューヨークタイムスのレビューでザッカリー・ウルフはこう書いた、「大フーガで、理想の社会のより感動的なビジョンを披露していた。各セクションが始まると、その脆さは他のセクションによって守られているように感じる。アンサンブルはどんどん盛り上がり、一度に多くの異なる声が語りかける音に融合する。どれもかき消されることなく、全体が力強く自由である。」

”He and the Philharmonic had provided a more moving vision of an ideal society, during the great fugue in the finale of the “Jupiter” Symphony. As each section enters, its fragility feels protected by the others. The ensemble builds and builds, coalescing into the sound of many different voices speaking at once: none drowned, the whole robust and free.”

ムーティとウィーンフィルが初日からずっと続けている、大変でも自分を曲げず全力で演奏した結果から生じる共感。その力強く生命力が漲る優雅で心のこもった輝かしい響き。18、19世紀のユーロ国際化の中で生まれた、それぞれの地方独特の風俗の融合からモーツアルトの音楽は生まれ、ウィーン・フィルも1840年台に発足。カーネギーの聴衆は同じ列でも席毎に国籍が違う。そして、主張が激しいウィーンの共感から生まれたブルックナーやマーラーに匹敵する壮大なモーツアルトに包まれる。これがグローバル。彼らが毎年アメリカにやってきて実現してきた真のグローバリゼーションを体験していた。後半はドボルザークの最後の交響曲。第1楽章が終わるまでジュピターの壮大さが忘れられなかったが、第2楽章のイングリッシュホルンのコラールが終わり、弦楽器のトレモロが始まると、脳裏に浮かび上がる世界に身を委ねるしかなかった。第2楽章の最後の2小節はモルト・アダージョ。ムーティにしかできない最後の2小節だった。極度の緊張感に、後ろの観客から「耐えられない」というささやきが聞こえた。『新世界』はチェコのドヴォルザークが1892年にニューヨークで作曲した。渡米して25年経った今、カーネギーの観客の一員として、イタリアの巨匠とウィーン管弦楽団が奏でるアメリカ精神に共感した。これまで彼らの心の内を知ることに興味はなかったが、初めてアメリカのルーツに浸ることができた。彼らが奏でる音に宿る物語、観客とウィーン、そしてムーティの心が数分間重なり合った。カーネギーは沈黙した。こうして、人と人が繋がってきた魂、世界中の人類の心に眠る馴染み深い声がムーティとウィーン・フィルハーモニー管弦楽団によって呼び起こされる。

3.2.2025

Mozart – Symphony No.41 in C major, K.551, ‘Jupiter’

Allegro vivace

Andante cantabile

Menuetto: Allegretto – Trio

Molto allegro

Dvořák – Symphony No.9 in E minor, Op.95, ‘From the New World’

Adagio - Allegro molto, 2

Largo

Scherzo: Molto vivace – Poco sostenuto

Finale: Allegro con fuoco

Encore: Johann Strauss II – Overture to Der Zigeunerbaron

Wiener’s principals and Muti

2 of the Last works by Muti. He must come back in anyhow.

Muti brings out the best in Venna at Carnegie Hall

Riccardo Muti and the Vienna Philharmonic had the second of an annual three-day concert series at Carnegie Hall on March 1. The 83-year-old Italian maestro has been introducing pieces in his country. Saturday night also started with Alfredo Catalani's Contemplazione. Vienna played the gentle yet passionate melody in a warm and clear tone. The following piece was Stravinsky's Divertimento, a set of four suites based on Hans Christian Andersen's fairy tale "The Ice Maiden," revised in 1949. The clarinet and flute played a Tchaikovsky-esque fairy tale melody from the beginning, but Stravinsky's modern rhythms were halfway through. In the Swiss Dance, Petrushka's brass ostinato can be heard. In the final pas de deux, the extended solos for the cello, harp, and clarinet were beautiful and impressive. In the first two pieces, string and wind solos were enjoyed. The last symphony of Schubert, D944, in the second half takes more than an hour if all sections are repeated at Muti's tempo. There are substantial solos for the oboe and horn at the beginning. Muti's relaxed tempo proceeds steadily, rather than focusing on sound pressure or momentum, to bring out the overall flow and the tone of each person on stage. I hear the poetry unique to Muti and Vienna that I felt in the 4th Symphony the day before. The beats and counter movements of the cello and double bass gave a sense of scientific interaction of sounds such as key and position rather than thrill and suspense.

I have never experienced the tone and feel of the bass before. It is more like watching the phenomenon called "Schubert" than a performance. Danailova and Honeck were lined up, each giving a passionate bowing. Principals: cello, Tamas Varga, viola, Tobias Lea, and second violin, Lucas Takeshi Stratmann, the first circle of Vienna has the same members as on the first day. Each statement was transformed into clockwork under Muti's tact, and they showed us Schubert, which only Vienna has. The old lady, who had been sleeping and snoring throughout the Schubert, woke up and gave them Bravi when Muti rejoined the Viennese circle during the curtain call. It was a fantastic night.

リッカルド・ムーティとウィーン・フィルは3月1日にニューヨークのカーネギーホールで恒例の3回公演の2回目を行った。83歳のイタリアの巨匠は、これまでに母国の珍しい曲を紹介してきたが、土曜の夜はアルフレード・カタラニのコンテンプラツィオーネの静寂から始まった。優しくも情熱的な旋律をウィーンは暖かく透き通る音色で奏でる。次のストラビンスキーのディベルティメントは、アンデルセンの童話「氷の乙女」に基づいた4つの組曲で1949年に改訂されている。冒頭からクラリネットやフルートがチャイコフスキー風のメルヘンな旋律を奏でるが、途中からストラビンスキーのモダンなリズムが聴こえ、スイス舞曲ではペトルーシュカの金管楽器のオスティナートが聴こえる。最後のパ・ド・ドゥではチェロとハープ、クラリネットの長いソロが美しく印象的だった。前半の2曲では弦楽器や管楽器のソロを楽しんだ。後半のシューベルトの最後の交響曲D944はムーティのテンポで全て繰り返すと1時間以上かかる。始めにオーボエとホルンの充実したソロがある。ムーティのゆったりとしたテンポは、音圧や勢いを重視するのではなく、全体の流れと舞台上の各人の音色を引き出すように着実に進んでいく。前日の交響曲第4番で感じた、ムーティとウィーンならではの詩情が聴こえてくる。チェロとコントラバスの拍子や反動は、スリルやサスペンスというよりも、調性や位置など音の科学的な相互作用を感じさせた。ベースの音色と感触はこれまでに体験したことがない。演奏というよりはシューベルトという現象を眺めているに近い。目の前にはダナイロバとホーネックが並んでいて、それぞれが熱演を繰り広げる。首席チェロ、タマーシュ・ヴァルガ、ビオラ、トビアス・レア、第2ヴァイオリン、ルーカス・タケシ・ストラットマンら首席が初日と同じ。ムーティのタクトでそれぞれの主張が時計仕掛けに変わり、ウィーンならではのシューベルトを披露してくれた。シューベルト中、ぐっすりいびきをかいて眠っていたおばちゃんは起きだし、カーテンコールでムーティが再びウィーンの輪の中に加わると、慣れた調子でブラヴィとコールを送っていた。最高の夜だった。

3.1.2025

Vienna Philharmonic

Riccardo Muti, Conductor

Program

CATALANI Contemplazione

STRAVINSKY Le baiser de la fée

Sinfonia

Danses suisses

Scherzo (Au moulin)

Pas de deux

Adagio

Variation

Coda

SCHUBERT Symphony in C Major, "Great"

I have never felt the base tone on Schubert's any Symphony, Muti and Wiener base produced

Winer Principals Lined Up on Carnegie Stage

Assertion, Sympathy, and Harmony: Riccardo Muti and Vienna Philharmonic at Carnegie Hall

Muti, an 83-year-old Italian maestro who first performed with the Vienna Philharmonic in 1971 when he was 30. Since then, they have session every year. At that time, some still had experience performing under the baton of Walter, Mengelberg, and Toscanini. Their pursuit of music for over 50 years is extraordinary, and I was moved by how they performed with all their might even in the difficult situations. They don't care if they can play that part of the song well. Each plays the moment with such heart, and power. Even if someone is fast or slow, you don't follow them if that's what you think. Muti always showed his direction with a smile. When the violins began to play the melody in Schubert's Symphony No. 4, Muti made them lyrical sing. Each member played a solo-like ensemble in the second and third movements, with sometimes with different tones. Still, when that part was repeated, it became a harmonious and swell, and released a powerful and vital charm that cannot be described in words. They have no rule to follow someone, and because everyone repeats their opinions, they have empathy, and everything there blends. The charming exchange between the clarinet and violin, and the viola and second violin played chromatic notes in 4th mov. Even though they knew they liked each other, it was bittersweet.19-year-old Schubert's spirit, overflowing from the 50-year relationship between Vienna and Muti, was recalled, which was the DNA of the orchestra. With Bruckner in the second half, a rural landscape lasted over 60 minutes—a magnificent tremolo at the end of the movement. The golden wings of the strings sometimes fluttered slowly, and sometimes they misread the wind and didn't flutter properly, but Muti sometimes showed them the way with big gestures. After the work, Muti stood in the Vienna Philharmonic circle amid the audience's applause and looked happy.

リッカルド・ムーティとウィーン・フィルハーモニー管弦楽団がカーネギーホールで演奏会を行った。ウィーン・フィルは毎年別な指揮者とニューヨークのカーネギーに2月から3月の週末、3回別のプログラムで演奏会を行う。今年はムーティと公演を行った。83歳のイタリアの巨匠がウィーンと初めて演奏会を行ったのが1971年で30歳だったそうだ。そこから毎年、ウィーン・フィルと演奏会を行っているそうだ。当時はまだワルターやメンゲルベルク、トスカニーニの指揮で演奏経験がある団員が残っていて、ムーティは楽員をそれぞれプロフェッサーと呼んでいたそうだが今では下の名前で呼ぶそうだ。彼らの50年以上に及ぶ音楽の追求は並ではなく、どんな大変な状況でも全力の演奏を披露する姿に胸を打たれた。曲のその部分がうまく演奏できても出来なくても気にしない。彼らは一人ひとりが誠実で心が籠っていて力強くその時の音楽を奏でる。誰かが早かったり遅かったりしても自分がそう思うならついていかない。そんなウィーンをムーティはいつも満面の笑顔で方向を示していた。シューベルトの交響曲4番の1楽章でバイオリンがメロディを奏で始めると、ムーティは歌心に溢れた指揮でバイオリンをうたわせる。続く2、3楽章でも一人ひとりがソロのような合奏で全員違う音色が響くときもあれば、特にその部分が繰り返されると、調和のとれたハーモニーやうねりとなって言葉に出来ない力強く生命力に溢れた魅力を放つ。彼らに誰かに従うという規律は無く、全員が主張を繰り返した結果、共感が生まれそこにいる全てが溶け合った音楽の生命が生まれる。4楽章ではクラリネットとバイオリンのチャーミングな掛け合いがあり、ビオラと第二バイオリンの半音階の刻みが独特の雰囲気を生む。お互い好きだってわかっていてもなかなか言えない。そういった甘酸っぱい何かだ。ウィーンとムーティの50年に渡る関係から溢れる19歳のシューベルトの精神世界はそのオーケストラに備わったDNAを指揮者が呼び戻すものだった。先日のコペンハーゲンのバロックオーケストラでは歴史って何？と問いたくなる時間の概念を超えた体験だったが、ウィーンの場合は演奏って何？と問いたくなるメロディ、共鳴するハーモニーはシューベルトの精神を映像で見ているような気分になる。後半のブルックナーでも同じだ。60分を超える田舎のランドスケープ。楽章の最後にやってくる壮大なトレモロ。弦楽器の黄金の羽がゆっくり羽ばたくこともあれば風を読み違えたのか、うまく羽ばたかない部分もあるが、ムーティは時に大きなジェスチャーで彼らに道を示していく。曲を終え聴衆の喝采の中、ムーティはウィーン・フィルの輪の中に立ち本当にうれしそうだった。ウィーンはどんな指揮者が振っても、ニューヨークの1日目に洗練や厳密な演奏などありえない。彼らの登場、それぞれの個性がさく裂し混沌からいつのまにか溶け合い音楽が呼吸をはじめる。演奏会とはそういう物で誰か勝手に感じた何かを上手に仕込んで披露する代物ではない。物質の豊かさの代償に金儲けにアドレナリンが溢れる30台カップルには当然伝わらず、端っこで迫力や音色を楽しめばいいのに、真ん中に座っても何も聴こえず、どうしていいかわからない。手に持ったプログラムは同じページで、そのうち携帯電話を手に取ったりヒソヒソ話を始める。ブルックナーの1楽章が終わって気が緩んだのか、プログラムを見るとまだしばらく続くとわかり、今度は顔をしかめ、水のボトルの蓋を捻ると、プシュッと音が出てしまい慌てていた。彼らはクラシック音楽の演奏会で音を立てることが恥ずかしい行為だと思っているし、わからないことを素直に認めず見栄を張る。退屈なら我慢しないで途中で帰ればいいのに、見栄を張るので最後まで居座り続け、しまいには周りを天国から地獄のひと時に引きずりこむ。演奏会は人の心を裸にする。

2.28.2025

Vienna Philharmonic

Riccardo Muti, Conductor

Program

SCHUBERT Symphony No. 4, "Tragic"

BRUCKNER Symphony No. 7

Scandinavian Trouvères, Concerto Copenhagen and Lars Ulrik Mortensen's DNA

Scandinavian trouvères came to New York with a piece that had never been heard before on February 25 at Zankel Hall, Carnegie Hall. Concerto Copenhagen, a baroque ensemble that has been transmitting living ensemble for over 30 years, and its music director Lars Ulrik Mortensen performed Muffat's Armonico Tribute, a fusion of German, French and Italian music for the hope of harmony and peace among people, and Handel and Bach, which were influenced by, as if it were freshly baked bread. It was a joyful and sorrowful thing that arose in people's lives, so much so that it made one ask, "What is history?" The program began with Muffat's Armonico Tribute, published in 1682, who was born in France and loved Germany. The customs of the time are beautifully harmonized (armonico) across borders. It begins with Grave, the sounds slowly overlap with suspensions as Muffat explores all directions, then proceeds from the German dance, Allemande to the Grave, Chaos again with a sense of tension, and after other dances played, ending with a minuet. Next Handel's Allegro and Passacaglia, published in 1734, had a shorter suspension than Muffat and a fuller string ensemble and melody line. The Passacaglia sounded like a variation of Muffat's Allemande. Through a German musician,

Handel, I felt the international sensibility that Muffat experienced at the time, the fusion of Italian lyricism and French elegance. Then, Bach's Orchestral Suite No. 1, which was written in the early 1700s, when he wrote many instrumental pieces, consists of seven sections, just like Muffat's Armonico No. 1. Seven players surround the harpsichord. It was the most miniature unit I have ever seen, but the wild oboes and the concerto with the strings were row like a breakdance battle. The gavotta was more thrilling, and the oboe duet with the bassoon obbligato in Gavotta II was incredibly full of stories, the smell of people, the smiles, the flesh dancing that I felt as music is a small pleasure rooted in people's lives, and I wanted to drink beer. "Music must be captivating through the dynamics that take place here now," Mortensen said, and the players empathized with his gestures, unfolding the music freely and lively. Muffat's No. 2 has nine sections, the opening Grave was more complex than No. 1, and the suspension was more dynamic with a fermata (Italian for bus stop). In the fast passages, each instrument plays together with a mellow legato with tenuto, and from various dance music to an aria that imitates human singing. In No. 2, the Grave was played 4 times. I enjoyed the Copenhagen sound the most there, then realized Muffatto's application of the medieval church mode (Gregorian mode). This idea of ​​a fixed scale is called a series and has been used extensively in the 20th century to eliminate the hierarchy of sound. The last piece, No. 5, began with an allemande, that reminded me of Bach's overture opening that had just been heard. Their quiet nobility of the embellishment, spontaneous and unselfish ensemble, arose a sense of the European internationalization towards the height of the Baroque era, and Mortensen's intuition that it is best to stick to what you truly believe in, and his empathy with the Copenhagen players were imprinted on the listeners ' DNA.

北欧のトルヴェールがニューヨークにやって来て、2月25日、カーネギーホールのザンケルホールでこれまで聴いたことのない作品を披露した。30年以上活きた音楽を伝え続けているバロックアンサンブル、コンチェルト・コペンハーゲンと音楽監督のラース・ウルリク・モーテンセンはムファットが人々の調和と平和の希望のため、ドイツ、フランス、イタリア音楽を融合したアルモニコ・トリビュートとその影響を受けたヘンデルとバッハをまるで焼き立てのパンのように奏でた。それは歴史って何？と問いたいくらい人々の生活に根差した人間の内側から生まれる喜怒哀楽を楽しく演奏していた。プログラムはフランス生まれでドイツが大好きだったムファットの1682年に出版されたアルモニコ・トリビュートから始まった。当時の風俗が国境を越え見事に調和（アルモニコ）活きた音楽。それはグラーベから始まり、ムファットがあらゆる方向を模索するようにサスペンションを伴いゆっくりと音が重なっていく。そして、ドイツ舞曲、アレマンドから再びグラーベの混沌へ独特の緊張感をもって進み、他の舞曲も演奏され1分ほどのメヌエットで終わる。次は1734年に出版されたヘンデルのアレグロとパッサカリで、ムファットよりもサスペンションが短く弦楽合奏やメロディラインはより充実している。パッサカリはムファットのアレマンドの変奏に聴こえた。当時、ムファットが体験した国際感覚、イタリアのリリシズムとフランスの優雅なハーモニーの融合をドイツ人のヘンデルを通じて感じた。そして、バッハが器楽曲を多く書いていた1700年初頭のものとされている管弦楽組曲の1番。ムファットのアルモニコの1番同様7セクションから成る。ハープシコードの周りを7人の奏者が囲む。今まで見た編成で一番小さいがオーボエのワイルドな掛け合いと弦楽器との協奏はまるでブレイクダンスのバトルのような生々しい演奏だった。ガボットはよりスリルがあり、ガボットIIのファゴットのオブリガートが付いたオーボエのデュエットは特にストーリーに溢れていて、人の匂い、笑顔、肉が踊る躍動。音楽が人々の生活に根差したささやかな楽しみだと感じビールが飲みたくなった。「音楽は今ここで行われるダイナミクスを通じて魅了されなければならない」と語るモーテンセンの身振りに奏者たちは共感し自由奔放に活きた音楽を繰り広げていく。ムファットの2番は9つのセクションで、冒頭のグラーベは1番より複雑な音色がじっくり加わりサスペンションはフェルマータ（イタリア語でバス停、立ち止まる）でよりダイナミック。早いパッセージはテヌートの効いたまろやかなレガートでそれそれの楽器が協奏し、さまざまなダンス音楽から人の歌唱を模倣したアリアへ。この2番ではグラーベが4回演奏されコペンハーゲン独特の音色を楽しんだ。そして、これはムファットが中世の教会旋法（gregorian mode）を応用したものと気が付いた。この定旋律のアイディアはセリー（série）と呼ばれ20世紀に音のハイラルキーを排除するためよく用いられている。最後の5番はアレマンドで始まり、先ほど演奏されたバッハのオーバーチュアの冒頭が聴こえてきた。コペンハーゲンの静かな装飾の気高さ、自発的で利他的なアンサンブルは、バロック時代の絶頂期に向かうヨーロッパの国際化の感覚を呼び起こし、自分が本当に信じるものを貫くのが最善であるというモーテンセンの直感、そしてコペンハーゲン奏者への共感は聴き手のDNAに刻み込まれた。

2.25.2025

Concerto Copenhagen

Lars Ulrik Mortensen, Artistic Director and Harpsichord

Program

MUFFAT Sonata for Strings and Basso Continuo No. 1 in D Major from Armonico tributo

HANDEL Selections from Concerto in G Major, HWV 399

J. S. BACH Orchestral Suite No. 1

MUFFAT Sonata for Strings and Basso Continuo No. 2 in G Minor from Armonico tributo

MUFFAT Sonata for Strings and Basso Continuo No. 5 in G Major from Armonico tribute

Bach’s Overture setting

Muffat’s Armonico Toribute setting

Frei aber froh, Marlboro Musicians at Weill Recital Hall

Frei aber froh, Marlboro Musicians at New York on 2.21.2025. Young and veteran who participated in the Chamber Music Festival in Summer Marlboro, Vermont, held a recital at Weill Recital Hall in Carnegie Hall. The opening piece, Schumann's Fairy Tale, written in 1853, the year before Schumann attempted suicide due to mental disorders, features the clarinet's warm, gentle staccato and breeze-like trills, the viola sounds like insects calling, and the piano's tone is like a fortepiano like Marlboro's pastoral. Kurtág's Homage to Schumann (1990), depicts the two personalities of Schumann, Eusebius, and Florestan, who were schizophrenic, and the same piano, viola, and clarinet trio performed an entirely different that connected irregularly with vague legato. It's like gazing silently at the sunlight streaming in through the window reflected on the wall. Suddenly, a loud commotion overturns the things carefully arranged on the table. Schumann's Florestan. Lips trembling, intense excitement. A stunning space art of inorganic and delicate sound for just under 10 minutes. Nothing crossed my mind. I enjoyed the distorted and instinctive sound space in the steady piano tempo. In Schumann's String Quartet No. 2, four different musicians played. In the first movement, two violins exchanged one theme, and an enchanting andante, an athletic scherzo, and a bouncy dance continued. The last piece was a clarinet quintet by Brahms, 50 years after Schumann's string quartet. It consists of five movements and lasts for 30 minutes. The first violin, Maria Ioudenitch's deep lyricism on a fresh and large scale, like a mountain stream flowing down the slope. Her muted voice on Adagio, reminded Tchaikovsky's concerto. I checked her schedule and then found Tchaikovsky's concerto on her agenda. Through rich and fresh performances, I felt her Russian blood's deep and rich musicality and pure vitality. They saw possibilities, new beginnings, and connections, cultivated perspectives across ages and ethnicities, and freely pursued and conveyed what they found most meaningful and beautiful in music.

バーモント州の田舎町、マルボロで7月から8月に開催される室内音楽祭に参加した若いプロフェッショナルとベテランの音楽家がカーネギーホールにあるワイル・リサイタルホールで2月21日に演奏会を行った。冒頭のシューマンのおとぎ話では、ほのぼのとしたクラリネットの柔らかなスタッカート、そよ風のトリル。ビオラの刻みは虫の鳴き声に聴こえピアノの音色はまるでフォルテピアノのように風情ある演奏を披露するとそこはまるでマルボロだった。この曲はシューマンが精神障害で自殺を試みる前年の1853年に書かれている。続くクルタークのシューマンへのオマージュ（1990年）は、分裂症害を患っていたシューマンの2つの人格、オイゼビウスとフロレスタンが描かれていて、同じピアノ、ビオラ、クラリネットのトリオが一変した演奏を繰り広げる。ぼんやりとレガートで不規則につながるクラリネット、ピアノ、ビオラ。壁に映った窓から差し込む日差しを無音で眺めているようだ。突然、丁寧にテーブルの上に並べられたものをひっくり返すような激しい喧騒。シューマンのフロレスタン。唇が震え激しく興奮している。10分弱の無機質で繊細な見事な音の空間芸術。頭には何もよぎらずピアノの安定したテンポの中で彼らが醸し出すいびつで本能的な音の空間を楽しんだ。シューマンの弦楽四重奏曲2番では別な4人のアンサンブル。1楽章で陽気に1つの主題を2つのバイオリンが掛け合う。うっとりするアンダンテ、アスレチックなスケルツォ、そして飛び跳ねるような舞曲。最後はシューマンの弦楽四重奏から50年後のブラームスが描いたクラリネット5重奏。5楽章からなり演奏時間は30分に及ぶ。マリア・ユデニッチの第一バイオリンはまるで山の斜面を流れる渓流のようにブラームスの深い抒情性を瑞々しく大きなスケールで奏でていく。アダージョのミュートをかけソロで主旋律を歌う様子にすぐにチャイコフスキーの協奏曲を思い浮かべ、後で彼女のスケジュールを調べてみると、チャイコフスキーの協奏曲を演奏していた。彼女に流れるロシアの血で奏でる深く豊かな音楽性を感じた。クラリネットのキム・サンユンは、シューマンの牧歌的な幻想、クルタークの精神障害、ブラームスの深い抒情性をそれぞれ見事に演奏した。マルボロの室内楽コンサートでは作品ごとの純粋な生命力を豊で新鮮な演奏で堪能できる。彼らはマルボロに可能性や新たな始まりとつながりを見出し、年齢や民族を超えた視点を育み、音楽の中で最も意義深く美しいと思うことを自由に追求し伝えていたといえる。一言で言うと、複数のソロを同時に聴いている気分。よく言えば斬新、で逆はバランスがめちゃくちゃ悪い。

Friday, February 21, 2025

Artists

Sang Yoon Kim, Clarinet
Maria Ioudenitch, Violin
Stephanie Zyzak, Violin
Hiroki Kasai, Viola
Natalie Loughran, Viola
Peter Stumpf, Cello
Evren Ozel, Piano

Program

ROBERT SCHUMANN (1810-1856)

Märchenerzählungen [Fairy Tales], Op. 132 (1853)

1.Lebhaft, nicht zu schnell

2.Lebhaft und sehr markirt

3.Ruhiges Tempo, mit zartem Ausdruck

4.Lebhaft, sehr markirt

Sang Yoon Kim, Natalie Loughran, Evren Ozel

GYÖRGY KURTÁG (B. 1926)

Hommage à R. Sch., Op. 15/d (1990)

1. (merkwürdige Pirouetten des Kapellmeisters Johannes Kreisler): Vivo [(remarkable pirouettes of music-master Johannes Kreisler)]

2. (E.*: der begrenzte Kreis ...): Molto semplice, piano e legato [*E. = Eusebius] [(Eusebius: the perfect circle...)]

3. (... und wieder zuckt es schmerzlich F.* um die Lippen...): Feroce, agitato

[*F. = Florestan]

[(.. and again there is a painful twitching about Florestan's lips...)]

4. (Felhő valék, már süt a nap...) (töredék-töredék): Calmo, scorrevole

[(The clouds are gone, the sun is already shining...) (Fragment-Fragment)]

5. In der Nacht: Presto

[In the night]

6. Abschied (Meister Raro entdeckt Guillaume de Machaut): Adagio, poco andante [Farewell (Master Raro discovers Guillaume de Machaut)]

Sang Yoon Kim, Natalie Loughran, Evren Ozel

R. SCHUMANN String Quartet in F Major, Op. 41, No. 2

BRAHMS Clarinet Quintet in B Minor, Op. 115

ロベルト・シューマン（1810-1856）

おとぎ話 Op. 132（1853）

活発だが、速すぎない

生き生きとしていてとても特徴的

穏やかなテンポ、繊細な表現

生き生きとした、非常に際立った

ジェルジ・クルターグ（1926年生まれ）

オマージュ・ア・R. Sch.、作品番号15/日 (1990)

1. (音楽の巨匠ヨハネス・クライスラーの見事なピルエット): Vivo [(音楽の巨匠ヨハネス・クライスラーの見事なピルエット)]

2. (E.*: 限られた円...): 非常にシンプル、ピアノとレガート [*E. = エウセビウス] [(エウセビウス: 完全な円...)]

3. (...そして再びF.*の唇が痛々しく痙攣する...): 激しく、興奮して

[*F. = フロレスタン]

[(...そして再びフロレスタンの唇が痛々しく痙攣する...)]

4. (雨が降って、とても疲れた...) (ゆっくり静かに): 落ち着いて、落ち着いて

【（雲は消え、太陽はもう輝いている…）（断片-断片）】

5. 夜の中で: プレスト

【夜】

6. 別れ（ラロ師匠がギヨーム・ド・マショーを発見）：アダージョ、ポコ・アンダンテ [別れ（ラロ師匠がギヨーム・ド・マショーを発見）]

Schumann’s Op41-2

1st half setting

Wish she connect Russian musican and music that I miss after Ukrein war

Stephanie and Maria’s autographs

Hagen Quartet's last session in New York

Hagen Quartet, a string quartet formed 43 years ago by brothers from Salzburg (one who was replaced by a friend midway through), announced that they would disband in 2026 and performed their final show in New York on February 19th. In Op. 54, published in 1788 by Haydn for the general public, I felt a flame of music burning in my heart when the scale of the first violin Lucas soared in the Allegretto. There were no bars, melody, and harmony sync in the Haydn that was lit inside me, and each consciousness naturally arose and connected with all the consciousness in the venue, and the slightest gestures of the audience seemed to affect their sounds and phrases directly. Even when the same melody was repeated, it was as if I was looking at different scenery in different places, and even when I arrived at the same place, it was as if I was looking at a different version of myself. Hagen was good at hiding, and the passages that appeared in the shadows of the melody were like the glow of a vast star far away in Haydn's universe. Clemens' cello sometimes left the sound after playing, as if watching the music drift in space. They created a sense of tension regardless of time or distance. Beethoven's Razumovsky came to mind when the performance (phenomenon?) ended. The following piece, Op.41 No.3, was written by the newly married Schumann in 1842 while he was mentally disabled and lonely and completed in a few days. After a short descending motif that sounds like a sigh appears many times, the swaying rhythm with rests makes you feel impatient and irritated, and the low-voiced cello sings a melody of love in a high voice as if it is lovesick. In the second movement, the theme is varied in molto agitato, and the impatient and urgent feelings continue to be pushed out until the l'istesso tempo, and the attack in the resolute sounds like a sharp thorn in the heart. In the third movement, Adagio Molto, the dotted ostinato played by Rainer Schmidt on the second violin, Lucas' melody, and Veronica's viola begin to appear, and it seems as if Schumann's true expression, which had been hidden until then, finally appears. Eventually, the pulsation of Schmidt's dotted ostinato begins to dance as the theme of the final chapter.

ザルツブルク出身の兄弟で（途中から友人に交代）43年前に活動を始めた弦楽四重奏グループのハゲンカルテットが2026年で解散を発表し、ニューヨークで2月18日に最後の公演を行った。ハイドンが一般の愛好家のために1788年に出版したOp.54では、アレグレットで駆け上がるファーストバイオリンのルーカスのスケールに心の中に灯る音楽の炎を感じた。彼らのセッションはリズムをとったり合わせている様子がない。私の中に灯されたハイドンの炎に小節線やメロディやハーモニーもなく、それぞれの意識が自然に発生し会場のあらゆる意識とつながり、聴衆のわずかなジェスチャーも彼らの響きやフレーズにダイレクトに働きかけるようで彼らの意識もまた同じだった。同じメロディが繰り返されても、違う場所で違う風景を眺めているようで同じ場所にたどり着いても、まるで違う自分を見ているようでもあった。ハゲンは隠すのがうまく、メロディの影に現れるパッセージがハイドンの宇宙の遥か彼方にある巨大な恒星の輝きのようだった。クレメンスのチェロは、ときに弾いた後の響きをほおっておき、それは音楽が空間に漂うのを眺めているようだった。こうして、彼らは時間や距離の隔たりに関係なく、その時の緊迫感を生み出していた。演奏が（現象？）終わると私の中でベートーベンのラズモフスキーが頭を過った。1842年に新婚のシューマンが精神障害と孤独の中で書いたOp.41の3は数日で完成させたそうだ。溜息にも聴こえる短く下降する音型が何度も現れた後、休符を伴う揺れるリズムが焦りや苛立ちを感じさせ、低い声のチェロが恋をわずらうように高い声で慈愛のメロディを歌う。2楽章はモルトアジタートでテーマが変奏しリステッソテンポまで焦りや切迫した気持ちが押し出すように続き、リソルートでアタックが心のとげのようだ。3楽章のアダージョモルトで第二バイオリンのライナー・シュミットが奏でるオスティナートにルーカスのメロディ、そして、ベロニカのビオラが現れると、今まで隠れていたシューマンの別な表情が現れたようだった。やがてシュミットの付点のオスティナートの脈動は最終章のテーマとなり踊りだす。

2.18.2025

Hagen Quartet

FRANZ JOSEPH HAYDN

Born in Rohrau, Austria, 1732

Died in Vienna, 1809

String Quartet in G Major, Op. 54, No. 1

String Quartet in E Major, Op. 54, No. 3

ROBERT SCHUMANN

Born in Zwickau, Germany, 1810

Died in Endenich, Germany, 1856

String Quartet No. 3 in A Major, Op. 41, No. 3

ekmeles: Stockhausen's Stimmung

The vocal group ekmeles performed Stockhausen's Stimmung at St. Paul’s Chapel, Columbia University on February 14th. The piece is over 70 minutes long, with six vocalists layering their voices and developing words and poems in 51 sections called models. In each model, humming such as "Moo-a-moo-a-moo-a" and "Myan-myan-myan-myan" is repeated, and the six vocalists gradually explore the overtones of the sound, creating an elusive and smooth overtone fusion interspersed with whispers, whistling, and chatter, resulting in a unique sound. Then, the names of the world's gods or greetings, such as Shiva, Vishnu, Hallelujah, and Salam, are repeatedly chanted. It calms the listener's mind and gives a sense of the ever-changing vitality. In German, Stimmung has various meanings, such as "tuning" and "mood," but Stockhausen wrote this piece in 1968 in his snow-covered home on frozen Long Island Sound . He said he recreated the "magical" space he found himself in after wandering around Mexican ruins for a month. Stockhausen first discovered the technique when he heard his young son humming and making various sounds in his crib after falling asleep. It sounded like a style of singing used by women and children in churches in the Middle Ages, but it was later entirely replaced by masculine Gregorian chant.

ヴォーカルグループ、エクメレスは2月14日、コロンビア大学セントポール礼拝堂でシュトックハウゼンのシュティムングの公演を行った。70分を超える作品を6人のヴォーカリストが声を重ね、51のモデルと呼ばれるセクションで言葉や詩を展開していく。各モデルでは「モーアモーアモーア」「ミャンミャンミャンミャン」などのハミングが繰り返され、彼らは徐々に音の倍音を探り、ささやき声や口笛、おしゃべりが散りばめられたとらえどころのない滑らかな倍音の融合が生まれる。そして、シヴァ、ヴィシュヌ、ハレルヤ、サラームなど世界の神々の名前や挨拶が繰り返し唱えられ、聴く者の心を落ち着かせ、絶えず変化する生命力を感じさせる。ドイツ語で Stimmung には「調律」や「気分」などさまざまな意味があるが、シュトックハウゼンは 1968年に凍りつくロングアイランドの雪に覆われた自宅でこの曲を書いた。彼はメキシコの遺跡を 1 か月ほどさまよった後に見つけた「魔法のような」空間を再現したという。シュトックハウゼンがこの技法を初めて発見したのは、幼い息子が眠りについた後にベビーベッドでハミングやさまざまな音を出しているのを聞いたときだったそうだ。中世の教会で女性や子供が使っていた歌い方に似ているそうだが、後に男性的なグレゴリオ聖歌に完全に取って代わられたようだ。この歌い方は中央アジアでも見られるという。

Stockhausen: Sounds in Space

2025-2026 Carnegie Hall Concerts

2025-2026 Carnegie Hall Concerts

Wednesday, October 15, 2025

Israel Philharmonic Orchestra

Lahav Shani, Music Director and Conductor

Pinchas Zukerman, Violin

Program

PROKOFIEV Overture on Hebrew Themes

BEN-HAIM Violin Concerto

TCHAIKOVSKY Symphony No. 4

Thursday, October 16, 2025

Israel Philharmonic Orchestra

Lahav Shani, Music Director and Conductor

Program

BERNSTEIN Halil

BEN-HAIM Symphony No. 1

TCHAIKOVSKY Symphony No. 5

Saturday, October 18, 2025

Israel Philharmonic Orchestra

Lahav Shani, Music Director and Conductor

Program

BEN-HAIM Symphony No. 2

TCHAIKOVSKY Symphony No. 6, "Pathétique"

Wednesday, October 22, 2025

Sir András Schiff, Piano

Thursday, October 23, 2025

Estonian Festival Orchestra

Paavo Järvi, Artistic Director and Conductor

Midori, Violin

Hans Christian Aavik, Violin

Nico Muhly, Piano

Estonian Philharmonic Chamber Choir

Tõnu Kaljuste, Director

Program

ALL-ARVO PÄRT PROGRAM

Cantus in memoriam Benjamin Britten

Perpetuum mobile

La Sindone

Adam’s Lament

Tabula Rasa

Fratres

Swansong

Credo

Friday, October 24, 2025

Performers

Estonian Philharmonic Chamber Choir

Tallinn Chamber Orchestra

Tõnu Kaljuste, Artistic Director and Chief Conductor

Program

ALL-ARVO PÄRT PROGRAM

Für Lennart in memoriam

L'abbé Agathon

Stabat Mater

Magnificat

Te Deum

Tuesday, October 28, 2025

Philharmonia Orchestra

Marin Alsop, Principal Guest Conductor

Alexandre Kantorow, Piano

Program

TCHAIKOVSKY Romeo and Juliet Fantasy Overture

PROKOFIEV Piano Concerto No. 3

BARTÓK Concerto for Orchestra

Wednesday, October 29, 2025

Performers

Philharmonia Orchestra

Santtu-Matias Rouvali, Principal Conductor

Víkingur Ólafsson, Piano

Program

BRAHMS Piano Concerto No. 2

GABRIELA ORTIZ New Work (NY Premiere)

SIBELIUS Symphony No. 5

Wednesday, November 5, 2025

Ksenija Sidorova, Accordion

Program

PHILIP GLASS Opening from Glassworks (arr. Ksenija Sidorova)

J. S. BACH Adagio from Keyboard Concerto in D Minor, BWV 974 (arr. Ksenija Sidorova)

SERGEY AKHUNOV Sketch III

J. S. BACH Chorale Prelude on "Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ" (arr. Ksenija Sidorova)

GABRIELA MONTERO Beyond Bach (arr. George Morton and Ksenija Sidorova)

FAZIL SAY 3 Ballads (arr. Ksenija Sidorova)

ALBÉNIZ Asturias

PIAZZOLLA Chau Paris (arr. Ksenija Sidorova)

FRANCK ANGELIS Fantasie on a Theme of Piazzolla, "Chiquilín de Bachín"

SERGEI VOITENKO Revelation

ALEXEY ARKHIPOVSKY Cinderella (arr. Alexander Poeluev)

SCHNITTKE Revis Fairy Tale, Four Movements from Gogol-Suite (arr. Friedrich Lips and Ksenija Sidorova)

Friday, November 7, 2025

Performers

Modigliani Quartet

- Amaury Coeytaux, Violin

- Loïc Rio, Violin

- Laurent Marfaing, Viola

- François Kieffer, Cello

Program

GYÖRGY KURTÁG Hommage à Mihály András (12 Microludes for String Quartet)

BEETHOVEN String Quartet in F Major, Op. 18, No. 1

BRAHMS String Quartet No. 2

Friday, November 7, 2025

Performers

Kyung Wha Chung, Violin

Kevin Kenner, Piano

Program

DEBUSSY Violin Sonata

SCHUBERT Fantasy in C Major, D. 934

SCHOENBERG Fantasy, Op. 47

FRANCK Violin Sonata

Sunday, November 9, 2025

Performers

Orchestre National de France

Cristian Mǎcelaru, Music Director and Conductor

Daniil Trifonov, Piano

Program

BARRAINE Symphony No. 2

SAINT-SAËNS Piano Concerto No. 2

RAVEL Piano Concerto in G Major

RAVEL Daphnis et Chloé Suite No. 2

Tuesday, November 18, 2025

Performers

Nicolas Altstaedt, Cello

Thomas Dunford, Lute

Program

MARAIS "La Rêveuse" from Pièces de viole, Book IV, No. 82

A. FORQUERAY "La Leclair" from Pièces de viole

J. S. BACH Cello Suite No. 1 in G Major (arr. Thomas Dunford)

MARAIS "Fêtes Champêtres" from Pièces de viole, Book IV, No. 61

MARAIS "Le Badinage" from Pièces de viole, Book IV, No. 87

MARAIS "Couplets de folies" from Pièces de viole, Book II, No. 20

J. S. BACH Cello Suite No. 5 in C Minor

ARVO PÄRT Spiegel im Spiegel (transcr. Thomas Dunford)

DUPARC Lento from Cello Sonata in A Minor

A. FORQUERAY "La Buisson" from Pièces de viole

MARAIS "Les voix humaines" from Pièces de viole, Book II, No. 63

MARAIS "Grande Ballet" from Pièces de viole, Book III, No. 13

MARAIS "Le Tourbillon" from Pièces de viole, Book IV, No. 64

Thursday, December 4, 2025

Performers

Gidon Kremer, Violin

Giedrė Dirvanauskaitė, Cello

Georgijs Osokins, Piano

Program

ARVO PÄRT Für Alina

ARVO PÄRT Fratres

ARVO PÄRT Mozart-Adagio

KANCHELI Middelheim

RACHMANINOFF Trio élégiaque

Tuesday, December 9, 2025

Performers

Chamber Orchestra of Europe

Yannick Nézet-Séguin, Conductor

Veronika Eberle, Violin

Jean-Guihen Queyras, Cello

Program

ALL-BRAHMS PROGRAM

Tragic Overture

Double Concerto

Symphony No. 1

Wednesday, December 10, 2025

Performers

Benjamin Grosvenor, Piano

Program

RAVEL Gaspard de la nuit

CHOPIN Piano Sonata No. 2 in B-flat Minor

MUSSORGSKY Pictures at an Exhibition

Saturday, December 13, 2025

Daniil Trifonov, Piano

Program

HANDEL Suite No. 7 in G Minor, HWV 432

BRAHMS Variations and Fugue on a Theme by Handel, Op. 24

R. SCHUMANN Davidsbündlertänze

BRAHMS Variations on a Theme by R. Schumann in F-sharp Major, Op. 9

Tuesday, January 20, 2026

Performers

The Cleveland Orchestra

Franz Welser-Möst, Music Director and Conductor

Asmik Grigorian, Soprano

Deniz Uzun, Mezzo-Soprano

Joshua Guerrero, Tenor

Tareq Nazmi, Bass

The Cleveland Orchestra Chorus

Lisa Wong, Director

Program

VERDI Requiem

Wednesday, January 21, 2026

The Cleveland Orchestra

Franz Welser-Möst, Music Director and Conductor

Program

MOZART Symphony No. 41, "Jupiter"

SHOSTAKOVICH Symphony No. 11, "The Year 1905"

Thursday, January 22, 2026

Performers

Rachell Ellen Wong, Violin

David Belkovski, Harpsichord

with

Coleman Itzkoff, Cello

Program

BIBER Violin Sonata in F Major, C. 140

J. S. BACH Violin Sonata No. 2 in A Major, BWV 1015

VERACINI Sonata in D Minor, Op. 2, No. 12

TARTINI Andante-Allegro from Violin Sonata in G Minor, "Devil's Trill"

ROYER "La Marche des Scythes" from Pièces de clavecin

LECLAIR Violin Sonata in D Major, Op. 9, No. 3

CORELLI Violin Sonata in D Minor, Op. 5, No. 12

Tuesday, January 27, 2026

Performers

Leif Ove Andsnes, Piano

Program

R. SCHUMANN Klavierstücke, Op. 32

GYÖRGY KURTÁG Selections from Játékok

JANÁČEK Selections from On the Overgrown Path

BARTÓK Burlesque No. 3 from Three Burlesques

LISZT Selected Consolations

R. SCHUMANN Blumenstück

R. SCHUMANN Carnaval

Wednesday, January 28, 2026

Timo Andres, Piano

Aaron Diehl, Piano

Program

Program to include:

ELLINGTON "Tonk"

MONK "Monk's Mood" (arr. Aaron Diehl)

TIMO ANDRES New Work (World Premiere, commissioned by Carnegie Hall)

JULIA WOLFE my lips from speaking

Plus selections from Timo Andres's Shy and Mighty

Friday, February 6, 2026

Performers

Budapest Festival Orchestra

Iván Fischer, Music Director

Maxim Vengerov, Violin

Program

ARVO PÄRT Summa

SIBELIUS Violin Concerto

BRAHMS Symphony No. 2

Saturday, February 7, 2026

Performers

Budapest Festival Orchestra

Iván Fischer, Music Director

Soloist to be announced

Choruses to be announced

Program

G. MAHLER Symphony No. 3

Wednesday, February 25, 2026

Performers

Chicago Symphony Orchestra

Klaus Mäkelä, Music Director Designate

Program

SIBELIUS Lemminkäinen

R. STRAUSS Ein Heldenleben

Friday, February 27, 2026

Vienna Philharmonic

Andris Nelsons, Conductor

Lang Lang, Piano

Program

BARTÓK Piano Concerto No. 3

G. MAHLER Symphony No. 1

Saturday, February 28, 2026

Performers

Vienna Philharmonic

Andris Nelsons, Conductor

Program

MOZART Symphony No. 36, "Linz"

DVOŘÁK Symphony No. 6

Sunday, March 1, 2026

Vienna Philharmonic

Andris Nelsons, Conductor

Program

R. STRAUSS Also sprach Zarathustra

SIBELIUS Symphony No. 2

Tuesday, March 10, 2026

Performers

The Philadelphia Orchestra

Yannick Nézet-Séguin, Music and Artistic Director

Ying Fang, Soprano

Joyce DiDonato, Mezzo-Soprano

Philadelphia Symphonic Choir

Joe Miller, Director

Program

G. MAHLER Symphony No. 2, "Resurrection"

Sunday, March 15, 2026

Tabea Zimmermann, Viola

Javier Perianes, Piano

Program

R. SCHUMANN Fantasiestücke, Op. 73

BRAHMS Viola Sonata in E-flat Major, Op. 120, No. 2

BRITTEN Lachrymae

SHOSTAKOVICH Viola Sonata

Wednesday, March 18, 2026

Performers

Concerto Köln

Shunske Sato, Violin

Max Volbers, Recorder

Program

TELEMANN Selections from Klingende Geographie

MRS PHILARMONICA Sonata sesta in G Major (arr. for string orchestra)

J. S. BACH Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R

GUISEPPE SAMMARTINI Recorder Concerto in F Major

HANDEL Concerto Grosso in F Major, Op. 6, No. 9

VIVALDI Concerto in A Minor for Two Violins, Strings, and Continuo, RV 522

Thursday, April 9, 2026

Boston Symphony Orchestra

Andris Nelsons, Music Director and Conductor

Renée Fleming, Soprano

Thomas Hampson, Bass-Baritone

Chorus to be announced

Program

JOHN ADAMS The Chairman Dances

JOHN ADAMS Selections from Nixon in China

DVOŘÁK Symphony No. 9, "From the New World"

Friday, April 10, 2026

Performers

Boston Symphony Orchestra

Andris Nelsons, Music Director and Conductor

Lang Lang, Piano

Program

OUTI TARKIAINEN Day Night Day (NY Premiere)

GRIEG Piano Concerto

SIBELIUS Symphony No. 1

Tuesday, April 21, 2026

Alexandre Kantorow, Piano

Program

LISZT Variations on the Theme "Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen" (after J. S. Bach)

MEDTNER Piano Sonata in F Minor, Op. 5

CHOPIN Prelude in C-sharp Minor, Op. 45

SCRIABIN Piano Sonata No. 10

BEETHOVEN Piano Sonata No. 21 in C Major, Op. 53, "Waldstein"

Thursday, April 30, 2026

Orchestra of St. Luke's

Masaaki Suzuki, Conductor

Midori, Violin

Program

MOZART Overture to Don Giovanni

BEETHOVEN Violin Concerto

FELIX MENDELSSOHN Symphony No. 4, "Italian"

Tuesday, May 19, 2026

Soloists of the Kronberg Academy

Kirill Gerstein, Piano

Program

ALL-BRAHMS PROGRAM

Piano Quartet No. 1 in G Minor, Op. 25

Piano Quartet No. 2 in A Major, Op. 26

Piano Quartet No. 3 in C Minor, Op. 60

Thursday, June 11, 2026

The Met Orchestra

Yannick Nézet-Séguin, Music Director and Conductor

Program

BRUCKNER Symphony No. 8

Theatre of Voices at Carnegie Hall

Founded in 1990 by leader Paul Hillier, Theater of Voices came at Zankel Hall in Carnegie Hall. This vocal group has been inclined towards both extremes, from medieval bard recitations to John Cage and Pärt. Their expression is free, new, and unpredictable, full of surprise and joy. Their singing is uniform and refined, and each passage is filled with detailed expression, conveying the lively message of the composer. Their outstanding technique and sensibility bring out the unique color of each piece, which may recall various genres depending on the song and free the listener from the familiar patterns created by commercial music. The program featured works by three of America's most representative artists today. It was a recollection of childhood dreams, a timeless record of nature, and a personal piece (expressing the artist's outstanding ability) in which she set to music a poem found in a magazine.

Michael Gordon's A Western is a boyhood dream of the 1950s film High Noon starring Gary Cooper and Grace Kelly. The opening line sounds like a medieval hymn, with the voices of men and women speaking from the heart of a child. A moment later, one man makes a gun shape with his hand and pretends to shoot at the others. In the program note, Gordon explains the work: " I set a 1958 television commercial for a cap pistol with the chilling line “every boy will stand tall when he wears a holster and pistol with the American brand.” In the passage, the feeling and music affect psychology. It was much more accurate and frightening than Verdi's expressions of curses or grudges. The intonation seemed to inherit the Western tradition, and like the music we hear daily, it felt like a unique world that was neither of them. Although the six singers had different voices, the intonation and quality were uniforms, and they perfectly expressed the song's character in each episode and the spirit of Gordon that resides in the work. Ultimately, I had the illusion that the sound was inside me.

John Luther Adams' A Brief Descent into Deep Time encapsulated his interests in nature, environment, resonance of specific places, and sonic geography, and expressed Adams' characteristic reinterpretation of place by combining place, imagination, and performance. Adams says, “My music is born in solitude. The work of composing is slow. It takes long stretches of uninterrupted time when I am as far removed as I can be from emails, phone calls, meetings, and social engagements. My work calls me to live as close as I can to the Earth, which is the ultimate source for everything I do.” The music begins with a high-pitched ultrasonic whine from a synthesizer. As the song progresses, the vocals are accompanied by changing sound effects such as glockenspiel, timpani, and bass drum, as the singer sings about the names and colors of the rocks in the Grand Canyon that trace the 2 billion years of geology. In his program notes, Adams says, "I’ve been busy following the rocks deeper into the canyon. Yesterday I passed the one-billion-year mark. The colors of the rocks and the beauty of their names have carried me away, perhaps too far. I’m a little concerned that this thing may be too beautiful. But, as always, it’s a journey of fascination, even obsession. I’m no longer in command, and all I can do is follow wherever it may lead … For now, the descent continues."

For "Italian Lesson," Julia Wolfe wrote that she was thinking about what was so special about Theater of Voice's transcendent sound when she came across a half-Italian poem recently published in The New Yorker called "Italian Lesson." The words are clear and direct, and she thought about how the rhythm, speed, and color differ in English and Italian. The song was supplemented with small sound-making objects and expressive gestures. Wolf says, "After all, the group’s name is “Theatre” of Voices. The piece, like the poem, traverses across different terrains, images, sensibilities. Sometimes I meditate on single phrases, other times the words and pitches develop into sonic textures and grooves. While the theater and clarity in the composition Italian Lesson relate to my recent large-scale oratorios, the intimacy of the ensemble, the members’ ethereal voices, and the poetry took me to fun, new, and unexpected worlds." Wolff's latest work, which draws inspiration from folk, classical and rock genres, brings a modern sensibility to each genre and breaks down the barriers between them, was presented with the outstanding technique and artistry of the Theatre of Voice. The world's most extraordinary vocal group performed a new sensation from some of America's leading writers. Every moment was filled with incredible sensations, and the audience was filled with hope for the future of music.

シアター・オブ・ヴォイシズ（直訳すると声の劇場）をカーネギーホールのザンケルホールで聴いた。リーダーのポール・ヒリアーが1990年に設立し、中世の吟遊詩人の朗唱からジョン・ケージやペルトまで両極端に傾倒してきたボーカルグループで、彼らの表現は自由で新しく、予測がつかない驚きと喜びに満たされる。その歌唱は均一で洗練されていて、どのパッセージにも詳細な表現が宿っていて作家の活きたメッセージを伝える。そして、その卓越した技術と感性が、曲によっては様々なジャンルを想起するものの、その作品だけが持つ特別な色を引き出し、商業音楽が生むおなじみのパターンから聴き手を解放する。このプログラムでは今のアメリカを代表する3人の作品が取り上げられた。それは、子供時代の夢の回想であり、時を超えた大自然の記録であり、雑誌で見つけた詩に曲をつけた個人的な作品（アーティストの卓越した能力を表現するもの）だった。マイケル・ゴードンの西部劇（A Western）は、ゲイリー・クーパーとグレース・ケリーが主演した 1950年代の映画、真昼の決闘（High Noon）の少年時代の憧れを描いたものだ。出だしでは子供の心が語るような男女の研ぎ澄まされた声がいつくにも重なって中世の賛美歌のようにも聴こえた。しばらくすると一人の男性が手で拳銃の形を作って、他のメンバーに向かって「プシュー」と銃を撃つ真似をし、間が抜けていて笑を誘う。プログラムノートではゴードン自身の言葉でこう書かれている。私は 1958年にキャップ ピストルのテレビ コマーシャルで「アメリカ ブランドのホルスターとピストルを身に着ければ、すべての少年は堂々と立つことができる」という恐ろしいセリフを宣伝しました。

I set a 1958 television commercial for a cap pistol with the chilling line “every boy will stand tall when he wears a holster and pistol with the American brand.”

パッセージでは言葉と音楽が持つフィーリングが心理に作用する。ヴェルディの呪いや恨みといった表現よりずっとリアルで恐ろしくなった。抑揚は西洋の伝統を受け継いでいるようであり、生活の中で耳にする音楽のようでもあり、そのどちらでもない独特の世界を感じた。6人の歌手はっきり別の声であるが抑揚や質は均一でどのエピソードでも曲のキャラクターを完璧に表現し、作品に宿るゴードンの精神を見事に表現していた。終盤はまるで自分の中で音が鳴っているような錯覚を覚えた。ジョン・ルーサー・アダムスの深遠な時間への短い降下では、自然愛、環境、特定の場所の共鳴、音地理学（sonic geography）といった彼の興味が凝縮されており、場所、想像力、パフォーマンスを結び付けて、その場所を再解釈するアダムスの特徴が表現されていた。「私の音楽は孤独の中で生まれる。」アダムスはメール、電話、会議、社交の場からできるだけ離れた、途切れることのない長い時間をかけ、行うすべてのことの究極の源である地球にできるだけ近いところで暮らすよう自分に呼びかけるそうだ。

“My music is born in solitude. The work of composing is slow. It takes long stretches of uninterrupted time when I am as far removed as I can be from emails, phone calls, meetings, and social engagements. My work calls me to live as close as I can to the Earth, which is the ultimate source for everything I do.”

曲はシンセサイザーから超音波のようなキーンという高い音から始まり、曲が進むにつれ、鉄琴、ティンパニ、バスドラムと歌唱に付随する音の効果が変わっていき20億年の地質をだどるグランドキャニオンの岩の名前と色が歌われた。アダムスはプログラムノートで「私は岩を追って峡谷の奥深くへと進んでいます。昨日、10億年という節目を越えました。岩の色と名前の美しさに、私は夢中になりました。おそらく、あまりにも遠くまで。このものが美しすぎるのではないかと少し心配しています。しかし、いつものように、これは魅惑の旅であり、執着でさえあります。私はもう主導権を握っておらず、私にできるのは、それがどこへ導くのかに従うことだけです…今のところ、下降は続きます。」と語る。

I’ve been busy following the rocks deeper into the canyon. Yesterday I passed the one-billion-year mark. The colors of the rocks and the beauty of their names have carried me away, perhaps too far. I’m a little concerned that this thing may be too beautiful. But, as always, it’s a journey of fascination, even obsession. I’m no longer in command, and all I can do is follow wherever it may lead … For now, the descent continues.

ジュリア・ウォルフが書きおろした「イタリアン・レッスン」では、シアター・オブ・ヴォイスの超越的なサウンドに何が特別なのかを考えていたとき、最近発行されたニューヨーカー誌に掲載された「イタリアン・レッスン」という半分イタリア語の詩に出会い言葉は明快で直接的であり、英語とイタリア語では、リズム、スピード、色がどのように異なるかを考えたそうだ。曲には、小さな音を出すオブジェクトと表現的なジェスチャーが加えられていた。ウォルフは「結局のところ、グループの名前は「声の劇場」です。この作品は、詩と同様に、さまざまな地形、イメージ、感性を横断します。時には単一のフレーズについて瞑想し、時には言葉と音程が音のテクスチャとグルーブに発展します。Italian Lesson の作品の劇場性と明快さは、最近の大規模なオラトリオに関連していますが、アンサンブルの親密さ、メンバーの優美な声、そして詩は、楽しくて新しい、予想外の世界へと私を導きました。」と語る。フォーク、クラシック、ロックのジャンルからインスピレーションを得て、それぞれのジャンルに現代的な感性をもたらし、同時にそれらの間の壁を壊すウォルフの最新作をシアター・オブ・ヴォイスの卓越した技術と芸術性で味わうことが出来た。アメリカを代表する作家たちの新感覚を世界でも最も優れたボーカルグループで味わい、音楽の未来への希望で満たされた。

2.11.2025

Theatre of Voices

Paul Hillier, Artistic Director

Vicky Chow, Keyboard

David Cossin, Percussion

Program

MICHAEL GORDON A Western (US Premiere)

JOHN LUTHER ADAMS A Brief Descent into Deep Time (US Premiere, co-commissioned by Carnegie Hall)

JULIA WOLFE Italian Lesson (World Premiere, co-commissioned by Carnegie Hall)

Julia Wolfe

Vicky Chow, Keyboard, David Cossin, Percussion after John Luther Adams' A Brief Descent into Deep Time