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BALSE

amor fati next human
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Concert 2024-25

LA Phil classics on 2025-2056

Kentaro Ogasawara July 5, 2025

9.28.2025

STRAUSS An Alpine Symphony

Gustavo Dudamel, conductor

10.12.2025

MAHLER Symphony No. 2, "Resurrection"

Gustavo Dudamel, conductor

11.9.2025

BRUCKNER Symphony No. 8

Zubin Mehta, conductor

1.18.2025

BUSONI Piano Concerto

Igor Levit, piano

4.24.2025

Ichiko Aoba

4.28.2025

BEETHOVEN Piano Sonata No. 21, “Waldstein”

Alexandre Kantorow, piano

Walkure form 5.19-

https://www.laphil.com

Comment

Severance Hall, Cleveland

THE ROOTS OF FORGIVENESS, Cleveland Orchestra at Severance Hall, Ohio

Kentaro Ogasawara June 19, 2025

“When you listen to the music in Jenůfa, it is very much earthbound. You have a soldiers’ dance and peasant songs, where there is no hiding behind affectations. “ - Franz Welser-Möst

On Sunday, May 25, the Cleveland Orchestra, under the direction of Music Director Franz Welser-Möst, performed Janáček's Jenufa in concert at Severance Hall in Cleveland, Ohio. The program notes included an article by Möst, which began with the words "The roots of forgiveness." They continued, "Janáček casts off the frivolity of aristocracy and explores the harsh experiences of real people, both in music and in story. This deep interest in the lives and suffering of ordinary people shapes the story and music of Jenufa, making it very visceral and accessible." A local person I spoke to at the venue told me, "When Jenufa realizes that Kostelnicka was acting out of love and protection, she can forgive her. Thus, this is not just a story of a messed-up family, but a truly moving story of sacrifice and community." Nina Stemme, who sang Jenufa in her youth, took on the pivotal role of the mother in this performance. Jenőfa's music skillfully combines instrumental tones and combines and builds short motifs to create grand emotions. There is no need for time-consuming interpretation like in Wagner's, and he portrays the hearts of ordinary people, where sound and emotion are instantly connected. The distance between the music and the audience is closer in the music of the Cleveland Orchestra at Severance Hall than when listening to them in New York. There is no need for the wasted energy that is spent in New York to immerse oneself in the work. I could understand very well why Möst chose this orchestra as his work partner when he was young. Surrounded by national highways, with a beautiful park and lake just across the road, the clear weather of Cleveland on a Sunday in May, and the interaction between people, both on stage and seats, through the music reminded me of when I was in my teens and twenties, when I was aspiring to be a musician, and I would judge the sound, and put all my energy into expression or the next moment. Cleveland and Möst have come to New York every year for 23 years, and I have listened to their performances every time, but Severance Hall was the first time I felt that way. I have enjoyed concerts with orchestras in Boston, Chicago, Philadelphia, and Los Angeles, but my experience at Severance Hall made me feel like I had rediscovered the feelings I had when I first began studying music.


Concert link

Program Note


JENŮFA

AN OPERA IN THREE ACTS

Leoš Janáček

COMPOSER

Gabriela Preissová

LIBRETTIST

Based on the play Její pastorkyňa

(Her Stepdaughter)

The Cleveland Orchestra

Franz Welser-Möst

CONDUCTOR

CAST (IN ORDER OF APPEARANCE)

Latonia Moore, Jenůfa

Marianne Cornetti, Grandmother

Buryjovka

Pavol Breslik, Laca Klemeň

Lucy Baker, Jano (Shepherd)

Will Liverman, Stárek (Mill Foreman)

Nina Stemme, Kostelnička Buryjovka

Miles Mykkanen, Števa Buryja

Sarah Hutchins, Barena & Aunt

Sarah Mesko, Shepherdess

Kyle Albertson, Mayor

Olivia Vote, Mayor’s Wife

Simone McIntosh, Karolka

The Cleveland Orchestra Chorus


5月25日(日)、オハイオ州クリーブランドのセヴェランス・ホールで、フランツ・ウェルザー=メスト音楽監督率いるクリーブランド管弦楽団によるヤナーチェク作曲『イェヌーファ』全曲演奏会を鑑賞した。プログラムノートはメストの言葉で、”許しの根源”で始まり、「ヤナーチェクは、貴族社会の軽薄さを脱ぎ捨て現実の人々の厳しい経験を音楽と物語の両方で探求していて、庶民の生活と苦悩へのこうした深い関心が、『イェヌーファ』のストーリーと音楽を形作り、非常に直感的で親しみやすいものにしている。」とあり、「イェヌーファは、コステルニチカが愛と保護のために行動していたことに気づき、彼女を許すことができた。したがって、これは単なるめちゃくちゃな家族の物語ではなく、真に心に響く犠牲と共同体の物語なのだ。」と、会場で出会った地元の方が教えてくれた。若き日にイェヌーファを歌ったニーナ・シュテンメが、この公演で重要な母親役を唱う。歌手が主役を演じた後、同じオペラの中でより経験を積んだ別の役に成長していくと、そのパフォーマンスに特別な味わいが加わる。イエヌーファの音楽は器楽の音色を巧みに組み合わせて、短いモチーフを組み合わせ積んでいくことで壮大な感情を生み出す。そこにワーグナーの様な時間のかかる解釈が必要なく、即時的に音と感情が結びつく庶民の心を描いている。イェヌーファの音楽はまさに地に足のついた響き。兵士の踊りや農民の歌が響き渡り、そこに虚飾の影など存在しない。

セベランスホールのクリーブランド管弦楽団の音楽はニューヨークで聴く彼らよりも、音楽と聴衆の距離が圧倒的に近い。作品に入り込むためのニューヨークで試される無駄なエネルギーがいらない。メストがなぜ、若いころこのオーケストラを自分の仕事相手として選んだかよく理解できた。国道に囲まれ、道路を挟んだ向かいには美しい公園と湖、5月の日曜日のクリーブランドの澄み切った気候、そして音楽を通じた人々の交流は、私が音楽家を目指していた10代、20代の頃、音を判断し、次の瞬間の表現に全力を注いでいた頃を思い出させた。ニューヨークで23年、毎年クリーブランドとメストはやってきて、その度に演奏を聴いてきたが、そんな気持ちになったのは、セベランスホールが初めてだった。ボストン、シカゴ、フィラデルフィア、ロサンゼルスでもオーケストラのコンサートを楽しんできたが、セヴェランス・ホールで体験したことで、音楽を学び始めた頃の感覚を取り戻したような気がした。

シュテンメの歌唱はそのパワーと的確な表現。若いころからずっと変わらないプロ意識と自己管理。自分よりも作品を伝える心。潔さ。ユーモア。音楽ファンのみならず、人として社会人として生き方として楽しみだけではなく、学びが多い。いつも胸が打たれる。

クリーブランド管弦楽団の総監督、フランツ・ウェルザー・メスト。全く飾らないこの姿勢とオーケストラとの信頼関係。もっと早く訪れるべきだったとニューヨークにいると感じる。

貴族社会の軽薄を排除した、現実の人々の生々しい体験が詰まっているヤナーチェクのイエヌーファの核となるテーマは許し。

セベランスホールの最前列、指揮台の後ろからの眺め。セカンドバイオリンのシュテファンがいる。彼はずっといるし、毎年ニューヨークにやってきた。セカンドなのにまるでソロのような卓越した演奏を繰り広げていた。オケは内声が立つと音楽の面白さの引き立て方がまた違う。それも全く感じさせない統合された世界をクリーブランドも繰り広げるが、面白いオケはトゥッティの中に全員ソロを感じる。

飛行機の座席の様なスペース。音楽とより親密。セベランスではオケの音色の積み方がカーネギーとは全然違う。一人ひとりが奏でる音色が積み重なり、小さなモチーフがやがて人々の心を揺さぶる壮大な交響体験となる。

ありがとう、セベランス。

総監督の自伝。全くその通りのタイトル。セベランスのお店で買えます。






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The five must-see works at the Metropolitan Opera in 2025-26

Kentaro Ogasawara June 17, 2025

The five must-see works at the Metropolitan Opera in 2025-26 are, first, Onegin sung by the world's diva. The singers are superb and the orchestra is perfect at the end of the season. Next is Wagner's Tristan. Conductor Yannick's interpretation, the singers participation, and Sharon's new production. It's sure to be wonderful. Third is Strauss' Arabella, a moving human drama. Fourth is Innocence, a contemporary opera by Sariaho. Fifth is the new Don Giovanni.

2025-26にメトロポリタン歌劇場で見るべき5作品は、まず世界のディーバが歌うオネーギン。歌手が最高でシーズン終わりでオケもばっちり。次がワーグナーのトリスタンの新演出。指揮者ヤニックの解釈、出演歌手の歌唱、そしてシャロンの演出。必ず素晴らしいものになる。3番目がシュトラウスのアラベラ。感動の人間ドラマ。4番目がイノセンス。サリアホの現代オペラ。5番目がドンジョバンニの新演出。

Met Opera

4.20.2026

Eugene Onegin

Tatiana, Asmik Grigorian

The most powerful vocal arts

3.9.2026

Tristan und Isolde

Yuval Sharon's new production

11.10.2026

Arabella

Strauss's Arabella

4.6.2026

Innocence

Kaija Saariaho's contemporary Opera at Met

9.24.2026

Don Giovanni

Ivo van Hove new production

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Tchaikovsky's Salvation, Queen of Spades at Met Opera

Kentaro Ogasawara June 3, 2025

Queen of Spades at Met Opera. A natural phenomenon in the aristocratic society at the end of the 18th century. Herman, who is addicted to gambling, uses Lisa, who he loves, to find out the secret of the cards from the Countess, betraying Lisa's feelings, and she takes her own life. Herman loses the gambling and commits suicide with a pistol. The final chorus of prayers for his tortured soul is tear-jerking. It is a story of losing purpose in a world that is constantly in flux, being seduced by immediate desires and ending one's life. Herman's writhing feelings, driven by a different passion, are replaced with love, and he sings to Lisa, "You are an angel." His passionate writing draws in Lisa. In the second act, her fiance, Yeketsky, sings "I love you" with dignity, sincerity, kindness, and passion. The contrast between these two loves is irresistible. The two singers beautifully portrayed the differences in the characters. The Russian folk songs in the scene with Lisa and her friends in the park, the singing and acting of Countess Violetta Urmama's monologue, and the children's chorus were all wonderful. And the gorgeous and magnificent chorus was terrific, as it well expressed the corrupted aristocratic trend of the time. However, Herman's inner anguish and suffering, the muddy timpani beats, and the dry or tired dragging tones of the flute and bassoon were entangled with the singing and riveted the hearts of the listeners. In the final scene with Herman and Lisa, when Herman betrays Lisa's heart, confesses his ambition to gambling, and runs away, the death march of Herman, who sold his soul to the devil, resounds from the double basses and brass on both sides, and in despair, Sonya Yoncheva, who plays Lisa, distorts her face, turns around, and disappears into the back of the stage. Tchaikovsky, who could not publicly admit his homosexuality, portrayed the protagonist as someone who, in his unrequited love for a singer who sang Germanic songs at the time, uses his love for Lisa to drive himself to self-destruction through gambling ambition. That's what I thought when I watched the conductor Wilson’s interview, and she portrayed that world.


18世紀末の貴族社会に蔓延する自然現象。賭博に溺れるヘルマンは、愛するリサを伯爵夫人からカードの秘密を探らせようと利用し、彼女の気持ちを裏切り、リサは自ら命を絶つ。賭博に敗れたヘルマンは拳銃自殺を遂げる。苦悩する魂への祈りが込められた最後のコーラスは、涙を誘う。常に変化し続ける世界で目的を失い、目先の欲望に翻弄され、自ら命を絶つ物語。かつてとは異なる情熱に突き動かされたヘルマンの悶え苦しむ感情は、愛へと変わり、リサに「あなたは天使だ」と歌いかける。彼の情熱的な作風はリサを惹きつける。第二幕では、婚約者エリツキが、品格と誠実さ、優しさ、そして情熱を込めて「愛している」と歌う。二つの愛の対比が抗しがたい魅力を放つ。二人の歌手は、登場人物の相違を見事に演じ分ける。公園でリーザと友人たちと過ごす場面のロシア民謡、ヴィオレッタ・ウルママ伯爵夫人の独白の歌唱と演技、そして児童合唱はどれも素晴らしく、特に豪華絢爛な合唱は、当時の堕落した貴族社会の風潮を巧みに表現していて、まさに圧巻。しかし、ヘルマンの内面の苦悩と苦悩、濁ったティンパニの音、そしてフルートとファゴットの乾いた、あるいは疲れたような引きずるような音色が、歌声と絡み合い、聴く者の心を釘付けにした。ヘルマンとリサとの最後の場面、ヘルマンがリサの心を裏切り、賭博への野望を告白して逃亡する場面では、悪魔に魂を売ったヘルマンのデスマーチが両脇のコントラバスと金管楽器から響き渡り、絶望の中、リサ役のソニア・ヨンチェヴァは顔をゆがめ、くるりと振り返り、舞台奥へと消えていく。同性愛を公に認めることができなかったチャイコフスキーは、主人公を、当時ゲルマン役の歌手への片思いの中で、リサへの愛を賭博への野望によって自滅へと追い込む人物として描いた。指揮者ウィルソンのインタビューを見て私はそう思ったし、彼女はその世界を描いていた。


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21 Century Salome at The Met

Kentaro Ogasawara May 12, 2025

Claus Guth's new production of Strauss' opera Salome opened at the Metropolitan Opera on April 29th. The opera, which premiered in Dresden in 1905, combines Wagner's grandeur and verismo's power of the moment. The themes of perverse sexual desire, dementia, necrophilia, and religious inspiration are intertwined. Mahler, the director of the Vienna Opera at the time, was scheduled to conduct the opera, but the plan was canceled due to censorship. Strauss called the singer who sang Salome at the time "a 16-year-old princess with the voice of Isolde," and he immediately recalled the music when he saw the opening lyrics, "How beautiful Salome is tonight!" The clarinet rises smoothly in Salome's theme, and when Jochanaan appears on the basement, the orchestra's sunny brilliance is reminiscent of Zarathustra, and the trumpets sound brilliantly. The eerie sound of the double bass surrounds Salome as she waits for Jochanaan's beheading, and Herod's mentally confused dynamism. Various scenes and characters are depicted with a delicate color composition full of transparency. In Guth's production, the curtain opens with the tinkle the music box, and a girl playing with a doll suddenly becomes angry and smashes the doll to the ground. The Times' review described it as "childhood, dance and violence." In this production, there are 7 Salome, ages from kindergarten to 16 years old. The music, which is based on the theme of the girl's persistent abnormal sexuality, also gives a different impression in this production. The doubles play out the psychological background of how her obsession with kissing the man she loves turns into murderous intent. In "Dance of the Seven Veils," seven Salomes tell the story of her years of abuse by King Herod. In the final monologue, when Salome obtains the head of Jochanaan, kisses it, and sings, the madness of desire that reaches ecstasy is also shown, as is the integration of the divided self surrounded by the doubles. Herod orders Salome's murder, but she disappears to the back of the stage. Elsa, singing Salome, sounds more like a recollection of her past self and compassion for her doubles, rather than a pure sexual pervert. Salome's experience while knowing the logical background is a sensation unique to the 21st century.

クラウス・グードの新演出のシュトラウスのオペラ、サロメが4月29日にメトロポリタン歌劇場で始まった。ワーナーの壮大さとヴェリズモの力強さが融合したこのオペラは、1905年にドレスデンで初演された。変態性欲、痴呆、死体性愛、宗教的霊感といったテーマが絡み合っている。当時ウィーン宮廷歌劇場の監督を務めていたマーラーは指揮を予定していたが、検閲により中止となった。シュトラウスは当時『サロメ』を歌った歌手を「イゾルデの声を持つ16歳の王女」と呼び、「今夜のサロメはなんと美しいことか!」という冒頭の歌詞に、シュトラウスはすぐに音楽を思い起こしたそうだ。サロメのテーマではクラリネットが滑らかに立ち上がり、ヨカナーンが地下室から現れる場面では、オーケストラの陽光のような輝きが『ツァラトゥストラ』を彷彿とさせ、トランペットが燦然と鳴る。ヨカナーンの斬首を待つサロメを包むコントラバスの不気味な音色、そしてヘロデの精神が錯乱した躍動感。透明感あふれる繊細な色彩構成で、様々な場面や登場人物が描かれる。グースの演出では、オルゴールの音で幕が開き、人形で遊んでいた少女が突然怒り出し、人形を地面に叩きつける。タイムズ紙の批評には「幼少期、ダンス、そして暴力」とある。この演出では幼稚園から16歳まで歳を重ねていくサロメが登場する。少女の執拗な異常性愛をテーマにした音楽もまた、この演出により全く異なる印象を与える。分身たちは、愛する男へのキスへの執着が殺意へと変わっていく心理的背景を演じる。「七つのヴェールの踊り」では、七人のサロメがヘロデ王による長年の虐待の物語を語る。最後のモノローグ、サロメがヨカナーンの首を手に入れ接吻し歌う場面では、エクスタシーに達する欲望の狂気も、分身に囲まれ分裂していた自己の統合が示される。ヘロデはサロメの殺害を命じるが、彼女は舞台奥へと姿を消す。サロメを歌うエルザは、純粋な性的倒錯者というよりは、過去の自分を思い出し分身を思いやるかのように聴こえる。心理背景を知りながら体験するサロメは21世紀ならではのセンセーションだ。変態親父ヘロデが16歳の義理の娘に果物を齧って残りは全部食べるくだりと、サロメがヨカナーンの首に熟した果物に食い付くようにというくだりの音楽が一緒で最高に気持ち悪い。こういった細部のシュトラウスの技巧を視聴者に魅せる演出ではない。

Richard Strauss

Salome Site link

Conductor

Yannick Nézet-Séguin

Production

Claus Guth DEBUT

Set designer

Etienne Pluss DEBUT

Costume designer

Ursula Kudrna DEBUT

lighting designer

Olaf Freese DEBUT

Projection designer

Rocafilm/

Roland Horvath

Choreographer

Sommer Ulrickson

DEBUT

Dramaturg

Yvonne Gebauer

DEBUT

Narraboth

Piotr Buszewski

Page

Tamara Mumford*

Joldiers

Harold Wilson

Richard Bernstein

Jochanaan

Peter Mattei

Cappadocian

Jeongcheol Cha

Salome

Elza van den Heever

Servant

Scott Scully

Herod

Gerhard Siegel

Herodias

Michelle DeYoung*

Jews

Bille Bruley DEBUT

Thomas Capobianco

Alex Boyer

Bernard Holcomb

Robert Pomakov

nazarenes

Le Bu*

Yeongtaek Yang**

child salome

Manon Fleur Antonio

Kate Lellos Doherty

Hardy

Vienna Judith Martinez

Willow McConnaughy

Louisa Pancoast

herod’s double

Devin Richey

Review

Comment

Nelsons and Boston Symphony tell Shostakovich's Nabat

Kentaro Ogasawara May 1, 2025

The Boston Symphony Orchestra and Andris Nelsons performed at Carnegie Hall on April 24, following their appearance the previous day. The program included Shostakovich's Cello Concerto No. 1 and Symphony No. 11. Shostakovich's son, Maxim, was in attendance. The New York Times reviewed the opening of the performance as follows:

“A single death is a tragedy, a million deaths a statistic.” At the start of the Boston Symphony Orchestra’s all-Shostakovich concert at Carnegie Hall on Thursday, the cellist Yo-Yo Ma invoked this darkly cynical statement attributed to Stalin. Addressing the capacity crowd, which included Shostakovich’s son Maxim, Ma added: “We play Shostakovich so that no death is ever just a statistic.”

The program started Cello Concert, composed in 1959 and dedicated to Rostropovich. Shostakovich's son Maxim said in an interview that Shostakovich and Rostropovich were very close. The opening theme is D-S-C-H, the opening syllables of Shostakovich, and this theme resonates throughout the piece. It consists of four movements, including a cadenza, and is performed by a small orchestra that includes one horn. The cello melody has a symbolic sound; the horn alternates with the melody, and the unison of the piccolo and clarinet is also impressive, which, combined with the solo cello, creates irony and grotesqueness. The second movement in particular gives a strong sense of Russian national character and shakes the soul. After the end of Stalin's reign of terror, there was a tendency to quote familiar songs and melodies.

The following Symphony No. 11 depicts the suppression of the people that took place in Moscow in January 1905, one year before Shostakovich was born. It was a Sunday morning in January of the lunar calendar. The protest demonstration of the people gathered in Palace Square was suppressed by military fire. After the quiet and hair-raising opening, string harmonics, flute unison, eerie timpani, trumpet fanfare, and celesta, it seems like a desolate world after the extinction of humanity after a nuclear war. This theme appears repeatedly. The scene of firing defenseless citizens at the command of the state and taking their lives was performed with remarkable unity by the Boston Symphony Orchestra. The snare drum roll, brass, and low strings express the violence and fear of the people under Nelsons, a marvel of an overwhelming orchestra that is cruel, merciless, and unified, no different from Russia today. Even after the performance ended, the snare roll, the icy trumpet fanfare, and the celesta came to mind again and again. I'm happy that this was music. I'm not familiar with the details of the many quotations in this piece, but I believe Shostakovich chose a piece he loved. Shostakovich is said to have depicted an unenlightened past, the awakening of protest, the maturation of revolutionary consciousness, the decisive battle, mourning for heroes who died in battle, and the triumphant dawn of a new era. The finale, known as Nabat in Russian or a warning, features a celesta.

If we make rules, murders become statistics, and no one pays attention if a child goes crazy next to someone concentrating. We live in an age of diversity where people can easily kill others without using weapons. Shostakovich speaks for the anger of the masses. The performance by the Boston Symphony Orchestra and Nelsons clearly showed through music the roots of the dissatisfaction that the masses feel, which is relevant to the modern age.

I hope that Shostakovich's music will lead to the realization of personal happiness that does not cause trouble to others. Russia and America are not so different in the sense that they are both groups of people lacking in morals.

ボストン交響楽団とアンドリス・ネルソンスは4月24日、カーネギーホールで前日に引き続き、演奏会を行った。プログラムはショスタコービチのチェロ協奏曲1番と交響曲11番。会場にはショスタコーヴィチの息子、マキシムの姿があった。ニューヨークタイムスのレビューでは、この公演の冒頭について以下の様に報じている。

「1人の死は悲劇だが、100万人の死は統計に過ぎない。」木曜日、カーネギーホールで行われたボストン交響楽団によるショスタコーヴィチのコンサートの冒頭で、チェロ奏者のヨーヨー・マはスターリンのものとされるこの暗く皮肉な発言を持ち出した。ショスタコーヴィチの息子マクシムを含む満員の観客に語りかけ、マ氏はこう付け加えた。「私たちはショスタコーヴィチを演奏することで、死が単なる統計にならないようにしています。」

1曲目のチェロ協奏曲1番は1959年に書かれ、ロストロポービチに捧げられた。ショスタコービチとロストロポービチはすごく仲が良かったと息子のマキシムがインタビューで話していたそうだ。冒頭のテーマはD-S-C-H、ショスタコービチの始めの綴りで、この主題が作品を通して現れる。カデンツァを含む4楽章で、小さな編成のオーケストラにはホルンが1つ。チェロの旋律を掛け合ったり、変わりに歌ったりと象徴的に聴こえる。ピッコロやクラリネットのユニゾンもとても印象深く、ソロチェロと一緒に皮肉とグロテスクを演出する。特に2楽章では、ロシア民族性を強く感じ魂を揺さぶられるようだった。スターリンの恐怖政治後は、なじみ深い歌や曲を引用する傾向があったそうだ。

続く交響曲第11番は、ショスタコーヴィチが生まれる前年の1905年1月にモスクワで起きた民衆の弾圧を描いている。陰暦1月の日曜日の朝のこと。宮殿広場に集まった民衆の抗議デモは軍の銃撃によって鎮圧された。静かで身の毛もよだつような冒頭の後、弦楽のハーモニクス、フルートのユニゾン、不気味なティンパニ、トランペットのファンファーレ、チェレスタが、核戦争後の人類滅亡後の荒廃した世界を思わせる。このテーマが繰り返し登場する。そして、国家の命令で無防備な市民に発砲し、命を奪っていく場面は、ボストン交響楽団によって驚異的な一体感をもって演奏された。スネアドラムのロール、金管楽器、低弦楽器がネルソン指揮下の民衆の暴力と恐怖を表現し、残酷で容赦なく、そして団結した圧倒的なオーケストラの驚異は、今のロシアと何ら変わらない。演奏が終わっても、あのスネアのロール、トランペットの凍てつくファンファーレ、チェレスタが何度も浮かんできた。これが音楽で本当に良かったと思う。この曲の沢山の引用は詳しくはしらないが、ショスタコービチが愛着ある曲を採用していることを感じる。ショスタコービチは、啓蒙されていない過去、抗議の目覚め、革命意識の成熟、決戦、戦死した英雄たちへの哀悼、そして、新時代の勝利に満ちた夜明けを描いたという。フィナーレはロシア語でNabat、警告とあり、チェレスタが用いられている。

ルールを作れば人殺しも統計になり、真面目に集中している横で子供が暴れても誰の注意もない。武器以外でも人間は簡単に殺せる多様性の時代。ショスタコービチは大衆の怒りを代弁している。ボストン交響楽団とネルソンスの演奏は、そういった現代に通じる大衆が抱える不満の根を鮮明に音楽で見せてくれた。

将来、ショスタコービチの音楽が人に迷惑をかけない個人の幸せの実現につながることを祈ります。ロシアもアメリカもモラルの足りない人間の集まりという意味ではそんなに変わらない。

4.24.2025

Boston Symphony Orchestra

Andris Nelsons, Music Director and Conductor

Yo-Yo Ma, Cello

Program

ALL-SHOSTAKOVICH PROGRAM

Cello Concerto No. 1

Symphony No. 11, "The Year 1905"

Encore:

TRAD. "Moyshele" (arr. for cello ensemble by Blaise Déjardin)

Comment

Boston Symphony and Nelsons tells Shostakovich's magic spel at Carnegie Hall

Kentaro Ogasawara April 30, 2025

Boston Symphony Orchestra and its music director, Andris Nelsons, held a concert at Carnegie Hall on April 23rd. The first piece was Beethoven's Piano Concerto No. 4, with Mitsuko Uchida as solo piano. The program notes said that the piece prominently depicts issues of power and domination and contains connotations of struggle and competition, which intrigued me. This piece was performed in 1808 on the same day as Symphony No. 5, known for its Fate motif. However, in contrast to the concise and powerful symphony, the Fate motif in No. 4 begins with a soft, quiet, and clear solo piano. Uchida's deep concentration on the sound gives the impression of silent resignation or strong determination. A positive and peaceful struggle. Walking quietly with a big walking stick (support). I felt strongly the atmosphere of Kurtág that I heard in the second half of the solo recital the other day. Fate spreads to the orchestra and develops as arpeggios and variations on the scale. Solo and orchestra. Individual and society. Uchida and Boston's quiet concentration. After the cadenza, the orchestra's theme faintly sounds. It's a little awkward but not unpleasant. I think this is who we are now. Instead, it's fragile and fragile. It's as if we're searching for our place in the world. In the second movement, Andante, the piano quietly responds to and accompanies the orchestra's Dias Ire (Day of Wrath) theme. It fades out quietly from Una Corda and moves on to the third movement. However, it is not a brilliant performance, but rather a Beethoven that can be called the abyss of Boston and Uchida. It is a performance that observes the bubbles that arise when loneliness and dissatisfaction are poured into water and finds a way out of them. But things happen and disappear—the universe. The three-year perspective on Mitsuko Uchida's tenure at Carnegie Hall has come to an end. In the second half, Shostakovich's last Symphony No. 15 was performed. It is the last symphony written in 1971 by a composer who realized that he was near death. There are also abstract references, and you can feel Shostakovich's overflowing imagination and creative energy. The first movement is a toy shop at midnight, the second is a lament, the third is a grotesque wind ensemble, and the fourth is a string serenade on the theme of Wagner's Siegfried. The theme appears intermittently, and at the end, in a harmony reminiscent of Mahler's Symphony No. 1, percussion instruments such as celestas and snare drums, as well as flutes and xylophones, appear one after another, and the curtain closes as if casting a spell. Shostakovich's wonderland, which continued to be created in Moscow under the Stalin regime, has something in common with the mysterious world of David Lynch. Throughout the concert, the impression of Boston was not about rhythm, vocals, or music but about an exchange of hearts and the phenomenon itself. The sharing of values ​​that Nelsons and Boston have cultivated over the years. The technique and fun of the new members and veterans were the very essence of Boston.

ボストン交響楽団と音楽監督アンドリス・ネルソンスが4月23日にカーネギーホールでコンサートを行った。1曲目はベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番で、ピアノは内田光子。プログラムノートには、この曲には権力と支配の問題が顕著に表れており、協奏の意味には闘争や競争の意味合いを内包していると書かれていて興味をそそられた。この曲は1808年、運命の曲で知られる交響曲第5番と同じ日に演奏された。しかし、簡潔で力強い交響曲とは対照的に、第4番の運命のモチーフは柔らかく静かで澄んだソロピアノで始まる。内田の音への深い集中は、静かな諦念、あるいは強い決意の印象を与える。前向きで静かな闘い。大きな杖(支え)を持って静かに歩む。先日のソロ・リサイタルの後半で聴いたクルタークの雰囲気を、私は強く感じた。その運命はオーケストラにも伝播し、アルペジオや音階の変奏として展開していく。ソロとオーケストラ。個人と社会。内田とボストンの静かな集中。カデンツァの後、オーケストラのテーマがかすかに響く。少しぎこちないが不快感はない。これが今の私たちなのだと思う。むしろ、はかなく脆い。まるで世界の中で居場所を探しているかのようだ。第2楽章アンダンテでは、オーケストラのディアス・イレ(怒りの日)のテーマにピアノが静かに応答し、伴奏する。ウナ・コルダから静かにフェードアウトし第3楽章へ。しかし、華麗な演奏ではなく、ボストンと内田の深淵とも言えるベートーヴェン。水に孤独や不満を注ぎ込んだ時に生じる泡を観察しその活路を見出すような演奏。しかし、事は起こり、消えていく森羅万象。カーネギーホールでの3年に渡る内田光子特集が終わった。後半はショスタコーヴィチ最後の交響曲第15番。死期を悟った作曲家が1971年に書いた最後の交響曲。抽象的な言及もあり、ショスタコーヴィチの溢れんばかりの発想力と創作の勢いを感じる。第1楽章は深夜の玩具屋、第2楽章は哀歌、第3楽章はグロテスクな木管アンサンブル、そして第4楽章はワーグナーのジークフリートの主題による弦楽セレナーデ。主題は断続的に現れ、最後はマーラーの交響曲第1番のような和声の中、チェレスタやスネアドラムといった打楽器、フルートやシロフォンの主題が次々と現れ、呪文を唱えるように幕を閉じる。スターリン体制下のモスクワで創造され続けたショスタコーヴィチのワンダーランドは、デヴィッド・リンチの神秘的な世界に通じる。コンサートを通して、ボストンの印象はリズムや歌唱、音楽ではなく、心の交流、そして現象そのものだった。ネルソンスとボストンが長年培ってきた価値観の共有。新メンバーとベテランの技巧と楽しさは、まさにボストンの真髄だった。

4.23.2025

Boston Symphony Orchestra
Andris Nelsons, Music Director and Conductor
Mitsuko Uchida, Piano

Program

BEETHOVEN Piano Concerto No. 4

SHOSTAKOVICH Symphony No. 15

New and Old faces togeter on Shostakovich’s 15th Symphony on Carnegie Hall

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